Author: magdalena.ackerl

Zwischen Projekten, Deadlines und allem, was rund ums Studium sonst noch passiert, blieb ehrlich gesagt nicht viel Zeit für „klassisches“ Konsumieren – also Filme schauen oder Bücher lesen. Dafür durfte ich durch unsere Projekte Eindrücke sammeln, die mindestens genauso viel Stoff für einen Impuls liefern.

Einer davon: unser Auftrag für den ORF zur Eröffnung der Koralmbahn.

Wohl kaum zu übersehen – dank motivierter Studienkolleg:innen und einer dezenten Portion Instagram-Dokumentation – durften Tanja Kobler und ich im Dezember an einer Live-Produktion mit dem ORF mitarbeiten.

Wie kam es dazu?

Unser Studiengang war beim Klanglicht vertreten – und offenbar nicht nur für die Besucher:innen ein Highlight. Schon am Abend unserer Abschlussfeier in der Antoniuskirche kursierte das Gerücht, dass jemand vom ORF Interesse an unserer Installation gezeigt hatte.

Und dann Stand tatsächlich die Anfrage im Raum!

Das Bürokratische „Behind the Scenes“ mal schnell übersprungen, freuten sich
Tanja und ich über die Anfrage, ob wir uns vorstellen könnten, die Live-Show zur Koralmtunnel-Eröffnung visuell mitzugestalten.

Worum ging es konkret?

Zur feierlichen Eröffnung des Koralmtunnels wurde sowohl vor Ort als auch live aus dem ORF Landesstudio Steiermark berichtet. Im Studio selbst sollten – inspiriert vom Klanglicht – hohe LED-Paneele als visuelles Element im Hintergrund integriert werden.

Unsere Aufgabe war weniger technischer Natur (Christoph Neuhold und Christian Stoisser begleiteten uns technisch durch den Prozess.), sondern klar gestalterisch:
Wir entwickelten die Visuals, die während Interviews, Moderationen und Beiträgen im Hintergrund liefen. „Subtil, aber präsent“, visuelle Atmosphäre, die unterstützt, ohne abzulenken.

Setup & Start

Mit Anfang Dezember wurde von Seiten der FH das LED-Wall-Setup konstruiert und zusammengesetzt – mit Fokus darauf das Setup in weiterer Folge weiterzuverwenden, wie sich später herausstellte. Anstatt dem 3 Meter hohen Tower, würden 3 Wände konstruiert, die flexibel positioniert und einfacher transportiert werden konnten.

Mit 04 Dezember ging’s dann auch für Tanja und mich los! Die erste Wand wurde für Trailer und Co. im ORF Landesstudio positioniert und eine erste „Vision“ wurde uns kommuniziert.

Das Briefing lies einiges an Freiheit offen (zynische Münder würden sagen es war schwammig) aber mit Fokus auf Tunnel, Züge und der Farbe rot konnte man in eine grobe Konzeptionsphase starten! Tanja und ich setzen uns also Zusammen, besprachen die Rahmenbedingungen, sammelten Ideen und starteten mit einem „visuellen Brainstorming“

Unser Prozess

Was folgte, war ein kreativer Sprint, voller Tests, Schleifen und ehrlichem Aussortieren.

Phase 1 – Ideenfindung
Ähnlich wie beim Klanglicht starteten wir mit offenem Experimentieren. Unterschiedliche Stile, Geschwindigkeiten, Texturen. Wir wollten verstehen, wie sich Details auf die vertikalen LED-Streifen übersetzen.

Erste Erkenntnis:
Was am Bildschirm wirkt, wirkt auf einer LED-Wand noch lange nicht.

Also: testen, verwerfen, neu denken.

Wir arbeiteten parallel, sammelten Snippets und Ansätze in einem gemeinsamen Pool und bauten sie in Roman’s Mockups ein, um die Visuals realitätsnah zu simulieren.

Phase 2 – Testen im Studio
Ein entscheidender Moment war das erste Live-Testen auf den tatsächlichen Paneelen. Gemeinsam mit Christoph Neuhold und Christian Stoisser wurden unsere Entwürfe technisch durchgespielt.

Hier zeigte sich schnell, welche Ideen funktionieren und welche zwar schön gedacht, aber im Raum nicht funktional sind. Es wird aussortiert, neu strukturiert und etwaige Ideen noch ergänzt, bevor es an ein erstes Feedback mit den Kund:innen ging

Phase 3 – erstes Feedback & Fokussierung
Mit dem ORF wurden die unterschiedlichen Stilrichtungen besprochen:
Wie schnell dürfen Bewegungen sein? Wie viel Dynamik verträgt eine Livesendung?
Was unterstützt das Setting, ohne Moderator:innen zu „erschlagen“?

Am Ende wurde eine Richtung definiert.

Phase 4 – Rethinken, Erweitern, Schärfen, Testen

Zurück am Schreibtisch sortieren wir heftig aus, was blieb war die getestete Basis. In diesem neuen Rahmen werden also weitere Visuals entwickelt, die die selbe Idee und den selben Style verfolgen. Es gab immer wieder internes Testen, es wurden alle Gedanken und Feedbacks notiert und eine Auswahl an von Visuals definiert Ab diesem Punkt ging es für Tanja und mich nicht mehr ums Suchen der Ideen, sondern ums Schärfen, Geschwindigkeit anpassen und Sequenzen strukturieren.

Phase 5 – Auswahl und Feinschliff

Die ausgewählten Visuals wurden dem ORF im finalen Setup präsentiert und es wurde eine finale Auswahl basierend auf den geplanten Sequenzen getroffen. Die letzten Änderungen wurden eingearbeitet, bevor die Loops bzw 20min Sequenzen final rausgerendert und ins Setup gespielt wurden. 

Es entstanden mehrere 20-Minuten-Loops, die den Ablauf der Sendung strukturiert begleiteten.
Zwar gab es immer wieder kleine Technische Hürden zu überwinden, aber mit dem Support des FH-Teams stand dem finalen Setup nichts mehr im Weg

Der Live-Tag

Generalprobe war ruhig, die Technik stabil und unsere Visuals funktionierten.

Am 12.12. war es dann ernst.

Headsets auf. Skript in der Hand.
… und genau fünfzehn Visuals in drei Stunden aktivieren. Klingt überschaubar.

Auf mehreren Kanälen liefen gleichzeitig Absprachen, Updates, kurzfristige Änderungen. Das wichtigste Mantra: Nicht wechseln, wenn wir live im Studio sind.

Die drei Stunden vergingen überraschend schnell.
Unsere Visuals liefen stabil, wir lauschten den Gesprächen übers Headset (für Detaileinblicke in den Prozess ;)) und ein paar Klicks später war es auch schon vorbei!

Resümee: 

Live-TV ist viel stressiger als Gedacht

Fehler passieren (auch live) letztendendes juckt aber he keinen also no hard feelings

Man kann auch in kurzer Zeit ziemlich coole Dinge auf die Beine stellen, wenn das Team motiviert ist und man mit etwas plan dran geht

Resümee’s schreiben ist leichter wenn’s noch nicht 2 Monate her ist (sorry aaah, aber es war echt cool und wir haben viele spannende Eindrücke gewonnen)

Danke an Roman für die Unterstützung (mental wie auch via After-Effects Mockups)
Danke an Christoph Neuhold, Christian Stoisser und Daniel Fabry für die Möglichkeit, die Organisation und das “Technik im Griff haben”

Von Ordnung zu Chaos – Prozesse, Motion Grammar und Learnings für meine Masterarbeit

Eines der Master-Highlights war für mich bestimmt unser Klanglicht Vertigo. Mit einem super motivierten Team hat das ganze mega viel Spaß gemacht und auch das Endergebnis kann sich sehen lassen (oder so).

Als einzige Media-Person kam ich zu Beginn sehr ins Schwitzen – nur ich, Aftereffects und die Ideen von 6 verschiedenen Menschen? Schwierig.

Neben der eigentlichen Animation war für mich deshalb vor allem der Arbeitsprozess super wichtig und das wollte ich auch irgendwie klar strukturieren. Uns war es deshalb dann wichtig, einen klaren gestalterischen Ablauf in unsere Zusammenarbeit zu bringen, damit ich am Ende nicht ganz chaotisch irgendwelche Dinge zusammenstöpseln muss.

Wir starteten deshalb mit einem gemeinsamen Brainstorming und einigten uns relativ schnell auf ein zentrales Thema: Control & Loss of Control. Daraus entwickelte sich eine grobe Story mit Spannungsbogen – von Ordnung hin zu Chaos. Diese Dramaturgie war nicht als klassische Handlung gedacht, sondern eher als emotionaler Verlauf.

Im nächsten Schritt teilten wir diesen Verlauf auch schon in mehrere Phasen auf. 

Für jede Phase definierten wir, was visuell und emotional passieren soll. Begriffe wie „Order“ und „Chaos“ übersetzten wir in konkrete „Visual properties“.

Welche Farben stehen für Kontrolle? Welche Formen für Instabilität? Welche Bewegungen wirken ruhig, welche chaotisch? Welche Dynamik unterstützt welchen Zustand? Und Warum?

Parallel dazu entwickelte Lukas Rieder dann ein Musikstück, das unserer Idee Rhythmus gab und die Dramaturgie übersetzt hat. Der Sound wurde zum zentralen „Struktur-Geber“, an dem sich die Animation orientieren konnte.

Wir arbeiteten mit einem klaren Spannungsbogen und vier Phasen, die visuell verständlich übersetzt werden mussten. Um passende Gestaltungsmittel zu finden (zuerst jeder für sich und dann auch im Team), definierten wir verschiedene Eigenschaften für abstrakte Begriffe wie Ordnung und Chaos. So war die Grundidee klar und alles weitere konnte in diesem Rahmen stattfinden.

Auf dieser Basis begann der experimentelle Teil: Ideen sammeln, visuelle Ansätze ausprobieren, alles verwerfen, neu denken (nochmal verwerfen und nochmal neu denken, …)

Wir arbeiteten mit Moodboards und Referenzen, entwickelten gezielt Elemente für die einzelnen Phasen, gaben uns 100 mal Feedback und setzten alles Schritt für Schritt zusammen. 

Danach wurde dann auch schon direkt an der Installation getestet, angepasst und wieder verändert.

Dieser Kreislauf aus Austesten, Korrigieren und Weiterentwickeln war zentral – genauso wie das ständige mentale Zurückkehren zur Kern-Idee. „Ist es nur cool oder passt’s auch zur Story?“ Transportiert es die richtigen Gefühle? Machte es Sinn im Ablauf? Denn am Ende sollte die Arbeit mehr sein als nur visuell spannend.

Diese Erfahrung fließt direkt in mein Masterprojekt ein, hoffe ich. Ich beschäftige mich ja mit „alternativen narrativen Strategien im Motion Design” – also konkret mit Storytelling ohne klassische Charaktere. In der kommerziellen Animation, vor allem in Erklärvideos und Markenkommunikation, sind Figuren oft noch Standard. Doch Vertigo hat mir noch einmal sehr klar gezeigt, dass Emotion, Verständlichkeit und Dramaturgie auch durch etwas abstraktere Systeme entstehen können – also weg mit all den Figuren?

Für meine Masterarbeit nehme ich aus diesem Projekt also mehrere Dinge mit:
– die Bedeutung eines klaren Prozesses (für mich, mein Team und das End-Ergebnis)
– die Übersetzung von Konzepten in visuelle Eigenschaften,
– die Rolle von Rhythmus und Timing als narrative Werkzeuge,
– Storytelling ist nicht an Charaktere gekoppelt, sondern an Bewegungssysteme, visuelle Hierarchien und Gestaltung

Wie lässt sich non-character Storytelling systematisch einsetzen? 

Und wie können solche Ansätze auch in Markenkommunikation und Erklärvideos funktionieren? 

Wenn Klanglicht eines kann, dann ist es Begeisterung auslösen und Emotionen hervorrufen. Und das Interessante daran: fast immer ohne klassische Charaktere, Maskottchen oder Figuren. 

Der Sprung vom Klanglicht zu meinem Masterarbeitsthema scheint auf den ersten Blick vielleicht etwas weit. (Oder auch nicht sooo weit)  Reduziert man das Ganze nämlich auf seinen Kern, lassen sich überraschend viele Parallelen ziehen!

Jede Installation verfolgt ein Ziel: eine Botschaft, eine Stimmung, manchmal eine klare Geschichte oder ein Gefühl. Die Besucher:innen werden dazu eingeladen, stehen zu bleiben, zuzusehen/hören und die Installation selbst zu entdecken. Und all das funktioniert ganz ohne animierte Figuren, Gesichter oder gar Avatare, die einem Erklären was gerade Sache ist.

Das große Potential von Klanglicht liegt eben genau darin! Geschichten, Gefühle oder Eindrücke entstehen nicht durch erzählte Charaktere, sondern durch Licht, Bewegung, Rhythmus, Klang und Stimmung. Das sollte doch auch in der klassischen Animation so sein.

Unser Studiengang hat Klanglicht dieses Jahr besonders intensiv wahrgenommen, weil wir nicht nur Besucher:innen waren, sondern selbst Teil einer Installation: Vertigo. Unsere Arbeiten befanden sich in einer Kirche, in der ein hoher Turm aus LED-Panels aufgebaut war. 

Dadurch, dass die LED-Panels relativ reduziert sind, wurde der Fokus noch stärker auf die einzelnen Bewegungen, Formen und Farben gelenkt. Ohne Details oder narrative Figuren rücken alle subtilen Veränderungen von Bewegung, Rhythmus und Farbübergängen umso deutlicher in den Vordergrund und bekommen eine eigene Bedeutung. Oder wurde gar die ganze Installation zum Charakter?

Storytelling kann man auch ohne Figuren erzählen. (Ist der Character dann einfach ein anderer? Was IST ein Character eigentlich? Dazu in der Masterarbeit später mehr)

Zuerst möchte ich über die anderen Installationen am Klanglicht schreiben.

Beim Spazieren und Entdecken der verschiedenen Installationen wurde eines sehr klar: Installationen wie Our Colour Reflection(Liz West), ECHOES OF LIGHT(Onion Lab) und Mantra Modulation(MO-YA) arbeiten mit Farbe, Form und Bewegung als Ausdrucksmittel.
All diese Werke eröffnen alternative Wege, Wahrnehmung zu erzählen – nicht als lineare Geschichte mit Helden und Figuren, sondern als Atmosphäre, Intensität und Bewegung. 

Also ist Klanglicht eine Inspiration für alternative Erzählweisen?

Viele Installationen arbeiten so: Sie erschaffen Erfahrungen, ohne ein typisches/klassisches Narrativ. Bei Echoes of Light (meiner Lieblings-Installation) wird mir einfachen Mitteln wie Sound, Laser und Spiegeln, eine ganze Geschichte erzählt. Ohne Worte, ohne charcater – durch funkelnde, strahlende, blinkende (oder eben nihct blinkende) Lichter.

All diese Installationen erzählen ihre Geschichten nicht über erlebte Figuren, sondern über Bewegung, Form, Farbe und Klang – Aspekte, die auch im Motion Design als „narrative Parameter“ genutzt werden können!

Mein Problem mit Kunst als Design 

Ich denke, durch den künstlerischen Kontext hat Klanglicht eine große Freiheit: Die Werke müssen sich nicht einem Kundenbriefing, irgendwelchen Zielgruppenprofilen oder klaren Kommunikationszielen unterwerfen. Kunst darf irritieren, verunsichern und vor allem auch offen bleiben. Das ist sehr befreiend für die Schaffenden, ist aber auch ein Luxus, den Design in der Branche ja doch oft nicht hat. Gerade im professionellen Grafik und Motion Design müssen wir meistens schnell, einfach und klar eine Botschaften vermitteln – für Kund:innen, Marken oder Produktziele.

Ich finde die Freiheit der Kunst kann Designer:innen unglaublich inspirieren, ein Kunstwerk muss aber in Design-Kontexte übersetzt werden – und das ist nicht immer einfach. Nicht jede abstrakte Installation ist automatisch ein gutes Design (aber trotzdem gute Kunst!). 

Die Installationen können mir als Motion Designerin zeigen, welche erzählerischen Parameter nutzbar sind, wenn man Figuren als einzigen „Narrationsanker“ wegfallen. Stattdessen zählt man auf Bewegung, Rhythmus, Rhythmuswechsel, Farbkontraste, Übergänge und visuelle Dynamik.

Für meine Masterarbeit interessieren mich eben genau diese alternativen Erzählweisen: Wie kann Motion Design Geschichten und Botschaften transportieren, ohne in Figurensprache zu verfallen? 

Klanglicht und besonders Vertigo haben mir gezeigt, dass narrative Erzählungen nicht ausschließlich durch Charaktere entstehen, sondern durch gestaltete Bewegung, visuelle Hierarchien und rhythmische Strukturen. (Das ist keine Überraschung, aber schön bestätigt zu werden! Dazu in einem Blogpost später mehr)

Simple Animationen, reduzierte Formen oder nur die Abfolge von Bild und Klang können ein emotionales Erlebnis schaffen – auch ohne Figuren im klassischen Sinn.

LINKS

Vor Kurzem war unser Studiengang im CoSA – Center of Science Activities in Graz. Ich war ehrlich positiv überrascht – so viel “Interactionnn Design!”

Ich verbinde Museen eher mit stillen Räumen, mit Wandtexten, Abstand halten und „Bitte nicht berühren“ ODER aber mit einem Kinderspielplatz, mit Bällen, Games und angerotzten Spiel-Stationen. Das CoSa war irgendwo schön dazwischen und man konnte selbst die unmotiviertesten Kolleg:innen irgendwo Dinge ausprobieren sehen.

Sehr „Interaction Design“

Was sofort aufgefallen ist: (Fast) alles ist interaktiv. Ich war beeindruckt und überrascht.

Dadurch fühlt sich der Museumsbesuch weniger nach „Fakten lernen“ an, sondern mehr nach Entdecken. Man bleibt automatisch neugieriger, aufmerksamer, aktiver – man will wissen die die Installation funktioniert, „was man da machen kann“ und lernt ganz nebenbei irgendwas über Technik, Bakterien und Co. 

Aber auch bei interaktiven Exhibits gilt es die Aufmerksamkeitsspanne und das Interesse der Zielgruppe miteinzukalkulieren… und eine Ausstellung zu Finanzbildung kann eine Bande Student-innen meist nicht mit der Spannung in der Info überzeugen. In der Theorie klang das Konzept eigentlich relativ vielversprechend: Quizze, Bildschirme, Punkte, Simulationen.

In der Praxis zeigte sich aber: Interaktiv heißt nicht automatisch verständlich oder spannend.

Teilweise waren die Screens überladen mit Informationen. Manche Stationen dauerten zu lange oder fühlten sich eher wie ein Test als wie ein Erlebnis an. Man klickte sich durch nicht um die Antworten kennen zu lernen sondern um „weiter zu kommen“.

Ein Thema wird nicht automatisch zugänglicher, nur weil man es „gamifiziert“. Interaktion muss inhaltlich, formal und dramaturgisch zusammenpassen.

Andere Bereiche im CoSA haben das deutlich besser gelöst. Besonders spannend fand ich den Technikbereich, in dem man sein eigenes Fahrzeug zusammenstellt und anschließend in einer Simulation testet. Die Ai-Station von MoYa, die Skizzen (von Kindern etc) scannt, erkennt und zb photorealistisch macht

Der Vibe muss passen

Was CoSA besonders gut schafft, ist eine Atmosphäre, in der man wieder ein bisschen Kind sein darf. Neugierig. Spielerisch. Fehlerfreundlich.

Diese Haltung finde ich unglaublich inspirierend – auch für unsere eigene Arbeit.
Gerade im Motion Design oder in der Animation geht es oft um Präzision, Perfektion, Timing. Aber Kreativität entsteht selten aus Druck. Sie entsteht im Ausprobieren.

Der Museumsbesuch hat mich daran erinnert, wie wichtig spielerische Räume sind – analog wie digital. Vielleicht brauchen wir mehr „Playgrounds“ für Kreative. Räume, in denen das Ziel nicht Produktivität ist, sondern Neugier.

Ausstellung: Junge Grafik Schweiz! In Zürich
https://museum-gestaltung.ch/de/ausstellung/junge-grafik-schweiz

Wir waren dort am 09.11.2025. Die Ausstellung läuft vom 24. Oktober 2025 bis 6. April 2026 – falls bis dahin noch jemand nach Zürich kommt. Wir waren sehr begeistert!

Die Ausstellung „Junge Grafik Schweiz!“ zeigt, wie die neue Generation von Designer:innen – so Mitte 20 bis Mitte 30 – gerade die Schweizer Grafikszene aufmischt. Die Schweiz hat ja eine ziemlich beeindruckende Grafiktradition, deshalb ist es umso spannender zu sehen, wie die jungen Designer:innen arbeiten.

Worum ging es in der Ausstellung

Die Ausstellung „Junge Grafik Schweiz!“ zeigt einen kleinen Einblick in die neue Generation von schweizer Designer:innen – Menschen im Alter von Mitte 20 bis Mitte 30.

Die Schweiz hat ja eine richtig starke Grafiktradition, und genau darauf bauen viele der jungen Gestalter:innen auf: Sie nehmen „das klassische Erbe“ als Basis, brechen es aber auf, mischen es neu und reagieren auf das, was sich heute in Medien, Gesellschaft und Technik verändert. Ich finde es ist die perfekt Mischung aus „Lernen und Profi werden, in dem wie es traditionell und etabliert funktioniert“ und daraufhin dann „Neues entdecken”. Das ist manchmal auch das, was mir bei vielen anderen Designern fehlt: Man kann erst “Aufbrechen und neu denken”, wenn man weiß was “das Alte” ist und was es so gut macht. System verstehen bevor man es rethinked, quasi.

Gezeigt wird in der Ausstellung ganz viel unterschiedliche visueller Gestaltung – von sehr experimentell bis super präzise. 

Ein großes Thema ist der Mix aus analog und digital:
Einerseits bieten neue Technologien und KI immer mehr Tools, andererseits wird gerade das „Menschliche“, das Materialhafte und das „bewusste Zulassen von Zufällen“ wieder wichtiger… Ich fand es super inspirierend und motivierend zu sehen wie hier damit umgegangen wurde und auch zu sehen wie “gute Art-Direction” KI Einsatz zu einem nützlichen Tool macht, anstatt Angst davor zu bekommen ersetzt zu werden.

Viele Designer:innen arbeiten kollaborativ und interdisziplinär und es gab für alle unseres kleinen Besucher:innen-Teams etwas darin zu entdecken, dass sie begeistert hat 🙂

WAS ist der IMPULS

Eher, was nicht?

1. Ich konnte einiges für mich als Motion Designerin mitnehmen, denn wenn die Ausstellung eines nicht war, dann war es unbewegt. So viele spannende Aufarbeitungen der Projekte, so viel Animation (IN 2D AAAAH!) Ansätze in Richtung  Motion Identity, Creative Coding, versuch. Showreels – sehr viel spannendes!
   
2. Für Tanja und mich als Studio-to-be gab es sehr viel inspirierendes und motivierendes für die eigene Arbeitsweise und es war super spannend zu sehen wohin es noch einer Gründung so gehen kann und wie spannend alles werden kann, wenn man sich den Raum dafür gibt.
   
   Gestalter:innen/Büros in der Ausstellung, zum Nach-googeln und Inspiriert werden:
   Unstated
   Data-Orbit
   Dirtygraphik
   Giliane Cachin
   Jana Sofie Liebe
   Office Ben Ganz
   Onari Projects
   Outline Online
   Pauline Mayor & Loïc Volkart
   Post Action
   Studio 11×1
   Tristesse
   
3. Auch für unsere Ausstellung im ESC konnten wir einiges mitnehmen, speziell in Bezug auf Ausstellungsgestaltung und Aufbereitung der Arbeiten! Eine Mini summary davon hier:

Mein Personal-Favorite war die Aufarbeitung verschiedener Interviews und Videos in einen “irgendwie coolen und spannenden Loop” Siehe unten.

Das Setup selbst macht die Installation schon doppelt so spannendnund die Art wie im loop mit den verschiedenen Bildschirmen, dem daraus entstehendem Grid usw spielt fand ich super spannend,a uch für unsere Exhibition!
Es geht um verschiedene Designer:innen und Studios die zu einem Thema Interviewed werden.
Mit der Transition kündigen sie an, wer noch in diesem Loop vorkommt und führen dann immer zu einem Studio. Es gibt den sonst relativ unspektakulär gestalteten (wenn auch informativen) Interviews Spannung und gestalterische Qualität. Im Übergang wird auch kurz erklärt wer nun sprechen wird bevor sich das Video aufbaut. Jeweils in einer Ecke läuft dann das Interview, während sich auf einem kleinen Screen daneben der Untertitel abspielt.
Zwar ist es dann vielleicht etwas viel Schnickschnack darum herum, aber vor allem das Setup mit den Bildschirmen, der Übergänge, das Placement etc. macht’s sehr spannend für mich als Grid-obsessed Motion Designerin!
Ich fand es schön zu sehen wie Animation und Motion Graphics so zu einem ziemlich relevanten Teil des Schnittes werden – mehr als nur Title Sequenz und Abspann!

Viele der Showreels in der Ausstellung waren auch hochformatig und mit viel Motiooon gelöst

Das war’s soweit – mehr Fotos und Videos will ich dann auch nicht in die WordPress-Datenbank hier jagen – am besten man schaut selbst vorbei (und besucht dabei auch unsere liebe Kata in Zürich!) 😉

LINKS
https://museum-gestaltung.ch/de/ausstellung/junge-grafik-schweiz
Onari Projects https://onariprojects.ch/
Outline Online https://www.outline-online.com/
Dirtygraphik https://dirtygraphik.ch/
Giliane Cachin https://gilianecachin.ch/stempel-diplom

Intro für Kontext:
Am 10.10 fand die CREATIVE NIGHT GRAZ 2025 statt und ich konnte dem Studio Unter freiem Himmel einen Besuch abstatten. Neben vielen Themen rund um Studio Gründung und Co bin ich dabei auch auf eine kleine Erkenntnis zum Thema Character-Animation gekommen

INSIGHTS Character Animation:

Im Studio haben wir natürlich auch viel über die Projekte gesprochen, die meisten (oder alle?) davon auch hier zu finden https://www.unterfreiemhimmel.net/projekte/

Da sind viele spannende Dinge dabei und vor allem in den Hauseigenen Showreels toben sie sich stilistisch und Thematische richtig aus.
Ich bin mit vier Befürchtungen in das Studio gestartet:
– Es wird zu viel Frame-by-Frame Animation angefragt
– Es wird zu viel 3D-Animation angefragt
– Es wird NICHTS angefragt weil die Branche stirbt (Thema KI)
– oder aber dass ALLES voller 2D-Character-Rigs sein wird. 

Keine meiner Ängste hat sich 100% bestätigt, außer wahrscheinlich letztere.

Und darum soll es gehen. Denn in dem langen Gespräch mit Michael und Gernot vor Ort konnte ich einige spannende Dinge mitnehmen.

Zwischen all den Erklär- und Werbefilmen zu den wohl UNTERSCHIEDLICHSTEN Themen hat mich eines nicht in Ruhe gelassen: „Muss ich wirklich ÜBERALL 2D-Character Animation machen? Ist es das, was Kund:innen wollen?“

Als Motion Designerin die vor allem auf Typografie und Motion Graphics „ohne Augen, Hände und Co.“ steht wäre das nämlich eher schlecht.

Im Gespräch mit Michael hat sich dann auch raushören lassen, dass ich damit nicht ganz alleine bin. Immer und überall wird ein Maskottchen, ein Charakter oder Sonstiges durch das Bild geschickt – Hauptsache irgendjemand geht „full body“ durchs Bild – super, ganzes Character Rig und holprigen Walk-Cycle.

Dabei sieht das doch selten WIRKLICH gut und sinnvoll aus.

Aber warum immer dieser Wunsch nach einem Character?
Vielleicht liegt es daran, dass es genau das Bild von Animation ist, das Kund:innen haben. Oder, dass sie sich andere Visualisierungen nicht vorstellen können? Oder liegt es daran dass es tatsächlich nur mit Charakter gut funktioniert? (I doubt it (und Michael does too) – oft sieht’s ja auch eher Bescheiden aus. Nicht bei Unter freiem Himmel natürlich, aber allgemein)

Natürlich lässt sich da viel Bezug zum Thema Wahrnehmung schaffen, den Personifikationen funktionieren ja nicht grundlos so gut (und es gibt ja auch viele Positiv-Bespiele). Aber haben wir das nicht langsam satt? Schauen wir uns sowas wirklich noch gerne an?

Im Gespräch mit Daniel Bauer konnte ich gut an das Gespräch mit Michael anknüpfen: Es gibt bestimmt einiges an geschichtlichen Beispielen für den „Rise of Character Animation“, denn in so ziemlich jedem großen Unternehmen, von Raiffeisenbank bist SBudget“ Lassen sich Maskottchen und Co finden – Selbst zum Thema Atomstrom?! Aber all diese Dinge sind heute weg – nicht mehr das Hauptgesicht der jeweiligen Marke. Warum ist das so? Haben wir Maskottchen satt? Sind sie nicht professionell genug? Hat sich die Wahrnehmung in diesem Sinne verändert?  Ist es etwas „The Fall of Character Animation“, den wir hier erleben?

Ist das nicht GENAU MEINE CHANCE um dahingehen zu recherchieren und so andere Wege, Erzählstrukturen und Stile zu finden, um die Visionen potenzieller Kund:innen zu unterstreichen?

Die Motivation ist hoch! Deshalb danke nochmal, Michael, für das lange Gespräch, all die Infos, Tipps, Motivationen und INSPIRATIONEN. Und auch Danke an Daniel Bauer, der das Thema mit den richtigen Buzzwords greifbarer gemacht hat!

LINKS:
https://www.unterfreiemhimmel.net/projekte/netformic/
https://www.cis.at/event/creative-night-graz-2025/
https://www.unterfreiemhimmel.net/

Am 10.10 fand die CREATIVE NIGHT GRAZ 2025 statt. 

Einen Abend lang öffnen die Studios und Agenturen der Stadt ihre Türen und die Kreativschaffende aus Graz geben Einblick in ihre Arbeitswelt und stellen sich einem breiten Publikum vor. Die Creative Night bietet den Besucher:in die Gelegenheit, Einblicke in die Arbeit der Kreativschaffenden zu erlangen, potenzielle Arbeitgeber:innen in den Creative Industries kennenzulernen oder mehr über Arbeitsprozesse und aktuelle Projekte zu erfahren, sowie neue Kontakte im lokalen Netzwerk zu knüpfen.

Viele Stationen haben wir persönlich nicht geschafft, aber wir haben das meiste aus den versch. Stationen rausgeholt!

Besonders unser Besuch bei Unter freiem Himmel hat mich sehr motiviert und inspiriert (und auch den finalen Impuls für meine Masterarbeit gegeben) – daher auch der Impuls-Beitrag dazu!

Meine Insights bzw. der Impuls lässt sich in zwei Themenbereiche gliedern
– Insights zum Thema Studio-Gründen nach dem Studium und Selbstständigkeit
– Insights zum Thema Character Animation

Da ich viele Worte dazu gefunden habe werden dass vermutlich ZWEI Impulsbeiträge, ich hoffe das ist in Ordnung?

INSIGHTS zum Gründen eines Studios 

Bei unserem Besuch konnten wir mit zwei von drei Personen des 3-köpfigen Studios quatschen. Grundsätzlich ist es ein Animationsstudio, vorallem 2D Animation, und sie machen animierte Image- und Werbespots, Trickfilme, Explainer, Motion Graphics und allgemein Visual Content. Sie haben auch einige Projekte gezeigt, wobei vieles davon in die Erklärfilm-Richtung ging – dazu später mehr.

Der erste Interessante Punkt war die Teilung der verschiedenen Arbeitsbereiche/Aufgabengebiete/Skills
– Gernot ist die Stimme des Studios „Konzept und Kommunikation“ und macht vorallem Konzepte, Texte Kundenkommunikation
– Michael beschäftigt sich mit allem rund um Illustration und 3D
– Benjamin, den wir leide nicht persönlich kennenlernen konnten, ist für Animation und VFX zuständig.

Die drei haben sich an der FH Joanneum kennengelernt und was für mich, also eine von 3 in unserem eigenen, zukünftigen Studio, auch sehr interessant war, war der Sprung aus der Uni in die Selbstständigkeit.

Bei Unter freiem Himmel hat sich das wie folgt entwicklet:
Einer der drei hat schon direkt nach dem Bachelor sein eigenes Studio gegründet, während die anderen beiden noch einen Master an ihr Studium angehängt haben. Nach dem Ende des Studiums haben sie dann zu dritt das heutige Studio gegründet, eine OG. Sie haben s als großen Vorteil genannt, schon vor dem Studienbeginn jemanden draußen in der Berufswelt zu haben, da so zum Zeitpunkt der Gründung schon ein paar Kund:innen da waren und man nicht bei Null starten musste.
Das sehe ich auch bei „Studio-noch-ohne-Namen“ von Tanja, Nadja (die dritte im Bunde) und mir als sehr vorteilhaft, denn zwar macht es die Work-Life-Balance derzeit etwas schwierig, aber sowohl Tanja als auch ich sind nun schon seit Jahren nebenher Selbstständig in unseren jeweiligen Bereichen und bringen jeweils einen kleinen Kundenstamm (und die Chance auf ein bisschen Mundpropaganda) mit in das gemeinsame Unternehmen. Auch kann man sie mehr Kapazität und auch in versch. Bereichen bei den bestehenden Kund:innen anbieten – alles super! 

Weiter mit den Insight: 

Die ersten 3 Jahre nach der Gründung wurden als eher „schwer und trist“ beschrieben und sie waren auch so ehrlich und haben uns auch von internen Deadlines erzählt: Wenn as ganze nach 3 Jahren nicht flüssig läuft müssen wir’s lassen“.
Sie haben in dieser Zeit sehr viel Akquise, Networking und Bio betrieben und auch die kleinsten Aufträge (für viel zu wenig Budget) umgesetzt. Damals waren sie auch noch sehr breit aufgestellt, mit Film Co. als Zusatz zu den eigentlichen Animations-Leistungen. „Hauptsache raus in die Welt“, damit man sie, das Studio und Co. als solches kennt und das Portfolio auch wirklich „echte“ Projekte, anstatt nur Studenten-Filme zu bieten hat. Es gab, wie so oft, auch einige andere Krisen zu überwinden und durchzustehen.

Aber nach 3,5 Jahren wurde dann plötzlich alles super – das ganze wurde ein Selbstläufer und man musste weniger Energie in aktive Akquise stecken.

Sie bieten seit einem Rebranding vor wenigen Jahren auch nurmehr Animation an, aber dafür in unterschiedlichsten Styles – denn „Animation ist schon Nische genug“ so groß sei der Markt dann auch nicht.

Sie haben uns außerdem ans Herz gelegt auch die Connections zur FH zu wahren. Nicht nur weil’s schön ist dort auch Kurse geben zu könne, sondern vor allem weil es ein breit gefächertes kreatives Netzwerk ist, dass sich nach dem Studium in der ganzen Welt verteilt.

Ein Ratschlag war es auch, sich am Anfang nicht entmutigen zu lassen. Es sei schwer und man soll schon realistisch bleiben und sich auch Gedanken um das „was wenn’s nicht klappt“ und „ab wann sagen wir STOPP“ machen – aber trotzdem ist eine eine super spannende und positive Sache, die einem Freude machen soll“

Abschließend ist „Mundpropaganda“ und Networking das aller wichtigste, heißt: Weiterhin RAUS in die Welt, nicht nur am Schreibtisch sitzen, freundlich und zugänglich bleiben und allen sagen dass unser „Studio-noch-ohne-Namen“ eine super Sache ist! 

(Weiter geht’s im Beitrag 2 zum Thema Character Animation)

LINKS:
https://www.unterfreiemhimmel.net/projekte/netformic/
https://www.cis.at/event/creative-night-graz-2025/
https://www.unterfreiemhimmel.net/

Nach längerer Suche nach einer passenden Arbeit habe ich mich letztlich für diese Master-Thesis entschieden – auch wenn sie thematisch nicht direkt an mein eigenes Vorhaben anschließt. Trotzdem war es spannend zu sehen, wie sich jemand wissenschaftlich mit Animation und einer literarischen Vorlage auseinandersetzt…

Titel: Designing a Title Sequence for Gabriel García Márquez’s “One Hundred Years of Solitude”

Autorin: María Paz Muñoz Balharry

Abschluss: Master of Fine Arts in Digital Arts

Institution: DigiPen Institute of Technology, Redmond (USA)

Erscheinungsjahr: Juli 2019

Betreuung: Pamela Mathues

Zugänglich über:
https://www.digipen.edu/academics/graduate-degrees/mfa-in-digital-arts/thesis-work

Wie wird das Artefakt in der Arbeit dokumentiert? 

Der eigentliche Titelvorspann ist in der Arbeit nicht zugänglich – es gibt nur Screenshots und Prozessdokumentationen. Auch online ließ sich kein schnell zugängliches Video finden und selbst wenn müsst es trotzdem im PDF hinterlegt sein.
Die Arbeit selbst beschreibt den Entstehungsprozess ausführlich: mit Skizzen, Moodboards und Erläuterungen zu gestalterischen Entscheidungen. Der kreative Prozess wird so also gut nachvollziehbar, auch wenn das fertige Ergebnis in dem Online zugänglichen PDF fehlt.

Wo und wie ist es zugänglich?

Das finale Video selbst ist also weder im PDF enthalten noch über die angegebenen Quellen zugänglich Auch über eine Internetrecherche war keine öffentliche Version des Films zugänglich.

Stimmen theoretische Argumentation und praktische Umsetzung überein?

Theorie und Praxis gehen hier in den meisten Kapiteln gemeinsam einher. Die Autorin trennt ihre Arbeit nicht konkret in einen theoretischen und einen praktischen Teil, sondern reflektiert ihre Recherchen/Analysen und  Entscheidungen kontinuierlich im Prozess und dokumentiert da dann auch ihren Projektstand. Dadurch wirkt die Arbeit nicht wie Forschung sondern mehr wie die Dokumentation des Entwicklungsprozess.

Ist die Dokumentation klar und nachvollziehbar? 

Ja, die Kapitel sind sehr verständlich und nachvollziehbar aufgeteilt. Die Arbeit ist logisch und klar in die versch. Kapitel gegliedert, alles ist leicht lesbar und logisch (aufeinander) aufgebaut. Jede Phase – von der ersten Idee bis zur finalen Umsetzung – wird nachvollziehbar beschrieben und dokumentiert. Positiv finde ich auch: Verworfene Ideen und Alternativen werden notiert und begründet, z.B. warum sie bestimmte Stile nicht verwenden konnte (bsp. fehlendes Skillset/würden den Rahmen sprengen/…) Das macht den kreativen Prozess sehr transparent.

Entspricht die Qualität des Artefakts dem Niveau einer Masterarbeit?

Basierend darauf, dass ich den finalen Film nicht sehen konnte und nur Screenshots und den Prozess in der Erstellung beurteilen kann finde ich, dass etwas an information fehlt, um die Frage zu beantworten. Dennoch lässt sich sagen: Die Qualität des Filmes wirkt künstlerisch hochwertig und gut recherchiert, vor allem illustrativ sehr gut gelöst und man erkennt das die Autorin dahingehend Fachlich-Kompetent ist. Stil, Szenen und Co. wurden immer basierend auf Recherche/Analysen gewählt, es wurde genau abgewogen und es wurden Entscheidungen basierend auf theoretischem Input getroffen – alle as spricht für eine gute Qualität

(Bewertungskriterien des CMS-Programms:)

Gesamteindruck – Standard und Qualität der gesamten Arbeit

Inhaltlich hätte ich mir an manchen Stellen etwas mehr theoretische Tiefe gewünscht. Die Autorin beschreibt ihre Recherche zwar, geht aber selten in analytische oder wissenschaftliche Tiefe. Quellen von z.B. Interviews werden eher beiläufig im Text erwähnt, fast immer ohne genaue Nachweise oder Fußnoten.
Trotzdem ist eigentlich immer spürbar, dass sie intensiv recherchiert hat – etwa durch Literaturanalysen (am Anfang), Stilrecherchen (im Prozess) und Gespräche mit Fachleuten. Ihr Entscheidungsprozess basiert auf Reflexion und Vergleich, nicht nur auf Intuition, aber es fehlt an Dokumentation davon. Es fehlt der wissenschaftliche Zugang und das wissenschaftliche Arbeiten.

Also Positiv: Die Arbeit ist klar strukturiert, verständlich und methodisch nachvollziehbar.
Negativ: Wissenschaftliche Tiefe und Dokumentation der Recherche/Umfragen lückenhaft
Insgesamt: Pprofessionellen Eindruck, auch wenn in theoretischer Tiefe eher begrenzt. Schwerpunkt liegt deutlich auf dem gestalterischen Prozess.

Innovationsgrad – Originalität und Beitrag zum Forschungsfeld

Ich habe mich ein bisschen informiert um mich richtig auszudrücken und würde daher sagen, die Arbeit verfolgt keinen „explizit wissenschaftlichen Forschungsansatz“, sondern einen … „künstlerisch-praktischen.“ Persönlich finde ich das für eine Masterarbeit eher weniger angemessen, es sollte doch schon zumindest ansatzweise wissenschaftlich/forschungs-relevant sein.

Die Arbeit hat einen klaren künstlerischen Charakter und zielt wenig auf neue Forschungserkenntnisse ab – vielmehr auf die persönliche Entwicklung der Autorin. Also die Erkenntnisse der Arbeit dienen in erster Linie der Autorin selbst, weniger einer wissenschaftlichen Gemeinschaft. (Ähnlich bei meiner eigenen Bachelorarbeit, wobei sich dort deutlich(er) und intensivere Forschungsarbeit im Theoretischen Bereich finden ließ, wenn auch nicht zum Design-Thema sondern zum Thema des Films.)
Hier sind es eher persönliche Einsichten in den gestalterischen Prozess und der Forschungsanteil bleibt überschaubar.

Eigenständigkeit – Grad der Originalität und Unabhängigkeit der Arbeit

Das Projekt basiert auf einer bestehenden literarischen Vorlage, was den thematischen Rahmen vorgibt. Die Originalität liegt eher in der individuellen visuellen Umsetzung und im ästhetischen Stil, der entwickelt wurde (basierend auf der Recherche etc.) weniger aber in theoretischen Erkenntnissen.

Aufbau und Struktur – Logische Kohärenz und Klarheit

Die Arbeit ist sehr gut gegliedert. Der Aufbau folgt dem Gestaltungsprozess chronologisch und ist logisch nachvollziehbar. Theorie und Praxis werden organisch miteinander verknüpft.
Die formale Gestaltung (Layout, Bildmaterial, Kapitelstruktur) wirkt nicht sonderlich beachtet.

Kommunikation – Verständlichkeit, Stil und Präsentationsqualität

Sprache, Stil und Aufbau sind insgesamt sehr klar und zugänglich. Fachbegriffe werden nur sparsam verwendet, was die Arbeit gut lesbar macht – auch für Leser:innen ohne tiefes Vorwissen. Gleichzeitig wirkt sie dadurch stellenweise etwas oberflächlich und weniger akademisch geprägt.

Umfang – Angemessenheit von Länge und Tiefe in Bezug auf das Thema 

Der Umfang ist okay, da die wichtigen Themen behandelt werden. Dennoch scheint es etwas kurz. Inhaltlich wäre mehr theoretische Tiefe gut, um die Arbeit wissenschaftlicher zu machen… 

Literatur und Quellen

Die Literaturliste ist recht kurz. Zitate und Interviews werden nicht immer vollständig belegt.  Einige Quellen, insbesondere Interviews oder persönliche Kontakte, sind im Text zwar erwähnt, werden jedoch nicht nachgewiesen und hinterlegt, nichtmal Fußnoten, was mich sehr verwundert.
Gerade für eine Masterarbeit wäre hier etwas Qualität bei der Quellenarbeit wünschenswert gewesen.

Fazit

Insgesamt ist die Arbeit als Beispiel für eine künstlerisch orientierte Masterarbeit im Bereich Digital Arts…okay. Positiv ist, dass sie gut dokumentierte Gestaltungsprozesse, klare Strukturen und nachvollziehbare Reflexionen beinhaltet.
Weniger überzeugend ist die theoretische Tiefe und die wissenschaftliche Fundierung, was mich sehr stört. Vor allem auch die lückenhafte Quellenarbeit führt form mich dazu, dass ich der Arbeit Qualität abspreche.

Als gestalterische Arbeit ist sie also solide und ästhetisch super ansprechend, als Forschungsarbeit bleibt sie aber eher „im beschreibenden Bereich“ und erarbeitet nicht wirklich neue Erkenntnisse.
Für mich kann ich daraus rausnehmen, wie man kreative Prozesse dokumentieren und begründen kann.

(AI Note:
I read in the AI Guideline FH JOANNEUM that „For the use of “everyday aids” for example, automatic formatting, grammar or spell checks, which are integrated into many word processing programs, no separate “labeling” is required.“ I am unsure of grammar/spell correction by tools like Chatgpt are included here too.
Therefore I want to add: ChatGPT-4 was used for grammar and spelling. All insights are based on my Notes, the Thesis-PDF was never uploaded to ChatGPT; I take full responsibility for the selection of the AI technology/technologies and have independently reviewed and validated all generated results.)