In diesem letzten Blogartikel möchte ich mein geplantes Werkstück vorstellen, das den praktischen Kern meiner Abschlussarbeit darstellen wird.

Das Mausoleum als transzendenter Projektionsraum

Als Aufführungsort ist das Mausoleum Graz vorgesehen. Der sakrale Innenraum soll jedoch nicht im religiösen oder kulturellen Sinne thematisiert werden. Vielmehr interessiert mich die architektonische Struktur als räumliche Skulptur, als Formkörper, der durch Licht transformiert werden kann. Säulen, Gewölbe, Wandflächen und Raumachsen sollen durch die Projektion neu definiert werden.

Geplant ist der Einsatz eines NEC-Weitwinkel-Beamers, der den Innenraum von unten nach oben bespielt. Diese einzelne, künstliche Lichtquelle wird bewusst gewählt: Das Licht ist nicht nur Mittel zum Zweck, sondern Material der Gestaltung. Durch abstrakte Formen, rhythmische Bewegungen und eine reduzierte, wahrscheinlich schwarz-weiße Bildsprache soll eine visuelle Erzählung entstehen, die weniger narrativ als atmosphärisch funktioniert.

Stilistisch knüpft das Projekt an meine bisherigen Arbeiten an, insbesondere an die Projektionen bei Generate 25 in der Helmut-List-Halle sowie an „The Dragon’s Cave“ im Schlossbergstollen. Das neue Werk versteht sich als logische Weiterentwicklung dieser beiden Projekte, jedoch mit stärkerem Fokus auf Raumtransformation und immersiver Wahrnehmung.

Das Mausoleum als audiovisuelle Lichtskulptur

Ziel ist es, das Mausoleum selbst in eine audiovisuelle Lichtskulptur zu verwandeln. Der Raum soll nicht nur beleuchtet, sondern animiert erscheinen. Architektur wird zur Projektionsfläche und zugleich zum Akteur. Durch gezielte Verfremdung möchte ich den Ort in einen Zustand versetzen, der zwischen Realität und Abstraktion oszilliert.

Der Besucher soll aus dem Alltäglichen herausgelöst und in einen zeitlosen Erfahrungsraum geführt werden. Dieser Raum bewegt sich metaphorisch zwischen Raum und Zeit. Es geht um Transzendenz im ästhetischen Sinne, nicht im religiösen. Der sakrale Kontext wird nicht zitiert, sondern transformiert. Das Mausoleum erscheint als temporär umcodierter Raum, als immersive Lichtarchitektur.

Interaktion und gestengesteuerte Animation

Ein zentrales Element des Werkstücks ist die Entwicklung einer gestengesteuerten FBX-Animationstechnik. Derzeit arbeite ich an einem System, bei dem mithilfe eines Bewegungssensors (Modolino) und eines MIDI-Drehreglers Parameter von Animationen in Echtzeit gesteuert werden können. Dadurch sollen Bewegungen, Intensitäten, Partikelsysteme oder Verzerrungen dynamisch kontrollierbar werden.

Diese Interaktion ist nicht primär als partizipatives Element für das Publikum gedacht, sondern als performative Steuerung innerhalb des Systems. Dennoch eröffnet sie die Möglichkeit, das audiovisuelle Geschehen organisch und lebendig wirken zu lassen. Animation wird dadurch weniger linear und stärker prozessual.

Erweiterung der Raumebenen

Eine zusätzliche räumliche Dimension könnte durch den Einsatz eines Holonetzes entstehen. Dieses würde über den Köpfen der Besucher gespannt werden und als weitere Projektionsfläche dienen. So entsteht eine zweite Bildebene im Raum, die nicht frontal, sondern über dem Publikum positioniert ist.

Idealerweise sollen Sitzsäcke oder Liegeflächen installiert werden, damit die Besucher nach oben blicken können. Diese Perspektivverschiebung verändert die Körperhaltung und damit auch die Wahrnehmung. Der Raum wird nicht nur betrachtet, sondern erlebt.

3D-Audio als integraler Bestandteil

Neben der visuellen Ebene ist ein Sechs-Speaker-Setup mit 3D-Audio geplant. Der Klang soll den Raum ebenso modellieren wie das Licht. Durch räumliche Klangbewegungen, gezielte Platzierung von Soundquellen und abstraktes Sounddesign entsteht eine akustische Architektur, die mit der visuellen Projektion korrespondiert.

Das Zusammenspiel aus Licht, Bewegung und Klang soll eine kohärente audiovisuelle Komposition bilden. Sound ist dabei nicht Begleitung, sondern gleichwertiger Bestandteil der Lichtskulptur.

Prototyping und experimentelle Annäherung

Ein wesentlicher Teil der Arbeit wird in das Prototyping fließen. Sollte die Zusammenarbeit mit den Eigentümern des Mausoleums zustande kommen, plane ich zunächst einen LIDAR-Scan des Innenraums. Auf Basis dieser Daten könnte ein präzises 3D-Modell entstehen, das sowohl für Simulationen in Cinema 4D als auch für ein physisches Modell, etwa mittels 3D-Druck, genutzt werden kann.

Dieses verkleinerte Modell würde es ermöglichen, Projektionen und Lichtführungen im Maßstab zu testen und experimentell weiterzuentwickeln. Die technische und ästhetische Erprobung im Vorfeld ist entscheidend, um die Wirkung im realen Raum besser einschätzen zu können.

Ausblick

Das Werkstück soll eine etwa sechs- bis zehnminütige audiovisuelle Installation werden. Es versteht sich als Prototyp, der perspektivisch weiterentwickelt werden könnte. Im Zentrum steht die Frage, wie Architektur durch künstliches Licht, abstrakte Projektion und räumlichen Klang temporär transformiert werden kann.

Die Masterarbeit bewegt sich damit zwischen Medienkunst, Raumforschung und experimentellem Design. Ich bin gespannt, wie sich das Mausoleum als Projektionskörper verhalten wird und welche neuen Erkenntnisse sich aus der Verbindung von Architektur, Licht und Klang ergeben.

Hinweis zur Verwendung von KI

Zur sprachlichen Optimierung und für Verbesserungsvorschläge hinsichtlich Rechtschreibung, Grammatik und Ausdruck wurde ein KI-gestütztes Schreibwerkzeug (Perplexity 2026) verwendet.

In diesem Blogartikel soll es um die weiter ausgefeilte und konkretisierte Form des Exposés gehen und in welche Richtung sich mein Thema entwickelt hat.

Mit meinem ersten Master-Exposé wollte ich untersuchen, wie Licht als kulturelles, religiöses und atmosphärisches Medium fungiert und fragen, wie natürliches, religiös konnotiertes und künstliches Licht Räume prägt. Ausgangspunkt sollte die jahrtausendealte Lichttradition in sakralen Architekturen, von Maya-, Azteken- und Inka-Bauten bis zur christlichen Kirche sein und die Frage, wie zeitgenössische Medienkunst mit Projektion und Videomapping in diese aufgeladenen Räume eingreift.

Ziel war es, natürliche und künstliche Lichtquellen in sakralen, urbanen und ungewöhnlichen Räumen zu vergleichen, ihre Wirkungsweisen zu analysieren und daraus eine eigene ortsspezifische Lichtinstallation zu entwickeln. Dabei sollten folgende Theorien hinzugezogen werden: Atmosphäre (Böhme, Pallasmaa), Wahrnehmung, Lichttheologie und Lichtkunst (u. a. Turrell, Eliasson) als Grundlage, ergänzt durch Raumanalysen, experimentelle Lichtstudien, ein künstlerisches Werkstück und Besucherforschung.

In Version 3 verschiebt sich der Fokus deutlich: Statt einer breiten „Dreifaltigkeit des Lichts“ in verschiedenen Raumtypen konzentriert sich das Exposé nun klar auf Videomapping im sakralen Raum.

Künstliches Licht wird hier explizit als zeitgenössisches Werkzeug zur Atmosphären-Gestaltung verstanden, das in Kirchen nicht als visuelle Überlagerung, sondern als Fortführung historischer Lichtlogiken eingesetzt werden soll. Im Zentrum steht ein reduziertes Ein-Beamer-Setup, das sich konzeptionell an der Einzigartigkeit des Sonnenlichts orientiert und im Mausoleum Graz in Form einer sechs- bis zehnminütigen, dramaturgisch ausgearbeiteten Mapping-Show erprobt werden soll.

Der Projektteil wird konkreter: Hybride Workflows mit Zeichnung, Modellbau, physischer Lichtmanipulation, 3D-Scanning, KI-gestützter Modellierung und performativer Steuerung (MIDI, Gesten, Live-Tracking) werden gezielt benannt und als Methode zur Entwicklung einer architektursensiblen, rituell erfahrbaren Lichtinszenierung beschrieben.

Wie sich V3 gegenüber der ersten Version weiterentwickelt hat

1. Thematische Fokussierung

V1: Breites Thema „Licht Räume: Natürliches, religiöses und künstliches Licht in sakralen, urbanen und natürlichen Räumen“.

V3: Klarer, enger Arbeitstitel „Videomapping im sakralen Raum“ mit Fokus auf künstliches Licht in Kirchen und Mausoleum.

→ Die Arbeit verschiebt sich von einem vergleichenden Licht-Essay über drei Raumtypen hin zu einer konkreten Untersuchung von Videomapping als ritueller Lichtpraxis im sakralen Kontext.

2. Räumlicher Rahmen

V1: Drei Raumkategorien – sakral (Andräkirche), urban (z. B. Hornig Areal/Klanglicht) und ungewöhnlich/verlassen (Industriehalle o. Ä.).

V3: Konzentration auf einen spezifischen sakralen Ort, das Mausoleum Graz, inklusive Anbindung an ein mögliches Jubiläumsprojekt 2028.

→ Der Raumbezug wird von „vergleichend und breit“ zu „konkret, ortsspezifisch und kuratorisch anschlussfähig“ geschärft.

3. Forschungsfrage und Unterfragen

V1: Zentrale Frage vergleicht natürliches, religiöses und künstliches Licht in verschiedenen Räumen und fragt nach atmosphärischen, symbolischen und räumlichen Bedeutungen.

V3: Zentrale Frage fokussiert hybride analoge und digitale Videomapping-Methoden im sakralen Raum und deren Potenzial, Lichttraditionen zeitgenössisch zu reinterpretieren und neue Raum- und Ritualerfahrungen zu erzeugen.

V1-Unterfragen: kulturelle Lichtbedeutung (Maya, Azteken, Inka, Christentum), Veränderung traditioneller Lichtpraktiken, Wirksamkeit natürlichen vs. künstlichen Lichts, Vergleich verschiedener Orte.

V3-Unterfragen: Wirkung eines Ein-Beamer-Setups im Vergleich zum Sonnenlicht, Beitrag analoger Ausgangsformen, Rolle von KI-Tools, performative Steuerung von Bild und Sound, Videomapping als rituelle Lichtpraxis.

→ Der Fokus wandert von kulturhistorischen und raumtypologischen Vergleichen hin zu gestalterischen, medialen und performativen Fragen innerhalb eines klar definierten Mediums (Videomapping).

4. Hypothese und Zielsetzung

V1-Hypothese: Unterschiedliche Lichtquellen erzeugen je eigene, kulturell und atmosphärisch kodierte Raumwirkungen; künstliches Licht kann bei sensibler Anwendung sakrale Lichtpraktiken fortführen.

V3-Hypothese: Schon ein reduziertes Ein-Beamer-Setup kann – bei präziser räumlicher und zeitlicher Steuerung – starke Atmosphären erzeugen und als zeitgenössische Entsprechung des Sonnenlichts fungieren, ohne die Architektur zu überlagern.

V1-Ziele: Theoretische Analyse, Vergleich dreier Raumtypen, experimentelle Lichtreihe (von Sonne bis Mapping), Entwicklung eines modularen, mobilen Lichtsystems und einer Installation an mindestens einem Ort.

V3-Ziele: Entwicklung eines reproduzierbaren Videomapping-Ansatzes für sakrale Räume, Realisation einer konkreten sechs- bis zehnminütigen Show im Mausoleum samt analytischer und künstlerischer Reflexion.

→ Zielbild und Output werden in V3 viel konkreter: Es gibt ein klar definiertes Werkformat, einen Ort und eine mögliche Wiederverwendung.

5. Methoden- und Technikschärfung

V1: Sehr breites Methodenset – Theorie, drei Raumanalysen, experimentelle Reihe (Sonnenlicht, Kerzen, Prismen, Solar-Setup, Mapping), mobile Lichtsysteme, Besucherinterviews, künstlerische Installation in variablen Orten.
V3: Methoden konzentrieren sich auf Mausoleum-Analyse, analoge und digitale Experimente, Ein-Beamer-Mapping mit Holonetz/Sound, performative Steuerung (Sensoren, Controller, Live-Tracking), Aufzeichnung der Performances und Auswertung.
→ Aus einer eher explorativen „Werkzeugkiste“ wird ein fokussierter, auf ein konkretes Projekt hin ausgerichteter Methodenmix mit klarer technischer Roadmap.

6. Rolle von Technologie und KI

V1: Mappingsoftware und Projektoren werden genannt, aber eher als generische Tools; KI spielt noch keine explizite Rolle.

V3: KI-gestützte Modellierung, 3D-Scanning, Video-Time-Remapping und performative Steuerung werden explizit als Forschungsgegenstand benannt.

→ Technologie wird in V3 nicht nur als Werkzeug, sondern auch als Teil der Fragestellung verstanden (z. B. Rolle von KI bei der Transformation analoger Inhalte).

7. Dramaturgie, Performativität und Ritus

V1: Rituelle Dimension von Licht ist eher inhaltlich/theoretisch verankert (Licht als Träger von Transzendenz, sakrale Atmosphäre, anthropologische Perspektive).

V3: Videomapping wird als potenziell „zeitgenössische Form ritueller Lichtpraxis“ diskutiert; körperbasierte Steuerung und gestische Animationsqualitäten werden direkt mit Raum- und Ritualerfahrung verknüpft.

→ Die rituelle Ebene rückt näher an die konkrete Gestaltungspraxis: Nicht nur „Licht als Symbol“, sondern performative Inszenierung von Licht, Klang und Zeit im sakralen Setting.

Fazit

Von der ersten Version zu V3 ist im Kern ein Prozess der Fokussierung und Konkretisierung.

Aus einer weit gefassten Untersuchung von Licht in verschiedenen Kulturen und Raumtypen ist ein klar konturiertes Projekt geworden, das sich präzise mit Videomapping im sakralen Raum, dem Mausoleum Graz als Versuchsfeld und der Frage nach einer zeitgenössischen rituellen Lichtpraxis beschäftigt. Gleichzeitig bleibt die theoretische Tiefe erhalten, wird aber stärker auf die eigenen künstlerischen Entscheidungen, Workflows und technischen Setups geknüpft.

Hinweis zur Verwendung von KI

Zur sprachlichen Optimierung und für Verbesserungsvorschläge hinsichtlich Rechtschreibung, Grammatik und Ausdruck wurde ein KI-gestütztes Schreibwerkzeug (Perplexity 2026) verwendet.

In meiner neuesten Versuchsreihe experimentiere ich mit der Verbindung von Arduino, Modulino-Sensoren und TouchDesigner. Ein Setup, das analoge Sensorik mit digitaler 3D-Animation verknüpft. Ziel war es, eine intuitive Steuerung für animierte FBX-Avatare zu entwickeln, bei der reale Interaktionen, etwa die Bewegung der Hand unmittelbar Einfluss auf virtuelle Bewegungsparameter nehmen.

Der Prototyp basiert auf einem humanoiden FBX-Avatar aus der Mixamo-Bibliothek. Die Idee: Die Figur “tanzt” schneller oder langsamer, je nachdem, wie nah oder fern die Hand vom Sensor ist. Gleichzeitig wird die Geschwindigkeit eines Videoclips über denselben Wert moduliert. Dadurch entsteht eine doppelte Dynamik: Bewegung in Ton und Bild reagieren gemeinsam auf physische Gesten.

Technisch läuft das Zusammenspiel über den Arduino, der mit einem Modulino-Sensor (ein kompakter, kostengünstiger Touch- bzw. Distanzsensor, etwa 1 € pro Stück) ausgestattet ist. Die Sensordaten werden seriell mit einer stabilen Baudrate von 115200 an TouchDesigner gesendet. Dort werden sie mit einem DAT to CHOP-Knoten eingelesen, gefiltert und über einen Math CHOP sanft geglättet. So wirken die Bewegungen der Figur nicht sprunghaft, sondern organisch. Eine grüne LED auf dem Arduino signalisiert aktiven Datenfluss und ein Timer-Loop von rund 10 Sekunden sorgt für eine stetige, gleichmäßige Dynamik.

Die Kommunikation zwischen Arduino und TouchDesigner erweist sich überraschend performant. FBX-Modelle lassen sich direkt über den Geometry COMP importieren und mit einem Render TOP visualisieren. Selbst komplexere Animationen laufen flüssig, was den Einsatz für Echtzeit-Performances oder interaktive Installationen besonders spannend macht.

Nächste Versuchsreihe: Von Bewegung zu Video

Der nächste Schritt wird darin bestehen, die generierten Bewegungen aufzuzeichnen, also nicht nur live zu visualisieren, sondern auch als Render-Video zu exportieren. Zusätzlich möchte ich verschiedene FBX-Animationen ausprobieren, die über den Sensoreingang oder andere Parameter getriggert werden. Besonders reizvoll ist die Frage, ob sich Partikelanimationen aus Cinema 4D (als FBX oder Alembic-Datei) ähnlich steuern lassen. TouchDesigner bietet bereits gute Frame-Interpolation, was für fließende Übergänge zwischen Animationsphasen entscheidend ist. So könnte eine ganze Palette kinetischer Effekte entstehen, die auf Handbewegungen oder Umwelteinflüsse reagieren.

Ausblick: Erweiterung mit MIDI

Parallel plane ich, das Setup um MIDI-Steuerung zu erweitern. Dabei könnten Regler, Pads oder Drehknöpfe eines MIDI-Controllers die Animationsgeschwindigkeit, Lichtfarbe oder Partikelmenge variieren. TouchDesigner erlaubt die Einbindung von MIDI-Daten über das MIDI In CHOP-Interface, das ähnlich wie die Arduino-Daten weiterverarbeitet werden kann. Auf diese Weise entsteht ein hybrides Interface: halb physisch, halb digital –, das Bewegungen, Musik und Licht miteinander verschmilzt.

Fazit

Das Experiment zeigt, wie vielseitig die Kombination aus Arduino, Modulino und TouchDesigner sein kann. Ein einfacher Sensor genügt, um virtuelle Figuren lebendig wirken zu lassen. Die Grenzen zwischen physischer und digitaler Interaktion beginnen zu verschwimmen und genau dort eröffnet sich ein spannendes Feld für neue audiovisuelle Erlebnisse.

In diesem Blogartikel soll es um meine gewonnenen Erkenntnisse und nächsten Schritte mit der interaktiven Installation GONE gehen, die im Fach Dynamik Media unter der Leitung von Peter Venus entstanden ist.

„GONE“ ist eine interaktive audiovisuellen Installation, die das Schmelzen der Pasterze, des größten Gletschers Österreichs, erfahrbar macht und als memoriales Mahnmal für die Folgen der Klimakrise fungiert. Im Zentrum steht ein hochauflösendes 17,5 x 17,5 cm großes 3D‑Modell eines 12 km² großen Gletscherabschnitts, das mittels Dual‑Projection (Unterprojektion vom Screen, obere Partikelprojektion) und Sounddesign durch eine Handgeste über einen Sensor, durch Auf- und Absenken scheinbar schmilzt und sich wieder aufbaut. Absenken beschleunigt die Auflösung, Entfernen setzt einen Wiederaufbau in Gang. Die audiovisuelle Ebene basiert auf granularer Synthese und Aufnahmen von Schnee, Wasser und Eis, die drei Klangzustände formen.

Ziel war es, abstrakte Klimadaten in eine körperliche Erfahrung zu übersetzen: Das scheinbar spielerische „Schmelzen“ macht Besucher:innen zu Akteur:innen und konfrontiert sie direkt mit ihrer eigenen Verantwortung.

Die Realisierung durchlief einen intensiven Prototyping-Prozess: Von lasergeschnittenen Acryl-Schichtmodellen mit semi-transparenter Unterprojektion zum finalen Resin-3D-Druck auf recyceltem Holzstand. Technisch kamen Arduino mit Modulino-Sensor, FH-Laptop, Sonic-Speaker sowie Max 9 und Resolume zum Einsatz, doch der Laptop-Ausfall am dritten Ausstellungstag (instabile Ports, fehlende Admin-Rechte) zeigte die Schwächen komplexer Setups mit unnötigen Fehlerquellen. Trotzdem bewies die Kombination aus Objekt, Projektion und Sound ihre emotionale Wirkung als Klima-Vermittlung.

Optimierung der Sensorik und Hardware-Plattform

Aus den Learnings leitet das Team ein klares Optimierungskonzept ab, das sich insbesondere auf eine robustere und präzisere Sensorsteuerung konzentriert: Künftig soll „GONE“ auf einer einheitlichen, stabileren Plattform wie TouchDesigner laufen, mit eigener, zuverlässiger Rechnerhardware und einem kontinuierlich arbeitenden Hand- oder Touch‑Sensor. Nach intensiver Recherche und Prototyping-Tests im BerryBase-Sortiment hat sich der Raspberry Pi Pico als überlegene Alternative zum ursprünglichen Arduino herausgestellt – mit 26 GPIO-Pins (vs. 14 beim Arduino Uno), 12-Bit-ADC-Auflösung für feinere Messwerte und PIO-Funktionen für flexible Protokolle, die präzise Handflächen-Interaktionen ermöglichen, ohne unnötige Komplexität. Für die Gestensteuerung (Annäherung schmilzt, Absenken beschleunigt, Entfernen baut auf) eignet sich der kapazitive Touch-Sensor TTP223 optimal: Er erkennt Berührung oder Nähe über eine größere Fläche (z. B. unter einer Acrylplatte), liefert ein stabiles digitales Signal und erlaubt eine Zeitmessung – je länger die Hand aufliegt, desto weiter schreitet die Schmelzanimation in TouchDesigner voran, gesteuert über serielle Daten (z. B. als Float-Werte von 0–1). Alternativen wie ein berührungsloser Infrarot-Temperatursensor (z. B. MLX-basiert) könnten die Wärme der Handfläche nutzen, um die Auflösung kontinuierlich zu beschleunigen, oder ein Force-Sensitive-Resistor (FSR) für druckbasierte Variationen, wobei letzterer bei BerryBase ergänzt werden müsste. Der Pico (3,3 V) verbindet sich nahtlos via UART-Serial mit TouchDesigner, wo ein Serial DAT die Werte empfängt, normalisiert und direkt auf Speed- oder Timeline-Parameter der FBX-Gletscheranimation routed – MicroPython erleichtert schnelles Prototyping ohne ständigen Upload. Diese Wahl minimiert Ausfälle durch mehr Pins, niedrigeren Stromverbrauch und Kompaktheit, während Level-Shifter 5-V-Sensoren sicher integrieren.

Professioneller Transportabler Stand
Geplant ist zudem ein professionell gestalteter, transportabler Stand aus mattem Holz oder Aluminium mit integriertem Projektor (Throw Ratio ca. 0,5), der die Arbeit festival‑ und touring‑tauglich macht, etwa für einen Einsatz bei der Ars Electronica. 

Bauanleitung: Transportabler Stand für „GONE“

Materialien (für 24″-Screen-Box, max. 1,30 m hoch):

• Anthrazitfarbene Kompaktplatte Hornbach (2800 x 1300 x 6 mm, RAL 7016) – wetterfest, UV-stabil, matt-minimalistisch.​
  
• Schrauben, Winkelverbinder, Leim; Werkzeuge: Säge, Bohrer, Schleifpapier.​
  

Schritt 1: Zuschnitt bestellen
Beim Hornbach-Service: 2x Vorder-/Rückwand (600 x 1300 mm), 2x Seiten (400–600 x 1300 mm Tiefe für Sensorraum), Reste für Rippen/Verstrebungen. Höhe nutzt volle 1,30 m Plattenbreite.​

Schritt 2: Vorbereitung
Kanten abschleifen, Löcher für Kabel/Sensor (Pico + TTP223) vorbohren. Innenraum für Raspberry Pi Pico, Serial-Kabel und Projektor vorbereiten.​

Schritt 3: Montage

• Seitenwände mit Winkelverbindern/Schrauben fixieren (Tiefe 40–60 cm).
  
• Innere Rippen für Stabilität (6 mm Dicke hält 5–10 kg Screen).​
  
• Screen oben montieren, Projektor (Throw Ratio 0,5) integrieren – mattes Anthrazit rahmt Dual-Projektion schick ein.​
  

Schritt 4: Abschluss & Test
Leimfugen glätten, transportabel verpacken. Test: Gletscher-Modell stabil, Gesten-Sensor funktioniert: festivaltauglich für Ars Electronica.​

Ergebnis: Robuste, elegante Box – kratzfest, pflegeleicht und perfekt zur Ästhetik von „GONE“.

Hinweis zur Verwendung von KI

Zur Recherche sowie der sprachlichen Optimierung und für Verbesserungsvorschläge hinsichtlich Rechtschreibung, Grammatik und Ausdruck wurde ein KI-gestütztes Schreibwerkzeug (Perplexity 2026) verwendet.