Category: Sound Design

Erinnerungen sind keine statischen Daten. Sie sind lebendig, wandelbar und tief mit unserem Alltag verwoben. Genau mit diesem Verständnis setzen Elise van den Hoven, Corina Sas und Steve Whittaker in ihrem Artikel Designing for Personal Memories: Past, Present, and Future an. Statt Erinnerungen nur als Inhalte zu betrachten, fragen sie:
Wie können interaktive Systeme Erinnerungen über Zeit hinweg sinnvoll unterstützen?

Der Artikel unterscheidet drei zeitliche Perspektiven auf Erinnerungen: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Diese Einteilung wirkt zunächst einfach, eröffnet aber einen wichtigen Blick auf das Zusammenspiel von Mensch, Objekt und Zeit.

Die Vergangenheit betrifft gespeicherte Erinnerungen: Fotos, Videos, Texte, Objekte. Klassische Designlösungen konzentrieren sich häufig genau darauf – auf das Sammeln und Archivieren. Doch die Autor:innen machen deutlich, dass Erinnerung nicht allein durch Speicherung entsteht. Ein Foto ist noch keine Erinnerung, sondern nur ein Auslöser.

Die Gegenwart spielt eine entscheidende Rolle, weil Erinnerungen hier aktiv erlebt werden. Sie entstehen im Alltag, oft beiläufig. Van den Hoven, Sas und Whittaker betonen, dass Design Erinnerungen nicht nur im Nachhinein unterstützen sollte, sondern bereits während ihres Entstehens. Wie wird ein Moment erlebt? Wie bewusst wird er wahrgenommen? Gestaltung kann hier helfen, Aufmerksamkeit zu lenken – oder auch bewusst zurückhaltend zu sein.

Die Zukunft schließlich betrifft die Frage, wie Erinnerungen später wieder aufgerufen werden. Dabei geht es nicht nur um Zugänglichkeit, sondern um Kontext. Erinnerungen brauchen Anknüpfungspunkte: Orte, Handlungen, Rituale. Ohne diese bleiben gespeicherte Inhalte oft ungenutzt.

Ein zentraler Gedanke des Artikels ist, dass Erinnerungen nicht isoliert existieren. Sie sind eingebettet in Beziehungen, Routinen und Objekte. Besonders interessant ist dabei die Rolle materieller Dinge. Physische Objekte fungieren als sogenannte memory cues – sie lösen Erinnerungen aus, ohne sie festzuschreiben. Ihre Bedeutung liegt weniger im Objekt selbst als in der Handlung, die mit ihm verbunden ist.

Für den Entwurf von Erinnerungsobjekten oder -systemen bedeutet das: Es reicht nicht, Inhalte bereitzustellen. Entscheidend ist die Gestaltung der Interaktion. Wann wird erinnert? Wie freiwillig geschieht es? Und wie viel Raum bleibt für Interpretation?

Gerade im Kontext von Trauer und Verlust ist dieser Ansatz besonders relevant. Erinnerungen an verstorbene Menschen verändern sich über Zeit. Ein gutes Design akzeptiert diese Veränderung, statt sie zu verhindern. Es lässt zu, dass Erinnerungen verblassen, sich neu zusammensetzen oder an Bedeutung gewinnen.

Der Artikel plädiert letztlich für eine Gestaltung, die Erinnerungen nicht kontrolliert, sondern begleitet. Für Systeme, die offen, anpassbar und langfristig gedacht sind. Erinnerung wird hier nicht als Problem verstanden, das gelöst werden muss – sondern als menschlicher Prozess, der Unterstützung verdient.

Warum hängen wir an bestimmten Dingen, obwohl sie objektiv betrachtet nichts Besonderes sind? Warum behalten wir ein altes, zerkratztes Objekt, obwohl es längst eine funktional bessere Alternative gibt? Und warum können uns andere Produkte schon nach wenigen Minuten frustrieren – obwohl sie technisch perfekt funktionieren?

Mit genau diesen Fragen beschäftigt sich Emotional Design: Why We Love (or Hate) Everyday Things von Don Norman. Das Buch macht deutlich: Gute Gestaltung endet nicht bei Funktion oder Ästhetik. Sie beginnt dort, wo Emotionen ins Spiel kommen.

Norman unterscheidet drei Ebenen, auf denen wir Produkte wahrnehmen: die viszerale, die behaviorale und die reflektive Ebene. Die viszerale Ebene ist der erste Eindruck – das Bauchgefühl. Gefällt mir das Objekt? Fühlt es sich gut an? Wir reagieren hier oft unbewusst. Materialien, Farben, Formen spielen eine zentrale Rolle.

Die behaviorale Ebene betrifft die Nutzung. Funktioniert das Produkt? Ist es verständlich? Macht es, was ich erwarte? Viele Designprobleme entstehen genau hier: Wenn etwas gut aussieht, aber im Alltag nervt. Oder wenn ein Produkt zwar logisch ist, sich aber „falsch“ anfühlt.

Die reflektive Ebene schließlich ist die persönlichste. Sie betrifft Bedeutung, Erinnerung und Identität. Warum ist mir dieses Objekt wichtig? Was sagt es über mich aus? Welche Geschichte verbinde ich damit?

Gerade diese dritte Ebene ist entscheidend, wenn es um emotionale Bindung geht. Wir lieben Dinge nicht, weil sie perfekt sind – sondern weil sie Teil unserer Geschichte werden. Ein Kratzer erinnert an einen Moment. Ein Makel macht ein Objekt einzigartig. Emotionen entstehen nicht trotz Unvollkommenheit, sondern oft genau wegen ihr.

Im Kontext von Trauer und Erinnerung wird Emotional Design besonders relevant. Ein Erinnerungsobjekt muss nicht effizient sein. Es muss nicht schnell oder multifunktional sein. Viel wichtiger ist, dass es sich richtig anfühlt. Dass es Nähe zulässt. Dass es keine Angst macht.

Der Begriff Swedish Death Cleaning klingt im ersten Moment drastischer, als er ist. Tatsächlich geht es dabei weniger um den Tod selbst als um das Leben davor – und um Verantwortung. In Schweden ist diese Praxis als Döstädning bekannt und beschreibt das bewusste Aufräumen und Reduzieren des eigenen Besitzes mit dem Gedanken, Angehörige nach dem eigenen Tod nicht zu belasten.

Bekannt wurde das Konzept vor allem durch das Buch „The Gentle Art of Swedish Death Cleaning“ von Margareta Magnusson. Darin beschreibt sie Döstädning nicht als traurige Pflicht, sondern als ruhigen, fast befreienden Prozess. Es geht nicht darum, alles loszuwerden – sondern bewusst zu entscheiden, was bleiben darf.

Was dieses Konzept so spannend macht, ist seine Haltung zur Erinnerung. Denn Swedish Death Cleaning bedeutet nicht, Erinnerungen zu löschen. Im Gegenteil: Es fordert dazu auf, sich aktiv mit ihnen auseinanderzusetzen. Jedes Objekt wird hinterfragt: Warum habe ich das? Welche Geschichte hängt daran? Und für wen könnte es nach mir eine Bedeutung haben?

Viele Gegenstände, die wir besitzen, tragen Erinnerungen – aber nicht alle sind gleich wertvoll. Manche bewahren wir aus Gewohnheit, andere aus Schuldgefühl. Swedish Death Cleaning erlaubt, genau hier ehrlich zu sein. Nicht alles muss weitergegeben werden. Nicht alles muss bewahrt werden.

Interessant ist dabei der Perspektivwechsel: Statt aus der eigenen emotionalen Bindung heraus zu entscheiden, wird die Sicht der Hinterbliebenen mitgedacht. Was bedeutet dieser Gegenstand für jemand anderen? Ist er eine Bereicherung – oder eine Belastung?

Gerade im Kontext von Trauer wird oft deutlich, wie schwierig diese Frage ist. Nach einem Todesfall stehen Angehörige häufig vor Bergen von Dingen. Zwischen Dokumenten, Alltagsgegenständen und persönlichen Erinnerungsstücken müssen Entscheidungen getroffen werden – oft in einer emotionalen Ausnahmesituation. Swedish Death Cleaning versucht, diese Last vorwegzunehmen

Nach einer genaueren Einführung wie man Licht eigentlich misst und was eine gute Belichtung ausmacht, möchte ich mich in diesem Blogpost genauer mit dem Equipment beschäftigen, das auf Filmsets genutzt wird. Dies hilft mir später auch das richtige Equipment für meinen Kurzfilm auszuwählen. Außerdem enthält dieser Blogpost einen kurzen Exkurs in die physikalischen Eigenschaften von Licht.

Lichtquellen

Phil Rhodes teilt Lichtquellen in Tageslicht, Licht aus Glühbirnen (Incandescent), Leuchtstofflampen (bei uns oft fälschlicherweise Neonlampen genannt), Lichtogenlampen (HMI, CMH, Plasma, Xenon) und LED´s ein. Jedem dieser Lichtquellen widme ich nun eine kleine Erklärung.

Tageslicht

Temperatur, Intensität und Qualität von Tageslicht hängt von vielen Faktoren ab, wie Wetter, Uhrzeit, Ort und Seehöhe. Grundsätzlich lässt sich aber definieren, dass Tageslicht an einem wolkenlosen Tag sehr hart und viel stärker als das Umgebungslicht des restlichen Himmels ist. Daraus ergeben sich kantige Schatten und ein Key-to-Fill Ratio von etwa 7:1. An bewölkten Tagen verhalten sich die Wolken wie eine riesige Softbox und erzeugen damit verbunden auch eine fast schattenlose, durchgehende Ausleuchtung. Tageslicht besteht außerdem aus dem vollen Spektrum an sichtbarem Licht, was viele Vorteile bietet.

Glühbirnen

Glühbirnen sind eine der ältesten Formen von Lichtquellen, die aber bis heute bestehen. Da in einer Glühbirne Metall durch Erhitzung zu “verbrennen” beginnt, hat das Licht, das dabei abgesondert wird, einer sehr hohe Qualität, jedoch wird viel von der Energie am Ende nur als Hitze abgesondert. Klassische Glühbirnen, in denen Halogen als Gas enthalten ist, um zu verhindern, dass der Draht wirklich durchbrennt, haben fast alle die gleiche Farbtemperatur: 3200 Kelvin. Damit sind sie sehr warm (oft Tungsten genannt).

Leuchtstoffröhren

Das Licht aus Leuchtstoffröhren ist in seiner Qualität zwar bei weitem nicht mit Glühbirnen und Tageslicht zu vergleichen, hat aber andere Vorteile. So zum Beispiel, dass es automatisch weicher ist. Außerdem entsteht nicht so viel Hitze und die Energie wird besser in Licht umgesetzt.

Lichtbogenlampen (HMI, CMH etc.)

Lichtbogenlampen funktionieren in der Hinsicht ähnlich wie Glühbirnen, als dass in einem abgeschlossenen Raum durch elektrische Spannung etwas zum Glühen gebracht wird. Während das bei klassischen Glühbirnen meist ein Wolfram-Draht ist, sind es bei Lichtbogenlampen meist Gase, die man mit einem Hochspannungsblitz quasi aufwärmt und dann unter Dauerstrom zum Leiten und damit zum Leuchten bringt. Die bekanntesten sind HMI Lampen, die mit Quecksilberdampf funktioniert. Der Vorteil gegenüber klassischen Glühbirnen, liegt in der viel größeren Lichtausbeute. Außerdem sondern die Gase automatisch ein Licht mit etwa 6000 Kelvin ab, was sie super als Tageslichtlampen eignet. Alternativ können in solchen Lichtbogenlampen auch andere Gase und Substanzen vorkommen, wie Xenon. Die Unterschiede bestehen dann etwa in der Effektivität, Farbtemperatur oder Farbqualität.

LED´s

LED´s funktionieren anders als alle bisherigen Lichtquellen. Sie nutzen im Grunde einen negativen und einen positiven Pol und einen Halbleiter, der halb positiv und halb negativ geladen ist. Fließt Strom zwischen diesen Polen wird er als Photon und damit Licht abgesondert. Dies hat unsagbare Vorteile in der Energieeffizienz, da per se kein Objekt glühen oder leuchten muss. Erzeugt aber ein sehr einseitiges Spektrum an Licht. Dieses kann je nach dem genutzten Halbleiter die verschiedensten Farben haben. Um weißes Licht zu erhalten werden dann entweder rote, grüne und blaue LED´s gemischt (was ein sehr unvollständiges Spektrum erzeugt) oder eine blaue LED durch zugabe von Phosphor der gelb leuchtet, zu weißem Licht aufgewertet (was ein volleres aber immer noch nicht volles Spektrum erzeugt).

Durch diese Techniken ergeben sich verschiedenste Möglichkeiten sie in vollständigen LED-Lampen einzubauen. Tageslicht-LED Lampen sind meist nur mit Phosphor-Konvertierten Dioden versehen, das erzeugt hohen Output und ausreichend gute Farbqualität. Bi-Color Leuchten sind meist mit zwei verschiedenen Phosphor-Konvertierten Dioden ausgestattet. Die eine Hälfte bleibt eher bläulich, die andere sehr warm. Durch mischen der Dioden werden dann verschiedene Temperaturen erzeugt, diese sind aber in ihrer Farbqualität nicht optimal. Die dritte Variante, also full color Leuchten sind dann entweder mit drei verschiedenen LED´s, roten, grünen und blauen, oder zusätzlich einer weißen, oder sogar zwei weißen, einer kühlen und einer warmen ausgestattet. Grundsätzlich gilt, je mehr verschiedene Dioden verwendet werden, desto besser die Farbqualität, da sie mehr Farben mischen und damit ein volleres Spektrum erzeugen können. Dies geht jedoch auf die Lichtausbeute, da natürlich nie alle Dioden gleichzeitig leuchten werden.²

Gels

Ist man mit der Farbtemperatur des Lichts nicht zufrieden, gibt es jedoch noch immer eine allerletzte Lösung: Gels. Im Grunde nichts anderes als farbige, lichtdurchlässige Materialien, die man vor den Lichtstrahl hält. Ehemals aus Gelatine (daher der Name) und heute meist aus Polyester, können aber auch Gels natürlich nur bedingt helfen, da sie im Grunde nur gewisse Frequenzen aus dem bestehenden Licht rausblocken und andere durchlassen. Sie fügen kein Licht hinzu. Heißt: Das resultierende Licht ist in seiner Qualität schlechter als davor, da mehr Frequenzen fehlen, es hat eben nur eine andere Farbe. Besteht aber keine andere Möglichkeit, das Licht auf “natürlichere” Weise, direkt beim Entstehungsprozess in der Farbe zu verändern sind Gels natürlich hilfreich. Die wichtigsten sind hierbei CTB´s und CTO´s, was für Color Temperature Blue und Orange steht, also im Endeffekt das Licht abkühlt oder aufwärmt.³

vgl.

1. Vgl. Rhodes, Phil: Light Sourcs and Lighting Instruments. In: Mullen, Merritt David (Hrsg.) und Hummel, Rob (Hrsg.): American Cinematographer Manual. Eleventh Edition. Los Angeles: The ASC Press 2023. S. 105-108. ↩︎
2. Vgl. Rhodes, Phil: Light Sourcs and Lighting Instruments. In: Mullen, Merritt David (Hrsg.) und Hummel, Rob (Hrsg.): American Cinematographer Manual. Eleventh Edition. Los Angeles: The ASC Press 2023. S. 125-132.  ↩︎
3. Vgl. Rhodes, Phil: Light Sourcs and Lighting Instruments. In: Mullen, Merritt David (Hrsg.) und Hummel, Rob (Hrsg.): American Cinematographer Manual. Eleventh Edition. Los Angeles: The ASC Press 2023. S. 143f. ↩︎

In meiner zweiten Filmanalyse dreht sich alles um den Horrorfilm The Possession of Hannah Grace, den ich bis dato selbst noch nicht gesehen hatte, aber aus gutem Grund ausgewählt habe. Er war zum Zeitpunkt der Veröffentlichung 2018 nämlich der erste Feature Film der in voller Länge auf einer spiegellosen Sony Kamera, der A7SII, gedreht wurde. Also genau das was ich vor habe.

Generelle Überlegungen

Der gesamte Film spielt in einer Leichenhalle und ist dementsprechend durchgehend Low-Key geleuchtet. Laut dem 1st AC, war dies auch exakt das was das menschliche Auge am Dreh gesehen haben soll. Heißt: Die Dunkelheit wurde nicht durch das Runterziehen der Schatten in der Post erzeugt, sondern das Set war wirklich so dunkel. Laut ihm wurde fast alles auf ISO 3200 geshootet, was eben diese Vorgehensweise ermöglicht hat. Zusätzlich, so hat man es im BTS gesehen, wurde anscheinend etwas gemacht, was ich so als Ratschlag noch in keinem Video gefunden habe: Irgendwie hatte es nämlich den Anschein, dass manche Szenen wirklich von den Practicals geleuchtet wurden. Auch wenn die Practicals, jetzt in diesem Fall keine klassischen Tischlampen hinten am Schreibtisch, sondern fette Neonröhren an der Decke waren, hat mich das doch sehr verwundert. Der (aus meiner Sicht) damit induzierte Effekt war natürlich, dass das Licht automatisch viel toppiger kam, und tiefe Schatten unter den Augen erzeugte. Als Beweis dafür, was ich damit meine, hier zwei Screenshots aus dem BTS des Films. In beiden Fällen kann ich eigentlich nur eine Lichtquelle ausmachen. Im Falle der Spiegelszene wahrscheinlich ein Tube-Light über dem Spiegel, und im Gang die Practicals an der Decke.

Frame 1-3: Die Heldin

Der erste Frame ist ein klassischer Shot im Film. Noch (oder gerade) geht keine Bedrohung von der halbtoten besessenen Leiche im Kasten aus, und die Hauptdarstellerin macht einfach ihren Job als Nachtarbeiterin in der Leichenhalle. Jedoch wird sogar schon hier mit einem extrem starken Kontrastverhältnis im Gesicht und mit extrem hartem Licht gearbeitet. In diesem Fall wird das Key-Light von der nebenstehenden Gerätschaft samt ihrem beleuchteten Arbeitsplatz motiviert, der mit Neon-Röhren ausgestattet ist, wie man in anderen Einstellungen sehen kann. So dunkel wie die Fill-Seite ist, dürfte kaum aus dem Frame draußen wohl eine fette Flag mit negative Fill gestanden sein, um das Gesicht so kontrastig hinzubekommen.

Im zweiten Frame ist sie bei der Einführung in ihren neuen Job zu sehen. Wie in der Einleitung beschrieben, sehr toppig geleuchtet, womöglich sogar wirklich mit den Deckenlampen am Set. Auch hier finde ich die Schatten im Gesicht, diesmal unter den Augen, sehr prominent. Besonders gut gefällt mir aber, wie ihr Chef in dem Licht herausgearbeitet wird. Anscheinend (zumindest soll es so den Eindruck machen) steht er direkt zwischen zwei Neonröhren. Die kameranahe gibt ihm Licht auf die Schulter, die ferne noch weiter hinten auf die Brust, sein Kopf inzwischen ist fast unbeleuchtet. Ich könnte mir vorstellen, dass sie dafür einfach die Practicals (sofern es mit diesen geleuchtet ist) mit schwarzem Stoff innen abgeklebt haben, um zu verhindern, dass sie streuen. Dadurch entsteht dann diese schöne Separation und der hohe Kontrast.

Im dritten und letzten Frame der Heldin wird es schon spannender, denn sie hört die ersten Geräusche und geht diesen auf den Grund. Was auffällig ist: Ab hier werden die Kontraste auf ihr eigentlich immer geringer, da sie als gesamtes immer dunkler wird. Wie vorher kommt das Licht sehr toppig, aber viel schwächer als vorher, was dafür spricht, dass die Practicals vermutlich Tubes sind, die das Team frei in ihrer Helligkeit kontrollieren konnte.

Besonders gut gefallen mir hier die Kontraste um sie herum. Die einzelnen Tische und Arbeitsflächen, die Bildschirme, die roten Knöpfe hinter ihr etc.. In diese Einstellung hätte man wirklich kaum mehr Lichttupfer einfügen können, ohne das es gestellt wirkt, immer schön mit der Separierung, dass zumindest kurz dazwischen schwarz ist. Außerdem ist nicht nur ein Kontrast zwischen hell und dunkel, sondern auch warm und kalt gegeben, da sie eindeutig kühler daherkommt, als die Tischlampen seitlich.

Frames 4-6: Die Besessene

Im ersten Frame ist die Anfangsszene zu sehen, in der der ursprüngliche Exorzismus am Mädchen scheitert. Für mich hier am auffälligsten ist die Farbe des Lichts, denn ihr weißes Gewand scheint eigentlich fast schon türkis, so kalt ist das Licht, das sie für diesen Shot gewählt haben. Das erzeugt natürlich auch auf der Haut extrem unnatürliche Töne, die einem das Gefühl vermitteln, dass hier etwas ganz und gar nicht passt. Verwunderlich finde ich die in diesem Fall recht gleichmäßige Ausleuchtung ihres Gesichts. Vielleicht war hier das Ziel, soviel von der Verrücktheit in ihren Augen mitzunehmen wie möglich.

Dieses fast schon türkise Licht zieht sich auch weiter durch ihre Darstellungen. Im Fall des zweiten Frames aber im Winkel mehr wie ich es eigentlich erwarten würde, nämlich sehr seitlich, mit starkem Kontrast zur Fill Seite. Auch sehr interessant: Das Backlight, das ihre Schultern und Haare vom Hintergrund abhebt. Dieses kommt nämlich aus einer sehr ähnlichen Richtung wie das Key – kann aber meiner Meinung nach nicht das gleiche sein, da sich das physikalisch nicht ganz ausgehen würde. Dadurch erreichen die Filmemacher aber natürlich einen recht interessanten Effekt: Sie können verhindern, dass die Darstellerin im dunklen Hintergrund absäuft, ohne irgendwie die Helligkeit der Fill-Seite angreifen zu müssen, und können diese ganz dunkel lassen.

Im letzten Frame ist dann die Kacke wirklich am Dampfen, denn der Dämon fordert in diesem Moment sein (glaube ich) drittes Opfer. Und drastischer geht es eigentlich auch kaum. Abgesehen davon, dass der Charakter eigentlich völlig absäuft und fast komplett dunkel daherkommt, ist die gesamte Umgebung in der signalstärksten aller Farben geleuchtet und das Spitzlicht an ihren Haaren macht mit dem Sensor der Kamera sowieso was es will. Also eigentlich gibts im gesamten Frame nur die drei RGB Values für schwarz, weiß und rot, mehr ist nicht.