by florian.thausing -

Impulse no8: Playing The Fool

I first watched Ethan Hawke’s TED Talk “Give Yourself Permission to Be Creative” quite a while ago. Long enough that I don’t really remember what made me watch it but I did. And what stuck with me is the quiet persistence of its message. It left an impression on me, so much so that I bookmarked it in my browser and even though I don’t watch it regularly, every now and then, even now, months later, I find myself thinking about it.

He opens the talk with the fact that creativity isn’t reserved for the talented, the trained, or the publicly successful. Because it’s not about being good. Instead, creativity is something deeply human — a way of making sense of experience, of reaching toward connection, of expressing something that would otherwise remain unspoken. That idea shifted something in me. It loosened the quiet pressure of having to justify to myself whether what I wanted to make was going to have any value, either to me or others.

Hawke talks about how many of us hesitate to create because we’re worried about judgment — whether what we make will matter, whether it will be taken seriously, whether it proves anything about our worth, something that resonated deeply with me and still does sometimes. So much creative energy got trapped in the question: Will it be good enough? And anytime that question dominates, nothing begins.

One of the most uncomfortable ideas in the talk is also one of the most freeing: the willingness to look foolish. To play the fool, as Hawke puts it. To make something imperfect, uncertain, maybe even embarrassing — and to do it anyway. I realized how rarely I allowed myself that space. I wanted ideas to arrive already formed, already defensible, already safe, to not embarrass myself in front of my peers. And changing that mindset, getting over that fear takes a lot of work. Maybe a lifetime of it.

Another line that stayed with me is the notion that there is no clear path — that the path only appears once you start walking. I used to, and still often, believe that I need a plan before beginning something creative. A concept, a direction, a reason especially. But each time again, I’m shown how much meaning and direction emerges after the first few steps, not before.

Over the past year, one idea from the talk has become especially important to me: giving yourself permission to be good instead of perfect.

It sounds really simple but turns out to be something that needs reminding constantly!

Perfection feels safe. It promises protection from judgment. It delays the moment when something unfinished has to meet the world. Choosing “good” instead of “perfect” means accepting visibility, uncertainty, and the real possibility of failure. It means finishing things. Sharing things. Letting them be incomplete reflections of who you are right now.

And that is uncomfortable, but rewarding.

But looking back after nearly a year of trying, and failing (a lot), I’m reminded of why it’s worth the effort. Because allowing yourself to be good instead of perfect makes work feel lighter. It means you create more and I can now even feel curiosity replacing pressure sometimes. Slowly but surely being creative starts to feel like something I just am and not something I need to do to prove myself.

It’s hard to overstate the impact of Hawke’s TED Talk. I am reminded of it often especially in moments where the fear of embarrassment keeps me from creating. And sometimes I can convince myself to play the fool and do it anyway. Not always but more often than a year ago. And each time I do it has been a gain in one way or another.

by florian.thausing -

Impulse no7: Enshittification

I recently started reading parts of the book Enshittification. The title sounds crude but it did its job by catching my eye. Also it’s something that I think we all feel in our bones is happening. I mean, doesn’t it feel like almost every digital product gets worse over time?

In the beginning, things are always clean, filled with useful features, not too many ads, not too much pressure. You download something and it’s nice, looks good and just works. Obviously that’s the phase where companies sometimes sell at a loss and are extra nice to get as many people to sign up as quick as possible.

Then eventually things start to shift. You get shown more ads, there are suddenly pop-ups, features that were once free disappear behind subscription paywalls and/or an algorithm gets introduced that noone really asked for. Not all at once but slowly so everybody has time to get used to the latest shittification before the next gets introduced.

Reading the book felt a bit like hearing what I was feeling anyway. Products don’t seem to stay good. They get optimized, monetized, stretched, squeezed until what is left is just a worse and more expensive product. And I think we all notice it. We complain about it to friends (or at least I do).

But we still keep using everything.

And that feels like the weirdest part. There’s this shared feeling that things are getting shittier, but also this shared acceptance that this is just how it is. Like it’s bad weather you can’t change.
While reading, I kept thinking about how normal this has become. Not even shocking or scandalous anymore. Just normal, which is kinda depressing if you think about it too long, no?

What’s just as depressing is how many intentional decisions are behind this slow decline. None of this appears by accident. Someone designs these extra steps, someone decides where the ad goes and someone removes the privacy settings that used to be easy to find. It’s all intentional, even if it’s framed as “improving the experience” or whatever.

I don’t even read this in a super dramatic moral way. It’s more like noticing a pattern that’s been sitting in the background for years. It feels obvious. Of course this keeps happening. Of course growth and profit push things in this direction. Of course users are not really the priority forever.

Still, there’s something interesting about putting a clear name on this shared feeling. We all feel that menus get more confusing or question why instagram changes the menu bar around for the xth time ,because why?? Choices also get more limited unless you pay. And it’s not just one specific app, it’s every app.

I’m not even sure what the right reaction is. Delete everything? Maybe. Accept it? Not great.
Noticing and becoming aware of it seems like a good first step.

So yeah, that’s where I’m at after reading a few parts of this book. Not a huge revelation, more like a vague confirmation of a feeling that was already there. But it does reinforce a rebellious feeling inside of me to do better with my design and to never be part of an enshittification process for the sake of money-making.

by tereza.zivkovic -

TR #3 Susan Sontag and the Politics of L00king

Susan Sontag once wrote that to photograph is to appropriate. And honestly? That line hits differently when you think about queer bodies in post-socialist Yugoslavia.

Photography isn’t neutral. It never was.

Who gets photographed? Who is visible? Who controls the image? Those questions matter, especially in societies where queer people were pushed to the margins. In the 1990s Balkans, mainstream media rarely showed queer life — unless it was framed as scandal or deviance.

So when queer photographers documented their own communities, something shifted.

Sontag talks about how photographs shape reality rather than just reflect it. That’s exactly what happened here. The act of photographing queer people in nightclubs, apartments, protests — it wasn’t passive documentation. It was political.

The camera became a tool of survival.

But Sontag also warns us: looking can be a form of power. So we have to ask — who is behind the camera? Is it a queer insider? Or an outsider exoticizing?

In post-socialist contexts, this tension becomes even sharper. Western media often portrayed the Balkans as violent, backward, hyper-masculine. Queer photography disrupts that narrative. It complicates it. It says: yes, there is nationalism and war — but there is also softness, intimacy, glitter, and chosen family.

Photography doesn’t just show reality. It builds archives. And archives shape history.

Sontag helps us see that every image of a queer body in that time wasn’t accidental. It was loaded.

Looking is political. Being seen is political. And choosing how to be seen? That might be the most radical act of all.

by tereza.zivkovic -

TR #2 Drag Queens in the great Yugo

When people think about drag culture, they usually imagine glitter, RuPaul, big stages, maybe New York or Berlin. But what about Belgrade in the 1990s? Or Zagreb? Or Ljubljana right after socialism collapsed?

Drag in post-socialist Yugoslavia wasn’t just about performance. It wasn’t just about entertainment. It was survival. It was rebellion. And honestly? It was art in its rawest form.

The 1990s in the Balkans were chaotic. Yugoslavia dissolved. Wars broke out. Nationalism intensified. Public spaces became hyper-masculine, militarized, and deeply conservative. The idea of “proper” gender roles became even stricter. Men were supposed to be soldiers. Women were supposed to be mothers. And anyone outside that binary? Invisible — or worse.

So imagine doing drag in that environment.

Photography becomes incredibly important here. Because even when performances were underground — happening in clubs, private apartments, hidden parties — the camera captured proof. Not just proof that it happened, but proof that queer joy existed in the middle of violence and political collapse.

There’s something powerful about seeing a drag queen posing confidently in a space that politically didn’t want her to exist. The photograph freezes that moment. It says: “We were here.”

And what I find fascinating is how these photos often mix vulnerability and strength. You’ll see exaggerated femininity — wigs, dramatic makeup, heels — but also tension. Sometimes the background reveals peeling walls, dim lighting, makeshift stages. These weren’t polished Western drag scenes. They were improvised, local, specific.

Drag became a way to exaggerate gender so much that it exposed how fake gender already is. In a society obsessed with “real men” and “real women,” drag said: okay, let’s push that to the extreme. Let’s make it theatrical. Let’s make it absurd.

And photography amplified that message.

Because once something is photographed, it becomes harder to erase. Even if mainstream media ignored queer lives, these images circulated — sometimes privately, sometimes in alternative magazines, sometimes later in exhibitions. They created a visual memory.

What also strikes me is the intimacy of some of these photos. Not all drag photography from that era is about spectacle. Some images show performers backstage, removing makeup, smoking, laughing, looking tired. Those photos feel almost more radical. They show the human behind the persona.

In post-socialist societies, where identity was already being renegotiated (national identity, political identity, cultural identity), drag added another layer. It questioned gender at the exact moment when everything else was also unstable.

And maybe that’s why it feels so powerful.

Drag in post-socialist Yugoslavia wasn’t imported culture. It wasn’t imitation. It grew from local conditions — war, censorship, underground art scenes, economic crisis. It carried that tension in its aesthetics.

The camera didn’t just document drag. It collaborated with it.

The pose, the gaze, the defiance — they were all intensified by knowing the image might survive longer than the night itself.

Looking at these photographs today feels emotional. They’re not just pretty or edgy. They’re historical documents. They show that queerness didn’t suddenly “arrive” in the Balkans in the 2000s. It was always there. It was just pushed to the margins.

And honestly? That makes those glittery, defiant faces even more iconic.
by linaprima -

LS Impulse #8  Die Odyssee (Thalia Theater Hamburg)

I wasn’t sure at first if this experience would fit into my Design & Research impulses, but in the end it turned out to be one of the most memorable and emotionally intense cultural experiences I’ve had in a long time: the theatre performance Die Odyssee at Thalia Theater Hamburg. Honestly, I would recommend it to anyone, insane!

Ah and if you want to go, maybe don’t read this impulse now – spoiler alert 😊

The play reinterprets Homer’s Odyssey, but instead of retelling the heroic journey of Odysseus himself, it focuses on the people left behind aka his two sons Telemachos and Telegonos, who have never really known their father. Both wait for the return of a man who exists mostly as a myth, a story or a projection. Odysseus becomes less a person and more an unreliable narrative that the play uses as a red threat.

The performance begins with an almost empty coffin, probably Odysseus’, which already hints at absence rather than presence. At one point, a white balloon rises out of it like a soul escaping, only to be immediately shot down. Instead of epic heroism, we are confronted with absurdity, grief and irony. Throughout the play, the actors constantly switch roles, bodies, and identities. They become brothers, monsters, wrestlers, vampires, Odysseus himself, and at some point even storm through the audience with chainsaws. The stage design keeps transforming, nothing feels stable or fixed.

What makes the whole experience even stranger: most of the spoken language is a kind of fictional Nordic/Scandinavian-sounding mix. I didn’t literally understand much of it and still, somehow, I understood everything. Meaning was not transported through words alone but through rhythm, gesture, movement and atmosphere.

It was chaotic, absurd, funny, dark, and emotional all at once. I laughed a lot, but I also felt uncomfortable or even slightly scared at moments. It constantly shifted between comedy and tragedy. It felt like the play refused to settle into one tone or one clear interpretation.

What does this have to do with communication design?

Afterwards, I kept thinking about how strongly this performance worked without relying on rational clarity. In design, we often assume that communication has to be precise, readable, and immediately understandable. This play did the opposite: it embraced confusion, lost storylines and emotional intuition. And still it somehow communicated incredibly well.

The stage functioned almost like a spatial design system. Light, costumes, props, and bodies created meaning visually and physically. The actors’ movements replaced explanation. Language became sound and rhythm rather than information. It reminded me that communication is not only cognitive but also sensory and emotional.

In a way, the performance felt similar to some of the ideas I’m exploring in my own practice: breaking linear narratives, creating immersive environments, and allowing interpretation rather than controlling it. It also connects to my interest in public space and interaction. The moment the actors entered the audience dissolved the boundary between stage and viewer, turning spectators into participants.

Relevance for my Master’s thesis

This impulse is particularly interesting for my current research around rhythm, rhyme, and perception in design. The play showed me that structure can work beyond literal meaning. Even without understanding the language, I could follow emotional patterns, repetitions, and contrasts  almost like a visual or bodily form of rhyme.

For a potential Master’s project that deals with visual systems, visual rhymes, and alternative forms of communication, this feels very relevant. Die Odyssee reminded me that sometimes understanding doesn’t come from clarity but from immersion  from trusting emotion and intuition.

Links

https://www.thalia-theater.de/de/stuecke/die-odyssee/192

https://nachtkritik.de/nachtkritiken/deutschland/hamburg-schleswig-holstein/hamburg/thalia-theater-hamburg/die-odyssee-antu-romero-nunes-entfesselt-auf-seiner-irrfahrt-nach-homer-allen-theaterzauber-auf-einmal

http://theaterpur.net/theater/schauspiel/2018/04/hamburh-bochum-odyssee.html

by magdalena.ackerl -

Visual Perception and Memory (for Designers) (Blogpost 7)

Warum ist das wichtig für meine Design-Masterarbeit?

Unser Gehirn ist biologisch sehr stark auf unsere visuelle Wahrnehmung ausgerichtet – Bilder ziehen unsere Aufmerksamkeit fast automatisch an. Sehen ist unser zentraler Sinn für die Informationsaufnahme und vor allem visuelle Reize werden extrem schnell verarbeitet. Wir besitzen ein bemerkenswert leistungsfähiges Bildgedächtnis und können uns so an tausende Bilder mit ziemlich hoher Genauigkeit erinnern. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Introduction)
Unser Gehirn ist darum bemüht Sinn aus all den Reizen zu machen und der Prozess des Verstehens heißt so viel wie „unsere Erinnerungen nach Assoziationen, Emotionen und Verbindungen zu durchsuchen“ (Vgl. Malamed, 2015, chap. Introduction)

Ein grundlegendes Verständnis der menschlichen visuellen und kognitiven Fähigkeiten hilft Designer:innen dabei, verschiedene Botschaften gezielt und wirkungsvoll zu gestalten.Wenn man weiß wie Menschen Informationen wahrnehmen, verarbeiten und speichern kann Gestaltung präziser eingesetzt werden. Beispielsweise lassen sich Prozesse klarer visualisieren oder emotionale Reaktionen können bewusster auslösen werden. Design ist damit dann nicht mehr nur ästhetisch, sondern funktional wirksam, weil es sich an den tatsächlichen Grenzen und Möglichkeiten menschlicher Wahrnehmung orientiert. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Introduction)

Visual Processing bzw. „Visuelle Verarbeitung“

Wahrnehmung ist ein Prozess, in dem wir sensorische Reize aufnehmen (z.B. über unsere Sinne), diese Informationen dann verstehen und ihnen schlussendlich Bedeutung geben. Wir sehen etwas und müssen dann das Gesehene kognitiv verarbeiten, um daraus „Sinn“ abzuleiten. Unser Gehirn sucht dabei ständig nach Mustern, um schnell Entscheidungen treffen zu können. Unser Gehirn sucht in der visuellen Umgebung nach bedeutungsvollen Mustern, um Entscheidungen darüber zu treffen, wie wir handeln und reagieren sollen. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Menschen verarbeiten diese Reize während sie weiter mit ihrer Umwelt interagieren und es werden verschiedene Hirnregionen gleichzeitig aktiviert. Dieses parallele Verarbeiten ermöglicht es, visuelle Informationen so schnell und effizient zu erfassen und erklärt, warum Gestaltung ebenfalls schnell und wirkungsvoll kommunizieren kann! (Vgl. Malamed, 2015, chap. Introduction)

Visuelle Wahrnehmung ist ein wechselseitiger Prozess: Einerseits nehmen wir einzelne Details wahr und setzen sie zu einem Gesamtbild zusammen. Andererseits bringen wir eigenes Wissen sowie konkrete Ziele in die Wahrnehmung ein, die bestimmen, wohin wir blicken und wie wir sensorische Informationen interpretieren.

Wie wir Dinge wahrnehmen, entsteht aus dem Zusammenspiel von „Bottom-Up“ und „Top-Down“-Prozessen. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Bottom-Up-Verarbeitung

Die menschliche Fovea (im Auge) kann jeweils nur einen sehr kleinen Bereich scharf erfassen, weshalb wir unsere Umgebung nicht kontinuierlich, sondern in schnellen Sprüngen (Sakkaden) erfassen. Wir fixieren kurz einen Punkt, springen dann zum nächsten und nehmen bei jeder Fixation nur einen kleinen Teil der visuellen Information auf. Erst durch dieses Muster aus Sakkaden entsteht unser Gesamtbild der Umgebung. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Dieser Prozess läuft extrem schnell und früh in der visuellen Verarbeitung ab ohne bewusste Aufmerksamkeit. Bereits auf den ersten Blick erkennen wir unbewusst:
– Bewegung
– Kanten von Formen
– Farbe
– Konturen
– Kontraste
All diese Eigenschaften können genutzt werden, um Aufmerksamkeit im Design gezielt zu lenken! (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Währenddessen übernimmt das Gehirn gleichzeitig weitere Aufgaben:
Es unterscheidet Figur-Grund-Beziehungen, gruppiert visuelle Elemente, organisiert Texturen zu grundlegenden Formen. (Hier kommen die Gestaltprinzipien ins Spiel, aber darauf gehe ich in diesem Kapitel nicht näher ein.) (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Diese Prozesse laufen sehr schnell ab und lassen uns Dinge erkennen. Die gewonnenen Informationen werden unmittelbar an andere Hirnregionen weitergeleitet und beeinflussen, worauf wir als Nächstes unsere Aufmerksamkeit richten. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Top-Down-Verarbeitung

Die Top-Down-Verarbeitung wird durch Vorwissen, Erwartungen und aktuelle Ziele gesteuert. Was wir sehen, hängt also stark davon ab, wonach wir gerade suchen. Unser Gehirn blendet Informationen aus, die im Moment nicht relevant erscheinen, und hebt das hervor, was zu unserer aktuellen Aufgabe/Ziel passt. Verändert sich das Ziel, verändert sich auch die Wahrnehmung: Wir sehen mehr von dem, worauf wir fokussiert sind, und weniger vom Rest. Wahrnehmung ist daher kein rein visueller Vorgang, sondern wird maßgeblich durch Denken, Erwartungen und Absichten beeinflusst. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

All die visuelle Eindrücke werden zunächst nur für Millisekunden im sensorischen Gedächtnis gespeichert und erst später im Arbeitsgedächtnis wird die Information bewusst analysiert, verglichen und interpretiert. Dort treffen neue Reize auf vorhandenes Wissen – Bottom-Up- und Top-Down-Prozesse treffen quasi aufeinander.
Da Inhalte im Arbeitsgedächtnis schnell verblassen, müssen sie weiterverarbeitet werden, um behalten zu werden. Die Leistungsfähigkeit unseres Arbeitsgedächtnisses hängt unter anderem von Verarbeitungsgeschwindigkeit, Ablenkung, Alter und Expertise ab. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic.)

Die Belastung des Arbeitsgedächtnisses wird als cognitive load bezeichnet. Je höher sie ist, desto schlechter können wir Informationen verarbeiten. Für Design bedeutet das: Inhalte sollten so gestaltet werden, dass sie das Arbeitsgedächtnis nicht überanspruchen. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic. Cognitive Load: Demand on Working Memory) Wird Information dann im Arbeitsgedächtnis weiterverarbeitet und mit vorhandenem Wissen verknüpft, kann sie ins Langzeitgedächtnis übergehen. Das Langzeitgedächtnis speichert Fakten und Konzepte (semantisch), persönliche Erlebnisse und Emotionen (episodisch) sowie erlernte Abläufe und Fähigkeiten (prozedural). (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic. Long-Term Memory: Permanent Storage)

Unser Arbeitsgedächtnis ist begrenzt. Design muss Informationen daher klar strukturieren, reduzieren und priorisieren, damit sie überhaupt verarbeitet werden können. Je klarer, reduzierter und bedeutungsvoller Informationen gestaltet sind, desto eher bleiben sie im Gedächtnis.

Neue Informationen werden immer in vorhandenes Wissen eingeordnet. Dafür nutzt unser Gehirn sogenannte Schemata. Schemata sind mentale Strukturen, die dabei helfen, verschiedene Eindrücke schnell zu interpretieren und einzuordnen. Diese Schemata verändern sich laufend durch neue Erfahrungen. Abruf aus dem Gedächtnis geschieht über Reize wie Bilder, Emotionen oder Begriffe. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic. Schemas: Mental Representations)

Darüber hinaus nützt das Gehirn „mental Models“, also Vorstellungen davon, wie Dinge funktionieren (z.B. Navigation in Interfaces). Sie ermöglichen schnelle Orientierung, weil wir bekannte Muster auf neue Situationen übertragen. (Vgl. Malamed, 2015, chap. Section One Getting Graphic. Mental Models)

Für Designer:innen kann man daraus ableiten. Visuelle Elemente aktivieren automatisch bestehende Schemata und mental Models. Formen, Farben und Strukturen erzeugen immer auch Erwartungen und Bedeutungen. Gestaltung sollte daher an den kognitiven Voraussetzungen der Zielgruppe ausgerichtet sein und an deren Vorwissen, kulturellem Kontext, visueller Kompetenz, Motivation und Ablenkbarkeit. (Vgl. Bradley, 2011)

Design funktioniert dann am besten, wenn es an vorhandene Denkstrukturen anschließt und Bedeutung klar vermittelt – nicht nur ästhetisch wirkt. 

Designer sollen sich vor Beginn also die Frage stellen: Was soll hier eigentlich kommuniziert werden? Dann kann man die Gestaltung gezielt auf unterschiedliche kognitive Prozesse ausgerichtet werden.
– Geht es um Wiedererkennung, müssen Elemente durch Kontrast, Größe oder visuelle Dominanz hervorgehoben werden. (Vgl. Bradley, 2011)
– Geht es um Verständnis und Erkenntnis, braucht es klare Strukturen, Anknüpfung an bestehende mentale Modelle und visuelle Systeme, die leicht interpretierbar sind. (Vgl. Bradley, 2011)

Ein erfolgreiches Design berücksichtigt sowohl das Gesamtbild als auch alle einzelnen Elemente – etwa. Man soll bei allen Entscheidungen die kognitiven Aufgaben der Nutzer:innen mitzudenken und sich fragen: Welche Informationen sollen sie aufnehmen? Welche visuellen Fragen soll das Design beantworten? Wenn man diese Mechanismen versteht, kann man Gestaltung gezielt einsetzen, um Blickführung zu steuern, Bedeutung zu erzeugen und Inhalte nachhaltiger im Gedächtnis zu verankern. (Vgl. Bradley, 2011)

Quelle:

Malamed, C. (2015). Visual language for designers (E-book ed.). Rockport.

Bradley, S. (2011, March 7). About Vanseo Design. Vanseo Design. https://vanseodesign.com/about/

Bemerkung für Masterarbeit: Noch andere Quellen/Infos reinbringen und Verknüpfungen finden; Derzeit eher “Nacherzählung aus der Quelle”

by linaprima -

LS3 #7 Graphic Wit is Lit

Einer der Gründe, warum ich mich jetzt auf Reime im visuellen Design fokussiere, ist, dass ich oft den Humoraspekt in verschiedenen Design Medien vermisse. Und mit Reimen kann man da schnell mal ein bisschen Witz in etwas reinbringen, ohne den Inhalt dabei zu vergessen. Außerdem ist es ja auch klar, dass einem witzige Dinge bzw. Designs länger im Kopf bleiben als Neutrale (King, 2016). Daher gehts jetzt in diesem Post mal um Humor und Witz im Kommunikationsdesign.

Ich habe dazu eine sehr spannende Masterarbeit von 2025 gefunden (Also wirklich cool, ich hatte auf einmal Lust, die ganze Arbeit zu lesen? Hä?): A Case for Humour-Centred Design: Malentanglement, and (Mis)Understanding Humour and Laughter as Responses to Design and Design Innovation.

Hier wird nämlich erklärt, dass es basierend auf Humor im Design noch einige Forschungslücken gibt. Sie besagt, dass „Designer zwar ein klares Verständnis von Humor aufweisen, dieses Verständnis jedoch meist relativ eng gefasst ist. Damit ist gemeint, dass sich ihre Auffassung vor allem auf die Materialisierung von Witzen für rein kommerzielle Zwecke konzentriert, […] anstatt aus der Einsicht heraus zu entstehen, dass Humor ein bedeutsames und einflussreiches menschliches Phänomen ist, das Design und Designer auf subtile und komplexe Weise prägt“ (Humphries, 2025).

Die Forschungsfrage How might humour and laughter, as responses to design and design innovation, be better understood by design?, welche dann nochmal in drei simple Unterfragen aufgelöst sind: How is design understood? / how has design been understood?; How is humour understood? / how has humour been understood?; Why is this important? / How might understandings of humour benefit design? Schaffen eine klare Operationalisierung für das Thema und lassen gleichzeitig Spielraum für Antworten.

In der Arbeit werden dann verschieden Beispiele für Humor im Design vorgestellt und gleichzeitig eine klare Linie zwischen „laughed at“ und „laughed with“ Designs gezogen – Finding Funny Things and Finding Things Funny.

Beispiel Laughed At:

Ein bekanntes Beispiel ist ein Bleistift aus den späten 1990er-Jahren vom ‚Bureau for At-Risk Youth‘ in New York. Er sollte mit dem Anti-Drogen-Slogan ‚Too cool to do drugs‘ werben. Durch das Anspitzen verkürzt sich der Text jedoch schrittweise zu ‚Cool to do drugs‘, dann ‚Do drugs‘ und schließlich nur noch ‚drugs‘ – wodurch die eigentliche Botschaft unbeabsichtigt ins Gegenteil verkehrt wird.

Beispiel Laughed With:

Shrigleys ‚Heroin and Cocaine‘ Salz/ Pfeffer Streuer sind als bewusster, absurder Wortwitz konzipiert. Der Humor richtet sich gegen niemanden, sondern entsteht aus der spielerischen Irritation. Man lacht mit dem Design, nicht über etwas.

Die Ergebnisse?

Die Ergebnisse der Thesis zeigen, dass Humor und Lachen im Design häufig missverstanden werden. Statt sie als Zeichen von Scheitern oder Lächerlichkeit zu deuten, können sie als Hinweise auf Irritation, Brüche oder ungewohnte Verknüpfungen gelesen werden – also genau dort, wo Innovation entsteht. Mit dem Konzept der ‚malentanglement‘ beschreibt der Autor, dass Designs dann Lachen auslösen, wenn sie nicht ganz ‚passen‘ oder Erwartungen bewusst unterlaufen. Dieses Unbehagen oder diese Inkongruenz wird jedoch nicht als Problem, sondern als produktives Signal verstanden. Humor wird damit zu einer legitimen Gestaltungsstrategie und Lachen zu einem Indikator dafür, dass Design Aufmerksamkeit erzeugt, Denkweisen verschiebt und neue Perspektiven eröffnet (Humphries, 2025).

Kritik an Humor im Design

Humor in Design zu verwenden ist natürlich nicht immer eine gute Idee. Bei manchen Themen die z.B. politisch oder gesellschaftlich relevant sind, ist es manchmal schwierig, die Grenze zu finden und darauf zu achten, dass keine Verharmlosung ernster Themen, Oberflächlichkeit oder mangelnde Ernsthaftigkeit geschaffen wird. Gerade bei Satire oder Provokation ist die Linie sehr schwammig und teils subjektiv, ob Grenzen überschritten werden oder nicht.

Literaturverzeichnis

Humphries, T. (2025). A Case for Humour-Centred Design: Malentanglement, and (Mis)Understanding Humour and Laughter as Responses to Design and Design Innovation. (Version 1). Cardiff Metropolitan University. https://doi.org/10.25401/cardiffmet.28302338.v1

King, L. (2016, April 6). How wit and humour make for strong graphic design ideas. It’s Nice That. https://www.itsnicethat.com/articles/the-graphic-design-ideas-book-wit-and-humour-060416

Wiese, M. (2021). Satire als Methode im Kontext des spekulativen Designs. SpecLog. https://speclog.xyz/posts/satire-als-methode

by magdalena.ackerl -

Das beschleunigte Medium Social Media – Recherche-Ansatz 1(Blogpost 6)

Zitat:
Social Media sind digitale Medien und Technologien, die es Nutzerinnen/Nutzern  ermöglichen, über digitale Kanäle zu kommunizeren, sich zu vernetzen und auszutauschen sowie mediale Inhalte einzeln, in einer definierten Gruppe oder offen zu erstellen und weiterzugeben. Social-Media-Technologien können z.B. in folgende Bereiche unterteilt werden:

  • Kommunikation – dazu zählen etwa Blogs, Webinare, Mikroblogging, Soziale Netzwerke etc. (z.B. Facebook, X (Twitter), Linkedin, Xing)
  • Multimedia – dazu zählen Video-Sharing, Foto-Sharing, Livecasting, Vlogs, Podcasts etc. (z.B. Tik-Tok, Instagram, YouTube, Flickr)
  • Zusammenarbeit und Wissensmanagement – dazu zählen Wikis (z.B. Wikipedia), Social Bookmarks, Bewertungs- und Auskunftsportale etc.
  • Unterhaltung – dazu zählen Virtuelle Welten, Online-Spiele etc. (z.B. Second Life), Mobile Apps

(Österreich.gv.at-Redaktion, 2025)

Social Media im zeitgenössischen Marketing

Socialmedia ermöglicht Brands und Marken erstmals eine direkte, zweispurige Kommuniktion mit den Nutzer:innen und potenziellen Kund:innen! Man kann Feedback in Echtzeit aufnehmen, Inhalte personalisieren, Produkte bewerten und Gespräche anstoßen. Dadurch entstehen Beziehungen, in denen die User:innen aktiv  mit den Marken interagieren und eine emotionale Bindung aufbauen, anstatt nur passive Empfänger:innen zu sein (Vgl. Qiao, 2025).

Natürlich beeinflussen die Plattformen neben unserer Aufmerksamkeit auch unser Konsumverhalten. Die Kaufentscheidungen der Menschen werden durch Werbung, soziale Einflüssen und eben diesen Markeninteraktionen beeinflusst. Aufgrund der kontinuierlichen Markenpräsenz auf Social Media wird auch eine Art „Markenidentität“ auf seiten der User:innen aufgebaut und sie beginnen beispielsweise sich über Marken zu definieren oder sich mit ihnen zu identifizieren. (Vgl. Qiao, 2025)

Um die Verbindung zum Thema Aufmerksamkeit zu machen: Problematisch ist die Reizdichte in den Sozialen Netzwerken. Übermäßige Markeninhalte können das Nutzungserlebnis stören, lenken ab und es wird schwer die Aufmerksamkeit der User:innen zu bekommen. (Vgl. Qiao, 2025)

Diese Reizüberflutung ist – wie in vorhergehenden Blogposts beschrieben – kein rein plattformspezifisches Phänomen, sondern Teil einer allgemeinen, gesellschaftlichen Beschleunigung. Hartmut Rosa schreibt, dass sich Handlungen und Wahrnehmungsprozesse durch Zeitknappheit zunehmend verdichten und Inhalte immer schneller verarbeitet werden müssen, wodurch Aufmerksamkeit permanent neu verteilt werden muss (Rosa, 2005, p. 199–204). Gleichzeitig wächst mit der technischen Beschleunigung auch die Kommunikationsfrequenz – Kommunikation wird nicht nur schneller, sondern dichter und häufiger (Rosa, 2005, p. 252–253). All wird nach Qiao Beobachtungen auch auf Social Media sichtbar. (Vgl. Qiao, 2025)

In einer so „informationsgesättigten Umgebungen“ wie Social Media entsteht also ein Wettbewerb um Aufmerksamkeit, da Aufmerksamkeit eben jene „begrenzte Ressource“ ist, die zwischen immer mehr Reizen „effizient verteilt“ werden muss (Davenport & Beck, 2001, p. 2–3; Davenport & Beck, 2001, p. 3).

Will man dem Problem allerdings zumindest ein bisschen entgehen und nutzt die Möglichkeit, Inhalte für die User:innen  „vorzuselektieren“ und nur „für die jeweilige Person relevantes auszuspielen“ – man nennt es Datenbasierte Personalisierungen – so kommen Fragen zum Datenschutz und der Transparenz auf. (Vgl. Qiao, 2025)

Es wird daher zur Aufgabe der Marken, zwischen effektiver, datengetriebener Kommunikation und dem Schutz der Privatsphäre zu balancieren! (Vgl. Qiao, 2025) 

3. Einfluss von Social Media auf Markenwahrnehmung

Wie Markenwahrnehmung entsteht

Markenwahrnehmung beschreibt nach Qiao die Gesamtheit aus Eindrücken, Emotionen und Erwartungen, die Konsument:innen gegenüber einer Marke entwickeln. Sie entsteht über viele Kanäle gleichzeitig: visuelle Identität (Logo, Name, Design), Werbung, persönliche Produkterfahrung, Empfehlungen anderer Nutzer:innen, Markenstories sowie Social-Media-Inhalte (Qiao, 2025).

Social Media verstärkt diesen Prozess, weil Brands und Marken dort ständig präsent sein können. Nutzer:innen haben Einfluss auf die Markenwahrnehmung und formen diese mit, indem sie zB Kommentare, Likes oder Reviews hinterlassen. Wichtig ist zu bemerken, dass Nutzer:innen den Bewertungen anderer Nutzer:innen oft viel stärker vertrauen als klassischer Werbung – das macht Social Media zu einem noch wichtigeren Tool im Entscheidungsprozess. (Vgl. Qiao, 2025)

Vertrauen bildet die Grundlage für (Brand-)Loyalität. Diese Loyalität entsteht durch positive emotionale Erfahrungen mit der Marke und führen zu einer langfristigen Markenbindung. Dieses Vertrauen wird durch positive Nutzer:innen-Erfahrungen gestärkt (Vgl. Qiao, 2025)

Nach Qiao erhöht Social Media die Markenwahrnehmung vor allem durch:

  • massive Sichtbarkeit
  • virale Verbreitung von Inhalten
  • gezielte, datenbasierte Ansprache bestimmter Zielgruppen
  • Und die permanente Interaktion zwischen Marke und Nutzer:innen

(Qiao, 2025)

Durch Likes, Kommentare und dem Teilen von Inhalten werden Konsument:innen aktiv in die Kommunikation der Marke eingebunden und diese Partizipation lässt die Brands eben nahbarer und glaubwürdiger erscheinen, als klassische Einwegwerbung (Vgl. Qiao, 2025).

5. Challenges and Risks of Social Media Marketing

Qiao schreibt, dass Social Media für Marken zwar eine enorme Reichweite bietet, gleichzeitig können aber viele Probleme dabei erzeigt werden Durch die permanente Informationsflut, wie auch Hartmut Rosa und Davenport & Beck beschreiben, fühlen sich viele Nutzer:innen überfordert, was zu Reizüberflutung, Desinteresse und sinkender Aufmerksamkeit gegenüber all den Marketinginhalten führen kann. Besonders zu häufige oder zu aufdringliche Inhalte wirken kontraproduktiv und können negative Einstellungen gegenüber den Marken erzeigen. Zu häufige oder aufdringliche Werbung wirkt kontraproduktiv und kann negative Einstellungen gegenüber (Vgl. Qiao, 2025).

Außerdem ist es wichtig im Hinterkopf zu behalten, wie schnell Marken auf Social Media auch die Kontrolle verlieren können, indem sie negative Kommentare bekommen, oder weil Shitstorms oder Fehlinterpretationen das Image der Marke beschädigen. (Vgl. Qiao, 2025).

Das heißt, die Marken bewegen sich in einem sehr dynamischen, manchmal schwer steuerbaren Umfeld in dem es wenig Fehlertoleranz gibt und Aufmerksamkeit sehr flüchtig ist. Visuelle

Diese Flüchtigkeit lässt sich auch empirisch belegen, denn Eye-Tracking-Daten zeigen, dass bereits nach etwa 2,5 Sekunden 62,5 % der Betrachter:innen den visuellen Kontakt zu Werbestimuli abbrechen (eye square, 2020, p. 2). Aufmerksamkeit operiert damit vorallem in extrem kurzen Zeiteinheiten, in denen Inhalte entweder unmittelbar verarbeitet werden – oder verloren gehen (eye square, 2020, p. 4–5).Diese Mikro-Zeitfenster verstärken den von Davenport und Beck beschriebenen „Wettbewerb um Aufmerksamkeit“, in dem Organisationen und Marken gezwungen sind, aus einer Überfülle an Informationsquellen selektiv wahrgenommen zu werden (Davenport & Beck, 2001, p. 3).

Kommunikation wird sofort selektiert und bewertet. Eine Markenpersönlichkeit, also Brand Identity, wird heute also in beschleunigten, bewegten, interaktiven Kontexten konstruiert — nicht mehr primär über statische Identitätssysteme.

Social Media ist unausweichlich und ein zentraler Faktor in der Markenidentität. Diese Plattformen beeinflussen nicht nur unsere allgemeine Wahrnehmung, wie man information aufnimmt  und „beschleunigen“ unsere Welt weiter, sie beeinflussen auch wie Nutzer.innen Marken bewerten und wie sie ihre Kaufentscheidungen treffen. Durch Interaktion, Personalisierung und emotionale Ansprache entstehen neue Formen der Markenbindung, gleichzeitig aber auch neue Anforderungen an Glaubwürdigkeit und Transparenz (zB beim Thema Datenschutz) (Vgl.Qiao, 2025).

Durch Social Media ist Informationsvermittlung zwischen Marke und Nutzer:in nicht mehr einseitig

Und es wird ein kontinuierlicher Austauschprozess, in dem die Nutzer:innen eben sogar aktiv die Bedeutung der Marke mit-formen. Marken müssen deshalb nicht nur sichtbar auf Social Media sein, sondern vorallem konsistent, responsiv und vertrauenswürdig auftreten, um langfristige Beziehungen aufzubauen (Vgl. Qiao, 2025).

Quellen:

Qiao, C. (2025). The impact of social media on brand perception and consumer behavior. Highlights in Business, Economics and Management, 52.

Davenport, T. H., & Beck, J. C. (2001). The attention economy: Understanding the new currency of business. Harvard Business School Press.

Rosa, H. (2005). Beschleunigung: Die Veränderung der Zeitstrukturen in der Moderne. Suhrkamp.

Österreich.gv.at-Redaktion. (2025, May 19). Social Media. oesterreich.gv.at. https://www.oesterreich.gv.at/de/lexicon/S/Seite.991502

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Notiz für Masterarbeit: Das ist jetzt alles sehr auf einen Artikel bezogen, unbedingt noch andere Quellen nutzen und das Kapitel ausführlicher bzw. besser und sinnvoller strukturieren. Man wiederholt viel aus den Kapiteln zur Aufmerksamkeit. Sinnhaftigkeit davon ist fraglich.
Nach Recherche zu Visual perception und vorallem zu Branding/Motion usw. kann man hier ev noch mehr Design-Perspektive reinbringen.

by linaprima -

LS Impulse #7 Book: Milk & Honey

For this impulse post, I looked at a book that has been around for some years (2014) but is still one of the pioneers for modern poetry: Milk and Honey by Rupi Kaur. Even though it is not a lecture, exhibition, or event in the classical sense, I see it as an important “media impulse” because it strongly influenced how I think about the relationship between text, emotion, and visual form. See my other Blogpost #6 where I analysed Instapoetry 🙂

Milk and Honey is a collection of short poems and illustrations that deal with themes such as love, trauma, migration, femininity, abuse, healing, and self-empowerment. The poems are extremely minimal and often only a few lines long, written in lowercase, with very simple language and almost no punctuation. Many pages combine text with small line drawings. The aesthetic is raw and direct, almost like notes from a diary.

At first glance, the poems seem almost too simple. They don’t follow traditional poetic structures or complex metaphors. But while reading, I realized that this simplicity is exactly what makes them powerful. The short lines create a strong rhythm. Breaks, spacing, and repetition function almost like breathing. Instead of literary complexity, the poems rely on emotional clarity.

What struck me most is how carefully the relationship between text and space is designed. Each page feels like a small poster or a micro-composition. The white space is just as important as the words themselves. Sometimes a single sentence sits alone on the page, which forces you to slow down and really confront it. It reminded me less of a “book” and more of a sequence of visual statements.

In that sense, reading Milk and Honey felt very close to experiencing graphic design. The poems don’t only communicate through language but they communicate through layout, scale, rhythm, and reduction.

Another interesting aspect is the accessibility of the work. Kaur’s poetry reached a huge audience, especially young women and Finta* readers, mainly through Instagram or tumblr in the beginning. The poems were made to be shared digitally as images. This blurs the line between literature and visual communication. They function almost like typographic posters or social media graphics rather than traditional poetry. The format itself became part of the message.

What does this have to do with communication design?

For me, the book shows how strongly emotion can be shaped by visual decisions. The same text in a dense paragraph would probably feel heavy or dramatic. But isolated on a white page, it feels intimate and personal. The design creates the tone.

It also made me think about reduction as a strategy. In communication design, we often try to add information, layers, or complexity. Kaur does the opposite: she removes everything that is not essential. This minimal approach creates clarity and makes the message more memorable.

Additionally, there is something rhythmic about her writing style. Even without obvious rhyme schemes, the repetition of sentence structures, pauses, and short lines creates a poetic cadence. It made me reflect again on how rhythm and pattern can guide perception in language and in visuals.

Relevance for my Master’s thesis

Since I’m currently exploring the idea of rhyme, repetition, and recognition in visual design, Milk and Honey feels surprisingly relevant. It shows how text can become image and how language can function spatially.

For my Master’s research, this raises questions like:
How can typography create rhythm similar to poetry or rap?
Can repetition, spacing, or minimal compositions act as a form of “visual rhyme”?
How can emotional content be communicated through subtle, reduced design rather than loud statements?

Kaur’s work demonstrates that small, quiet forms of expression can still have a huge cultural impact. This connects strongly to my interest in subtle protest, everyday feminism, and intimate forms of communication design. In that sense, Milk and Honey is not only a poetry book but also a lesson in how powerful minimal visual language can be and work.

Links

https://rupikaur.com/

https://www.andrewsmcmeel.com/book/milk-and-honey/

https://www.deutschlandfunkkultur.de/instagram-poesie-wie-junge-menschen-an-lyrik-herangefuehrt-100.html#:~:text=Unter%20Hashtags%20wie%20%23PoetsOfInstagram%20oder%20%23InstaPoetry%20posten,hat%2C%20wie%20der%20Verleger%20Jo%20Frank%20berichtet.

    by linaprima -

    LS3 #6 Instapoesie und Rupi Kaur

    Ich werde in diesem Blogpost nochmal auf die Lyrik selbst, also Gedichte eingehen. Für mich war das nämlich lange Zeit ein veraltetes Konzept, irgendwelche altbackenen Gedichte, die man in der Schule auswendig lernen sollte und danach nie wieder gebraucht hat & sich auch nicht damit identifizieren konnte. Eine Studie (Nissen, 2001) zeigt, dass vor allem Schüler:innen in der Schule selten mit Lyrik konfrontiert werden, mit welche sie etwas anfangen können. Der Artikel nennt diese Situation “Lyrik-Verprelltheit”. Es gibt aber natürlich vor allem durch Musik wie Rap und Hiphop trotzdem den Zugang zu Reimen in der heutigen Zeit, aber eben auch nur durch pure Poesie?

    Instapoesie

    Das Schlagwort “Instapoesie” kann dies vielleicht beantworten. Das Wort ist eine Kombination von “Instagram” und “Poesie” und beschreibt, vereinfacht gesagt, Lyrik, Gedichte und Poesie, die auf Instagram veröffentlicht werden (Rue, 2019). Er entstand ca. 2010 auf Tumblr und Instagram und kann durch verschiedene Attribute charakterisiert werden (deutschlandfunkkultur.de, 2020). Oft sind es wenige Zeilen, oft 3-4, welche in einer aesthetischen Komposition zu Bild oder Illustartion stehen, typografisch spannend angeordnet sind und relevante emotionale Themen wie Liebe, Einsamkeit, Wachstum, Eigenwahrnehmung, Verbindung etc sprechen und so viele junge Menschen des digitalen Zeitalters ansprechen (Frey, 2022).  

    Wer ist Rupi Kaur

    Im Kontext Instapoesie würde ich gerne einmal auf Rupi Kaur zu sprechen kommen. Rupi Kaur ist eine indisch-kanadische Schriftstellerin, Autorin und Schriftstellerin und ist als “Pioneerin” der Instapoesie bekannt. Ihr bekanntestes Werk/Buch “Milk and Honey” von 2014 wurde Millionen Mal verkauft und stand über ein Jahr auf der Bestsellerliste der “New York Times” (Fuchs, 2022). Indem sie sich auf Herzschmerz, Trauma, Depression, Familie, Heilung, Liebe und Diaspora konzentriert, rekonstruiert Kaur nicht nur ihr eigenes ‚Selbst‘, sondern auch die Identitäten von Milliarden von Frauen (Jahan, 2022).

    Die visuelle Gestaltung ihrer Texte ist häufig sehr ähnlich strukturiert – links ausgerichtet, kleingeschrieben, ihr Name am Ende platziert, im Flattersatz gesetzt, mit einer Illustration in der rechten unteren Ecke, gezeichnet mit dünnen Linien, die das Gesagte in einer abstrakten und zugleich direkten Übersetzung der Worte visualisiert. Basierend auf einer Studie liegt die Bedeutung hinter den kleingeschriebenen Wörtern, dass Kaur eine Atmosphäre von Intimität und Vulnerabilität schaffen möchte. Außerdem nutzt Sie nur minimal bis kaum Punktierungen, um einen leichten Lesefluss und einen Sinn von Kontinuierlichkeit zu schaffen (Rahmah et al., 2024).

    Warum relevant für mein Thema

    Warum recherchiere ich das überhaupt? Bei Instapoetry spielt die Gestaltung der Poesie eben eine sehr große Rolle und ist auch (These) einer der Gründe, warum es so ein Trend geworden ist. Es ist ästhetisch, tiefgreifend und bedeutsam, sodass sich viele Menschen daran festhalten können. Es ist greifbar und gleichzeitig so abstrakt.

    Dabei wird Gestaltung selbst zum Bedeutungsträger. Instapoetry funktioniert nicht allein über Sprache, sondern über ein bewusst eingesetztes visuelles Statement, das die Aussage der Verse zuspitzt und emotional verstärkt. Großzügige Weißräume isolieren einzelne Wörter oder Zeilen und verleihen ihnen dadurch mehr Gewicht und Dringlichkeit. Die reduzierte, oft an Schreibmaschinentypografie erinnernde Setzung erzeugt zudem eine nostalgische, beinahe haptische Qualität, als würde man ein physisches Buch lesen statt durch einen Social Media Feed zu scrollen. Text und Bild verschmelzen so zu einer Einheit und minimalistische Illustrationen oder grafische Elemente übersetzen Wort in etwas Visuelles. Ergänzt durch rhetorische Figuren entsteht eine hybride Form zwischen Lyrik, Grafikdesign und visuellem Erzählen (Frey, 2022). Genau dieses Zusammenspiel von formaler Gestaltung und inhaltlicher Aussage macht Instapoesie für mein Thema relevant und sehr interessant, da hier besonders deutlich wird, wie stark ästhetische Mittel Bedeutung nicht nur transportieren sondern aktiv mitformen und verstärken.

    Literaturverzeichnis

    deutschlandfunkkultur.de. (2020, August 11). Instagram-Poesie – Wie junge Menschen an Lyrik herangeführt werden. Deutschlandfunk Kultur. https://www.deutschlandfunkkultur.de/instagram-poesie-wie-junge-menschen-an-lyrik-herangefuehrt-100.html

    Frey, A. (2022). Instapoesie – Die Wortkünstler unserer Zeit – Professur für Neuere deutsche Literaturwissenschaft (Iris Hermann). Uni-Bamberg.de. https://www.uni-bamberg.de/germ-lit3/projekte-von-studierenden/lyrikprojekt/instapoesie-die-wortkuenstler-unserer-zeit/

    Fuchs, K. (2022, October 10). Rupi Kaur: Über die Dichterin, die sich nicht den Mund verbietet. Vogue Germany. https://www.vogue.de/kultur/artikel/rupi-kaur-healing-through-words

    Jahan, N. (2022). Reconstructing the Self in on/Offline: Decolonial aestheSis in the design poems of Rupi Kaur. https://baust.edu.bd/journal/wp-content/uploads/sites/31/2024/01/V2S1_PAPER6.pdf

    Nissen, C. (2001). Schülerorientierter Lyrikunterricht. https://macau.uni-kiel.de/servlets/MCRFileNodeServlet/dissertation_derivate_00000570/d570.pdf?utm_source=chatgpt.com

    Paul. (2019, May 21). “Poetry’s Beyoncé” – Axon Journal. Axon Journal. https://axonjournal.com.au/issues/9-1/poetrys-beyonce-rupi-kaur-and-commodifying-effects-instapoetics/

    Rahmah, M., Meidasari, V. E., & Said, M. (2024). Stylistic Analysis of Instagram Poem by Rupi Kaur. INTERNATIONAL JOURNAL of MULTIDISCIPLINARY RESEARCH and ANALYSIS, 07(06). https://doi.org/10.47191/ijmra/v7-i06-17

    Rue, J. M. (2019). The Future of Poetry in the Digital Era – Instapoetry and Remediation. Studenttheses.uu.nl. https://studenttheses.uu.nl/handle/20.500.12932/34284