This week I started noticing how many things in public spaces feel temporary. Not in a poetic way, just… actually temporary. A handwritten sign taped to a bakery window that says “Komme gleich zurück :)”, an empty coffee cup balanced on a railing like it’s been placed there intentionally, a pair of gloves tucked into a fence near Jakominiplatz.
You can’t really design these things, but they still speak. They carry small stories, even if we don’t know what they are. They’re not meant to be part of the city, yet somehow they are and maybe they say more about the people living here than any campaign or billboard ever could. These objects and gestures weren’t made to last, but they still communicate something. A kind of honesty that polished design often loses. No branding, no grid system, no aesthetic filter. Just real people leaving traces, often without even knowing it. In design, we’re often told to think long-term and build clarity or make things clean and usable. But a lot of the things I actually remember are the ones that were sloppy, quick, emotional. A missing cat flyer with a smiley face. A badly photocopied note on a lamp post. A weird sticker that just says “mehr lasagne.”
I’m starting to wonder: what if we stopped measuring the value of design by how long it lasts, or how “good” it looks? What if we made more room for short-lived communication, for things that are meant to disappear, but still leave an impression? Not everything has to be permanent to be meaningful. And no, I don’t mean this as just another side effect of our throwaway culture. We already live in a world obsessed with speed, we scroll past images before we even process them, trends change weekly, and content disappears in 24 hours. But the kind of temporary design I’m thinking about is not the same as fast design. It’s not about producing more or doing things quickly just to keep up.
Fast content often feels empty because it’s created to fill space, to keep the algorithm running. But the temporary moments I’m drawn to are different, they happen slowly, or by accident, they’re personal and don’t ask for attention. A note someone wrote in a rush and left behind. A message taped to a broken mailbox. A protest sticker fading in the sun. These things aren’t chasing virality. They exist in the background, but they speak to us on a human level, precisely because they’re not trying too hard.
So when I talk about designing the temporary or embracing what isn’t made to last, I don’t mean more noise. I mean less pressure, less control. I mean making room for slowness, for mess, for the unnoticed things that carry meaning in a different way. Not by shouting, but by simply being there for a moment and then fading.
Sources
Fenske, M. (2010). Straßenzeichen: Wie der urbane Raum spricht. Transcript Verlag. Höller, C. (2019). Designing Impermanence: Temporary Interventions in Urban Space. Wien: Springer.
As this exploration semester comes to an end, I find myself thinking about what comes next especially in terms of the master thesis. And I keep returning to the same internal conflict or questions i ask myself How do I choose a topic that I really care about, without feeling like I’m doing it a disservice through design or focussing too much on the topic rather than the communication design aspect.
As in my bachelor thesis I had a topic I really did not care about a lot, it is important to me to find something like this that really interests me, but yeah, where do I find the link to design, or the loophole so to say. I think thats my main question with finding a good topic for myself.
Working on gendered space felt meaningful but I also felt like touching and important issue only on the surface level. But it is something I think about and experience constantly, how people perceived as female navigate public space, how protest can happen in subtle ways, how design can be used not to decorate, but to disturb. But the deeper I got into it, the more I felt exactly this pressure: Am I doing this topic justice?Is a poster enough? Is communication design the right tool—or does it risk flattening the complexity of what I want to say?
I don’t have a clear answer yet. I know I might want to continue exploring feminist protest forms, everyday power dynamics, and how public space can be questioned or reclaimed. But I also want to become more confident in how I design for these themes and how to find a tone, a form, a system that doesn’t simplify the issue, but opens it up.
Maybe the thesis can be a space to investigate exactly this tension of not just what I want to say, but how I want to say it. And maybe how the act of designing can already part of the message.
So next steps: Research, research, research ! in any form, even if its just observing the outdoors and what other people created. Maybe experiment with formats beyond posters, spatial interventions, digital layers, collaborative elements. Something that lets me both explore the topic and the medium.
Looking forward to the moment I have found something!
After putting up the posters, I was curious to see what would happen next. Would people scan the QR code? Would someone find the project on Instagram? Would there be messages, comments, questions, anything?
Spoiler: not really.
I had imagined that once the posters were in the public space, they might trigger a second layer of interaction, maybe something that moves the project beyond the physical and into the digital. The QR code was meant to be that bridge. But in reality, that bridge was barely crossed. A few scans here and there, no noticeable Instagram engagement. Mostly silence.
To be fair, it makes sense. People don’t usually stop and scan QR codes in the street, especially if they’re not immediately clear or inviting. And while the posters were visually striking, they weren’t screaming for attention in the way commercial advertising does. I didn’t want them to. But it also meant they stayed within that subtle space which was too quiet maybe, for interaction.
This isn’t a bad thing, it is a learning.
Visibility doesn’t equal engagement. Just because something is seen doesn’t mean it sparks action. And just because someone walks past a poster doesn’t mean they’ll take out their phone, scan a code, and follow the project. It requires more: more friction, more curiosity, more clarity or maybe even more provocation. If I would do it again, I would rethink the QR strategy entirely. Make it more present, more tempting. Maybe even confusing or funny enough to trigger a response. The posters asked questions, but the QR code didn’t. It was just there, passively waiting.
The experiment still feels valuable. It reminded me that communication design doesn’t end with the object. It continues or fails in how people relate to that object and thats actually the really hard thing to find out. And how much effort we expect from an audience that is actually just trying to get from A to B.
I put up the posters in areas close to my home, places I walk by often and that are pretty central. The idea was to stay in proximity so I could later observe reactions, but also to choose spots where I knew the posters wouldn’t be removed immediately. Somewhere visible, but stable and often next to other posters.
The actual act of putting them up felt surprisingly awkward. It was just me, the posters, and a roll of tape. Even though it was legal and harmless, I felt hyper-aware of being watched. I caught myself thinking: What if someone asks me what I’m doing? What if they think the posters are badly designed or too shallow? What if they just don’t take it seriously?Or if I even like my own project? If it is worth to be put up in the streets That inner voice was unexpected. I believe in the project, but standing there with tape in my hand made me suddenly doubt everything.
Reactions in the moment were minimal. No direct confrontations or dramatic responses. Still, there were subtle moments of people slowing down a little, looking for a second longer than usual. One or two seemed to take in the message, even if briefly. Of course, part of me was hoping for a stronger reaction. Maybe someone engaging with it critically, or even aggressively. something that I could point to as “impact.” But that’s rarely how it goes.
Looking back, I think the strength of these posters might lie in exactly that random space inbetween: creating small interruptions. A moment of irritation. A tiny nudge. Not a confrontation, but a small question to ask oneself; just enough to make someone think about it, even if only for a second and maybe that’s enough for now.
I’ve been looking closely at how different racing series present themselves visually. One that stands out is F1 Academy, the junior all-female driver series. On paper, it’s part of the same universe. But visually, it tells a slightly different story.
Und da sind wir nun, 90 Minuten vor der eh schon verlängerten Deadline. Aber: wir sind hier. Und haben was zu zeigen!
Mithilfe all dessen, was ich in den letzten neun Blogposts an theoretischem Input über Statistiken und praktischen Fähigkeiten in After Effects gelernt habe, habe ich mich nämlich an die Arbeit gesetzt. Mein Ziel: ich möchte in Zukunft meine journalistischen Videos komplett selbst produzieren können, also nicht nur filmen und schneiden, sondern auch animieren. Schon in der Vergangenheit, bei einer großen Reportage, die ich gedreht habe, ist mir das nämlich zum Verhängnis geworden. Als Endprodukt wollte ich also einen kurzen animierten Film machen, der in einer langen live action Reportage als kurzes Erklärvideo vorkommen könnte, um Fakten und Zahlen zu veranschaulichen. Als Thema habe ich dafür eine ehemalige Recherche von mir genommen, die nur online und nicht im Videoformat erschienen ist und habe aus dieser von null auf ein Video produziert. Das Ergebnis? Seht ihr ganz am Schluss! Vorher möchte ich noch kurz in einer auflisten, warum ich Dinge so gemacht habe wie ich sie gemacht habe, um dem ganzen noch einen wissenschaftlichen Background zu geben.
Da der erste Fakt, die Anzahl der Vereine, nur eine einzige Zahl ist, habe ich mich entschieden, wie von Few empfohlen, diese nicht als Graphen, sondern als Text darzustellen, genauer mit einem Slider.
Die zweite Darstellung ist eine Aufteilungsdarstellung, da sie näher zeigt wie sich diese Vereine zusammensetzen. Auch wenn Few wie im neunten Blogpost erwähnt von Pie-Charts abrät, habe ich mich dennoch für einen entschieden. Dies hat mehrere Gründe. Erstens war dies die einzige Aufteilungsdarstellung im gesamten Video, daher die einzige Chance einen Pie Chart zu verwenden und damit mehr Abwechslung zu ermöglichen. Zweitens traf in diesem Fall jene Regel zu, die ich wie in Post 9 erwähnt, im Bachelor gelernt habe, nämlich, dass maximal drei Werte dargestellt werden. Und drittens, hat sich die grafische Darstellung durch den Mittelkreis des Fußballfeldes gut ergeben.
Die dritte ist eine ordnende Darstellung, da diese nur über Balken funktioniert habe ich Balken verwendet und von links nach rechts geordnet.
Die nächsten sind geografische Darstellungen, deshalb habe ich eine Karte verwendet. Wie Few empfiehlt, mit Punkten für einzelne Werte, und Linien für Strecken.
Die letzte Darstellung ist eine Abweichungsdarstellung. Wie Few empfiehlt habe ich hierfür gruppierte Balken verwendet und den Soll vom Ist-Wert durch die Füllfarbe getrennt.
Nun möchte ich euch aber nicht länger aufhalten und hoffe ihr verzeiht mir mein schlechtes Sounddesign… die Zeit hat gedrängt! Viel Spaß!
Nach dieser Einführung möchte ich in diesem Blogpost richtig ins Detail gehen. Im Grunde soll dieser Blogpost so etwas wie ein Cheatsheet sein, an den ich mich in der Folge für mein Praxisprojekt wenden kann. Mein ganz persönlicher Spickzettel also. Im ersten Blog wurde ja schon geklärt, unter welchen Umständen man nun eigentlich eine Grafik wählt und wann man die ausgearbeiteten Daten besser einfach als Tabelle darstellt. Hier soll nun erörtert werden, wann und für welchen Zweck denn eigentlich welche Visualisierung am besten geeignet ist und zweitens auch worauf man bei der Arbeit dann achten muss. Als Goodie möchte ich mir noch ein paar worst practise cases ansehen um Fehler zu vermeiden.
Wann nehme ich welche Grafik
Um zu klären in welchen Fällen man welche Grafik benutzt muss zuerst einmal geklärt werden welche Grafiken es überhaupt gibt. Few unterscheidet grundsätzlich nur vier Arten sinnvoll Daten darzustellen, nämlich als Punkte, Balken, Linien und Boxen. Von allen weiteren Arten rät er ab (damit auch vom allseits beliebten Kuchendiagramm). Ich werde später noch etwas genauer darauf eingehen was ich von dieser Vorgehensweise halte, vor allem deshalb weil ich durch diverse Visualisierungskurse im Bachelor dahingehend etwas anders erzogen wurde. Im Grunde ist die Auflistung aber sehr praktisch. Zur Erklärung: Few verwendet deshalb nur diese vier Arten der Visualisierung, da sie eines gemeinsam haben: die zugrunde liegenden Daten lassen sich jeweils entweder als Länge/Höhe oder Position des Graphen ablesen, laut Few die intuitivste und sicherste Variante. Alle weiteren Arten, wie Kuchen- und andere 2D-Diagramme vertrauen dabei auf ihre Fläche, um die Daten darzustellen, eine sehr irreführende und oft täuschende Methode. So kann man im Kuchendiagramm bei ähnlich großen Feldern nur sehr schwer feststellen welches größer ist, während das bei Balkendiagrammen recht einfach machbar ist.
Aus diesen vier Arten ergeben sich nun also sechs verschiedene Diagrammtypen die einem bei jeder Visualisierung zur Auswahl stehen – sechs deshalb, weil Balken und Boxen sowohl horizontal als auch vertikal verwendbar sind.
Um herauszufinden welches dieser sechs Diagramme nun auf welchen Anwendungsfall passt unterscheide Few insgesamt acht verschiedene Datendesigns:
Zeitbasierte Darstellungen: Dabei wird ein bestimmter Wert über einen Zeitverlauf betrachtet.
Ordnende Darstellungen: Dabei werden verschiedene Werte ihrer Größe nach geordnet.
Aufteilungsdarstellungen: Dabei wird gezeigt aus welchen Teilen ein großes Ganzes besteht.
Abweichungsdarstellungen: Dabei wird gezeigt wie sich Werte von anderen unterscheiden.
Verteilungsdarstellungen: Dabei wird gezeigt wie sich eine Anzahl von Werten in Kategorien verteilt.
Korrelationsdarstellungen: Dabei wird gezeigt wie zwei verschiedene Werte korrelieren.
Geografische Darstellungen: Dabei werden geografische Unterschiede in den Werten gezeigt.
Nominale Darstellungen: Dabei werden einfache Auflistungen ohne Ordnung gezeigt.
Für jede dieser Darstellungen bieten sich nun manche Grafen besser an als andere, während einige sogar komplett vermieden werden sollten. Hat man also seinen Datensatz parat, muss man zuerst herausfinden was die Aussage ist, die man damit darstellen möchte. Dann kann man sich an untenstehende Tabelle wenden, die jedem dieser acht Darstellungsarten seinen am besten geeignet Grafen zuordnet. Zusätzlich habe ich zu jedem Grafen noch eine Erklärung angefügt, wann und warum sich dieser am besten eignet.
Nominale Darstellungen:
Im Grunde machen hier nur Balken (vertikal und horizontal) Sinn. Sind die Unterschiede zwischen den einzelnen Kategorien ganz gering und kaum zu erkennen, kann man sich mit Punkten (einem dot plot) behelfen, da dessen Achse nicht bei null beginnen muss und somit Unterschiede besser darstellbar sind.
Zeitbasierte Darstellungen:
Will man einzelne Werte herausheben ( zum Beispiel den tollen Umsatz im März) kann man auch hier Balken verwenden, jedoch nur vertikale, da die x-Achse die Zeit sein muss. Will man aber klassisch einen Verlauf oder Trend zeigen, machen nur Linien Sinn und sind fast immer die beste Variante. Einzige Ausnahme: es fehlen für viele Zeitpunkte die Daten, dann stellt man jene die man hat als Punkte dar. Linien würden hier Werte implizieren die man nicht hat.
Ordnende Darstellungen:
Funktionieren eigentlich nur über Balken. Wichtig: Bei vertikalen Balken wird von links nach rechts geordnet, bei horizontalen von oben nach unten.
Aufteilungsdarstellungen:
Laut Few machen auch hier Balken am meisten Sinn. Um zu signalisieren, dass die Werte jedoch zusammengehören und Teil eines Ganzen sind, lässt er zwischen den Balken keinen Platz. Alternativ kommen hier natürlich klassische Kuchendiagramme ins Spiel. Meiner Meinung nach sind diese vollkommen in Ordnung, solange nicht mehr als drei verschiedene Werte dargestellt werden.
Abweichungsdarstellungen:
Auch hier eignen sich Balken, diesmal gruppiert mit einem Soll und einem Ist-Wert. Alternativ funktioniert auch ein Linien-Diagramm, mit einer Einzeichnung für den Soll-Wert.
Verteilungsdarstellung:
Funktionieren am schönsten über Punkte auf einer Achse (strip plot), wenn man jeden Wert klar erkennbar machen will. Für eine kumulative Verteilung eignet sie die Linie. Will man mehrere Verteilungen in einem Grafen zeigen so geht das nur über Linien.
Geografische Darstellungen:
Funktionieren immer über Karten. In diesen Karten kann ich die Werte entweder über verschieden große Punkte einzeichnen. Oder direkt die Regionen der Karte verwenden. Für Routen eignen sich aber natürlich auch Linien.
Korrelationsdarstellungen:
Funktionieren am besten über Punkte in einem Scatter Plot. Nur wenn dem Leser aufgrund von Dummheit ein Scatter Plot nicht zumutbar ist, können auch Balken verwendet werden.
Tipp: Möchte man innerhalb des Diagramms verschiedene Werte sichtbar machen, zum Beispiel dieser Balken stellt Frauen dar, dieser Männer, so hat man verschiedene Möglichkeiten. Die laut Few drei besten sind: Zusammengehörende Grafen lokal beieinander zu positionieren (gruppieren), zusammengehörende farblich zu markieren (einzufärben), oder im Falle von Punkten und Linien, eigene Formen wählen, zum Beispiel einmal Punkte und einmal Dreiecke bzw einmal eine durchgehende Linie und einmal eine punktierte. Von verschiedenen Füllmustern rät er aufgrund von optischen Illusionen und schwerer Zuordnung ab.
Do´s und Dont´s bei Grafen
Im Grunde kann man nun eigentlich schon fast nichts mehr falsch machen. Hat man erst einmal elaboriert ob man einen Grafen braucht, dann noch festgestellt welchen, gehts eigentlich direkt ans eingemachte. Doch drei kleine aber feine Dinge sind noch zu beachten.
Erstens: Vergiss 3D. In so gut wie allen Fällen ist es visuell leichter verständlich einen dritten Wert einfach über einen weiteren Balken, eine weitere Linie oder am besten sogar ein zweites Diagramm darzustellen, statt dafür die Z-Achse aufzumachen.
Zweitens: Skalen müssen immer genormt sein. Heißt: Gleicher Abstand auf der Skala ist gleich, gleicher Unterschied im Wert. Selbst wenn man Sprünge in der Skala etwa mit einem Z einzeichnet, und somit vielleicht technisch aus dem Schneider ist, der Graph bleibt irreführend.
Drittens: Jede Skala beginnt bei 0, vor allem bei Balkendiagrammen! Bei Linien und Punktdiagrammen kann man in manchen Fällen noch argumentieren, dass bei sehr geringen und kaum sichtbaren Unterschieden ein Start der Skala bei einem höheren Wert als 0 möglich sind. Dies jedoch nur, wenn es auch mit dem einhergehenden Text so kommuniziert wird. Bei Balken ist dies immer verboten.
Was kann schon schiefgehen? Worst practice und Alternativen
Pie- und Donutcharts: Laut Few nur sinnvoll wenn alle einzelnen Segmente auch mit ihren Werten beschriftet werden. Und wenn ich in einem Graphen aller Werte erst wieder beschriften muss, wofür dann überhaupt der Graph… Meiner Meinung nach visuell schön, aber – und da stimme ich zu – faktisch nur gut, wenn nicht zu viele Werte dargestellt werden. Kommt zusätzlich nur für Aufteilungsfunktionen in Frage. Alternative: Balken.
Radar-Charts: Obwohl gerade im Sport oft genutzt, laut Few einfach zu umständlich. I get the point, muss aber sagen, dass das für mich kein Grund ist. Radar-Charts sind technisch einwandfrei und sorgen für Abwechslung. Sollte man aber natürlich mit Bedacht auf die Leserschaft einsetzen.
Stacked Graphs: Selbes Problem wie beim Kuchendiagramm, die Daten werden durch Flächen repräsentiert und sind eigentlich schon ab dem zweiten Wert nicht mehr nachvollziehbar. Alternative sind hier mehrere Linien in einem Diagramm.
und viele mehr
Fazit
Eigentlich steht meinem Praxisprojekt jetzt nichts mehr im Weg (außer vielleicht der verbleibenden Zeit bis zur Deadline). Das Buch ist wirklich unglaublich umfassend und hat alle meine noch offenen Fragen super erklärt. Ich glaube dieser Cheatsheet wird es auch aus diesem Blog raus und auf meinen Schreibtisch schaffen!
Übrigens: Dass ich das Wort Graph während der letzten zwei Blogposts einfach beinhart jedes mal anders geschrieben habe und nicht einfach einheitlich, wie es sich gehört, ist reine künstlerische Freiheit! Ich bin ja jetzt Designer, also darf ich das!
As part of my research and experiments, I’ve been paying closer attention to how big motorsport brands, such as F1, position themselves visually. Its current branding, redesigned in 2017, is minimal, bold, and sleek. On the surface, it looks simple. But the more I study it, the more I notice how strategic that simplicity really is. The logo itself (the red double-stroke “F1”) is clean, forward-leaning, and symmetrical, with a built-in sense of motion. It’s basically a design metaphor for speed. There’s no ornament, no shading, no nostalgia. Just movement. This was a big shift from the previous logo, which was black and slanted and had an almost early-2000s video-game vibe. The new branding feels more timeless, more corporate, but also somehow more open. The type system (a custom font, “F1 Regular”) is geometric, modern, and extremely consistent. Paired with a controlled color palette (although mostly red, black, and white, sometimes yellow), it creates a very unified look across all platforms, from digital content to physical event signage. Every element seems engineered to convey speed, innovation, and control.
But what’s most interesting to me is how this branding reflects a cultural shift. DixonBaxi talked in their OFFF keynote about the new F1 visuals that they did about wanting to move away from an overly masculine, exclusive image and toward something more inclusive and futuristic. They didn’t try to make F1 look “friendly,” but they did try to make it look progressive, so more about data, tech, and possibility. Still, even though the branding is more refined now, it still speaks in a pretty masculine visual language. It’s clean and cold. Sharp and confident. There’s very little softness, irregularity, or emotional tone. And while that may align with the F1 brand’s values, it also leaves me wondering what’s still missing. What would it mean for F1 to visually communicate teamwork or emotion or community more clearly? Could it still feel fast, but also more human?
Key Takeaways:
F1’s current branding is a masterclass in consistency and restraint
Simplicity in design can carry a strong message
Visual identity shapes how people perceive not just a sport, but the culture around it
It started with a clear goal: to understand how event branding works — or doesn’t. Through blog posts and field research, I explored not just the visual systems behind events, but the real-world presence (or absence) of those identities.
Over the course of this semester, I moved from research into hands-on exploration — starting with OFFF Barcelona as a real-life case study. I examined OFFF’s bold digital identity and anticipated how it might translate into physical space. However, once on-site, I was met with an unexpected lack of branding presence, which sparked deeper reflection on the essentials of event design. I compared expectations with reality and defined what strong event branding should deliver. OMR Hamburg served as a powerful contrast, showing how branding can be executed to perfection across every touchpoint. Then, through my volunteer experience at UEFA EURO 2024, I gained firsthand insight into branding at a massive scale— structured, consistent, and nationwide standardized. Finally, I converted all these experiences into key takeaways for what truly matters in event branding.
A Personal Takeaway
Despite some disappointment with OFFF’s branding, the trip to Barcelona itself — and OFFF with all its incredible speakers and creative energy — was a huge inspiration. It offered more than just material for my master’s thesis. It gave me input for my design practice, thinking, and direction, also for my personal future.
Throughout the semester, I realized that branding — in all its complexity — is something I genuinely enjoy working on. Not just as a system of logos and color palettes, but as a way to shape experience, identity, and emotion.
It became increasingly clear to me: I want branding to be a core part of my master’s thesis. Whether it’s a cultural project, a sports concept, or something (yet) completely unknown — I want to dive deep, create with intention, and explore how identity can be brought to life across all mediums.
Struggles
Still, I can’t help but admit: I’m not sure if I went in the right direction. Maybe I took a wrong turn along the way, or I focused too much on case studies and not enough on personal experimentation. Or Maybe it needs to be more sports-related as that was my initial idea and this thesis is something i really want to identify with. Perhaps it will be something more cultural. I’m not even sure what exactly is bothering me — only that I’m not as convinced anymore as I was earlier in the process. And that’s probably okay, but I might need some time to figure out the WHY.
Future Perspectives
The next chapter begins soon: an Erasmus semester in Detroit. I’m looking forward to immersing myself in a new city, new culture, and a completely different creative scene.
I am hoping that this experience will unlock fresh energy, new inspiration, and a clear(er) vision for my thesis. Something that combines what I’ve learned so far — with something that challenges me even more and lets me identify myself with the project. Let’s see what comes next.
“There are three responses to a piece of design: Yes, No, and WOW! Wow is the one to aim for.” Milton Glaser
