After being inspired by Paulus Goerden again (and again), I finally did something I should have done much earlier: I stopped only saving posts and started looking at his Instagram account as a whole system. Not just what he posts, but how he builds meaning around everyday installations through format, repetition and framing.

I already wrote a deeper version of this as an Impulse blogpost, but I wanted to keep a short version here as well because it connects directly to my own thesis process.
What I noticed is that his account is not simply documentation. It’s structured. He repeats a few formats over and over again, and that is exactly why it works so well. The most obvious one is the classic: showing a found everyday installation. But then he expands it with other layers: reconstruction (miniature versions), street interviews, and meta-posts where he includes hate comments or reactions from followers. The installations stay anonymous, but the context around them keeps changing.

This is important for my thesis because it proves something I keep coming back to: the object itself is rarely the main point. The frame is. On Instagram, the frame can be a caption, a voiceover, a title, a hate comment screenshot, or a conversation with a stranger. And suddenly the same pile of boxes becomes either trash, minimalism, or a joke — depending on what kind of frame is offered.

For me, the biggest takeaway is that I shouldn’t think of my work as “just photos” either. The documentation, the text, the exhibition space, the order of images, the titles, even the reactions from other people, all of that is part of the final communication.
Paulus’ work is a good reminder that everyday installations don’t need a museum to become readable. But they do need a structure. And building that structure is basically communication design.

Recently, we had a workshop at the University of the Arts London with Ella, the Course Leader of the MA Design for Social Innovation and Sustainable Futures at London College of Communication. The workshop is part of a larger task for this semester: creating a future newspaper set in the year 2046. Each of us has to develop our own project that exists within this imagined future, while also working with a local community. It sounds simple at first, but the question behind it feels much bigger: how will the future look, and how do we position ourselves within it as designers?
I’ve noticed that thinking about the future makes me slightly uncomfortable. The future feels abstract, uncertain, and difficult to hold onto. I realised that I often find more comfort in looking at the past, in personal stories, cultural references, and existing memories. At first, I thought this might be a limitation. But Ella’s talk shifted my perspective.
One thing she said that stayed with me was: “Joy is radical.” In a time where so much of the future is discussed through crisis, climate change, political instability and uncertainty, choosing to focus on joy can itself become a form of resistance. It made me realise that future-oriented design doesn’t always have to come from fear or urgency. It can also come from care and hope.

Ella showed us several projects from her students, and one in particular stayed with me. It was created by an international student from South Korea, who asked the question: What if South Korea had never been colonised? She explored this question through deeply personal and visual methods. She rearranged photographs in her grandmother’s home, imagining how her family might have dressed or lived under different historical conditions. Through this process, she connected speculative thinking about the future with reflections on the past. What I found especially interesting was how this exploration eventually led her to something completely different: kimchi and sustainability. She created her own kimchi brand, using food waste from restaurants to imagine more sustainable production systems. I was fascinated by how a thesis that began with history and identity could evolve into something so tangible.

This project also reassured me on a personal level. It showed me that working with the past doesn’t mean you’re stuck there. The past can become a tool to imagine alternative futures. As someone who is interested in cultural memory and my own background, this approach felt very close to how I want to work.

Another moment during the workshop that stayed with me was when one of my classmates presented her idea that chocolate might no longer exist in the future due to climate change and resource scarcity. One suggestion I particularly loved was the idea to make people write letters and give them chocolate-flavoured stamps, allowing people to value it while we still have it.

Links:
https://read.followingthefootprints.com/p/the-check-out-20-theferm
https://madsisf.myblog.arts.ac.uk/2020/06/11/rebecca/
https://www.arts.ac.uk/colleges/london-college-of-communication/people/ella-britton

(Online Activity – watching and analysing a street interview format, 1+ hour)

For this impulse I focused on one specific format Paulus Goerden uses frequently: street interviews. Instead of analysing his account as a whole, I watched one reel closely and treated it like a small case study. The reel is titled “Zitate aus der Kunstgeschichte auf der Straße 🥰” and shows Paulus approaching a passerby and asking her directly why people choose to ignore a specific everyday installation.

This reel is interesting because it makes something visible that is usually invisible in my research: the moment of interpretation. When I photograph everyday installations, I capture the result, an arrangement that already exists. But I rarely capture the social process around it. Paulus does. In this reel, the installation is not only shown as an object in space. It becomes a trigger for conversation, disagreement, humor and negotiation.

The structure of the interaction is simple. Paulus starts by asking for permission and then asks a clear question: why does nobody pay attention to this “construction”? The woman answers honestly and pragmatically: she does not see it as an art object. For her, the reason is contextual. She assumes it is related to moving boxes and the fact that people constantly move in and out. This answer is extremely valuable for my thesis because it shows how strongly interpretation depends on everyday logic. She does not analyse form, she analyses function.

Paulus then follows up with an important question: what would need to be different for her to perceive it as an artwork? This question is basically a direct version of my thesis topic. It forces the viewer to articulate their own internal criteria. And what happens next is even more interesting: Paulus tries to connect the installation to art history. He mentions minimalism, simple forms, colors, stacked shapes. In other words, he tries to re-frame the everyday installation using a cultural reference.

The moment another passerby joins and jokes about the address label (“the artist left his signature”) is also important. It shows how quickly people switch between seriousness and humor when confronted with ambiguous objects. It also shows how social interaction itself becomes part of the framing. Suddenly, the installation is not only “boxes.” It is a shared moment between strangers.

What I find most relevant is that the reel demonstrates how easily the interpretation can shift once a label is introduced. Paulus calls it “Alltagsinstallation,” and the woman responds: “ja gut, ist in Ordnung,” and laughs. The conversation ends politely, and everyone moves on. But something has changed: the object has been temporarily upgraded. Not because it physically changed, but because a word was introduced. A name was given. A concept was offered.

This connects directly to my thesis question: what does it take for art to communicate without a frame? In this reel, the frame is not a gallery. The frame is Paulus himself. The frame is language. The frame is art history. And the frame is the social permission to talk about an object as if it matters.

The reel also shows something else: people are not necessarily unwilling to engage. They simply need a trigger. Without the trigger, they walk past. With the trigger, they participate. This supports the idea that everyday installations can communicate but they do not automatically do so. Communication happens when attention is activated.

For my own work, this impulse gives me a concrete method idea: I could incorporate short interviews or spontaneous reactions into my research, even if I do not want to become a street interviewer myself. The reel proves that audience perception is not abstract. It can be observed in real time. It can be recorded. And it can become part of the thesis material, not only as anecdotal evidence but as a structured research method.

Overall, this impulse helped me see that “framing” is not only spatial (museum vs street). Framing can also happen through conversation. A single question can function like a museum label. A single reference to minimalism can function like a curatorial statement. And a single shared laugh can turn an ignored pile of boxes into a temporary artwork.

Transcript (based on the reel)

Paulus: Darf ich Sie kurz was fragen? Ich frag mich, wieso hier jeder an dieser spannenden Konstruktion vorbeigeht und warum das keine Beachtung findet?
Woman: Weil ich das jetzt nicht als Kunstobjekt ansehe.
Paulus: Was fehlt Ihnen denn dafür, dass es als Kunstobjekt wahrgenommen werden kann?
Woman: Es hat einfach damit zu tun, dass hier die ganze Zeit neue Leute einziehen und ich denke, dass die Kartons von denen sind.
Paulus: Ja, aber das ist eine spannende Form, oder? Es hat sehr viel vom Minimalismus in der Kunstgeschichte. Die einfachen Formen, die Farben, das Aufeinandergestapelte.
Man (Passant): Der Künstler hat sich da verewigt.
Paulus: Der Künstler hat sich da verewigt?
Man: Ja, die Adresse steht drauf. (points with finger on the adress written on it)
(everyone laughs)
Paulus: Ich nenn das Alltagsinstallation.
Woman: Ja gut, ist in Ordnung. (laughs) Dann kann man’s angucken.
(they laugh and say goodbye)

Links
https://www.instagram.com/reel/DUdMrLLDFJD/?igsh=ZHE3bWZmZmJqbmdp
https://www.instagram.com/reel/DUoFC48DBPT/?igsh=MW93eXdwNHViZ3oxdw==
https://www.instagram.com/paulusgoerden?igsh=eTl5d2Z0b3dmOGY=

AI Disclaimer
This blog post was written with the assistance of AI.

Im weiteren Verlauf meiner Recherche bin ich auf einen Artikel bei Design Made in Germany gestoßen, der sich ebenfalls mit Wut als gestalterischem Ausgangspunkt beschäftigt. Die dort vorgestellte Diplomarbeit „Wut – Eine Collage“ nähert sich dem Thema mit einem klaren Anliegen. Trauernde finden Mitleid und Trost in der Gesellschaft und jemanden, der mitlacht, findet man schnell. Doch wer wütend ist, wird oft mit seinem Gefühl allein gelassen. Aus dieser Beobachtung heraus entsteht der Anspruch, Wut nicht als rein negative Emotion zu betrachten, sondern ihre Energie konstruktiv und kreativ nutzbar zu machen.

Dieser Gedanke erinnert mich erneut an das Interview im Podcast Hotel Matze mit Caroline Wahl, in dem sie sagt: „Ich finde Wut und Zorn schöne Emotionen, weil Menschen, die wütend und zornig sind und dann das sagen und laut sind, die sind danach befreit und die sind ehrlich. Die lassen was Ehrliches raus. Deswegen bin ich für Wut.“

Gerade diese Perspektive macht deutlich, dass Wut nicht nur destruktiv gedacht werden muss, sondern auch als ehrliche, klärende Kraft verstanden werden kann. In der Diplomarbeit „Wut – Eine Collage“ scheint ein ähnlicher Gedanke mitzuschwingen. Wut wird nicht beruhigt, sondern ernst genommen. Nicht erklärt, sondern sichtbar gemacht.

Besonders interessant finde ich die bewusste Entscheidung der Gestalterin, sich nicht anzumaßen, Wut pauschal zu erklären oder Schritt-für-Schritt-Anleitungen anzubieten. Stattdessen werden Menschen aus unterschiedlichen gesellschaftlichen und beruflichen Kontexten vorgestellt, die jeweils ihren eigenen Umgang mit Wut gefunden haben. Wut erscheint hier nicht als einheitliches Gefühl, sondern als individuelles, vielschichtiges Phänomen.

Gestalterisch wird diese Haltung konsequent umgesetzt. Die zugrunde liegende Prämisse lautet, dass zwischen Geschmack, der mit Auslese und Geduld einhergeht, und Wut, die impulsiv und erbarmungslos ist, keine Verbindung besteht. Eine klassische, minimalistische Gestaltung wäre demnach unangebracht. Stattdessen wird Irritation bewusst eingesetzt. Gestaltungsregeln werden über Bord geworfen, visuelle Mittel wie Wingdings-Symbole oder alte Stockfotografien greifen Aspekte wie Tunnelblick oder Aggression auf. Auch das physische Trennen von Themen durch ausgerissene Seiten wird als Ausdruck von Wut verstanden.

Diese Arbeit beeindruckt mich, weil sie radikal versucht, Form und Emotion zusammenzuführen. Gleichzeitig wirft sie für mich neue Fragen auf. Ist das bewusste Brechen von Regeln automatisch ein Ausdruck von Wut. Oder entsteht hier eine neue Ästhetik, die zwar auf Wut verweist, sie aber gleichzeitig in ein gestalterisches System überführt.

In meinen bisherigen Researches habe ich mich gefragt, ob Wut gestaltet werden kann, ohne ästhetisiert zu werden. Auch hier bleibt die Spannung bestehen. „Wut – Eine Collage“ entscheidet sich bewusst gegen Minimalismus und für Irritation. Doch Irritation ist ebenfalls ein gestalterisches Mittel. Sie ist geplant, konzipiert, gerahmt. Selbst wenn Regeln gebrochen werden, geschieht dies innerhalb eines bewussten Konzepts.

Das führt mich zurück zu meinem Gedanken aus Thesis Research 08: Aus Wut wird Gestaltung. In der vorgestellten Arbeit wird deutlich, dass Wut nicht nur dargestellt, sondern zum Motor des Entwurfs gemacht wird. Gleichzeitig bleibt Gestaltung ein Eingriff. Sie wählt Mittel, setzt Grenzen und definiert Erscheinungsformen.

Hier wird auch Friedrich von Borries’ Gedanke erneut relevant, dass alles, was gestaltet ist, entwirft und unterwirft. Auch eine Gestaltung, die sich gegen Konventionen richtet, interveniert in die Wahrnehmung. Sie entwirft eine bestimmte Sicht auf Wut und schließt andere aus.

Was ich aus diesem Beispiel mitnehme, ist weniger die konkrete Ästhetik als die Haltung dahinter. Wut wird nicht pathologisiert, sondern ernst genommen. Sie wird nicht beruhigt, sondern als Energie verstanden. Gleichzeitig wird sie nicht vereinnahmt, sondern geöffnet. Der Leser entscheidet selbst, wie er sie erlebt und was er daraus macht.

Vielleicht liegt genau hier ein wichtiger Punkt für meine eigene Arbeit. Wenn ich mich weiter mit Wut beschäftige, dann nicht im Sinne einer festen Form, sondern als offenes System. Nicht als Anleitung, sondern als Angebot. Nicht als Stil, sondern als Prozess.

Thesis Research 09 zeigt mir, dass eine Arbeit zum Thema Wut möglich ist. Gleichzeitig macht sie deutlich, wie sensibel der Umgang mit dieser Emotion sein muss. Zwischen Provokation und Ernsthaftigkeit. Zwischen Irritation und Verantwortung. Zwischen Ausdruck und Gestaltung.

Links:
https://www.designmadeingermany.de/#68012
https://www.youtube.com/watch?v=_zbqX7USL9g
https://res.cloudinary.com/suhrkamp/images/q_auto/v1742120777/38677/weltentwerfen_9783518127346_leseprobe.pdf

(Online Activity – Instagram Research, 1+ hour)

In my previous impulse blogpost (IMPULSE #4) I analysed Paulus Goerden’s Instagram account and described the recurring categories I noticed: documentation, reconstruction, meta-content, personal presence, and event-related posts. While writing that, I realised something: it might be just as interesting to show how I got to those observations.

So for this impulse, I focused on the method. I documented his recent posts in a structured way, using a simple logging system (date, caption, format, and what is shown). The goal was not interpretation, but to create a clear dataset that makes the account analysable beyond personal inspiration.

I started with a raw version (Version 1), writing down everything that caught my attention. Afterwards I translated the same content into a more structured overview (Version 2) with ChatGPT, so patterns like format choices, recurring elements and communication strategies become easier to compare.

Version 1 Raw log (my original note structure)

• 18.01. 4 Rahmen in meiner Garagenecke (Bilder): Verschiedene Bilder von Rahmen in seiner Garage, die unterschiedlich angeordnet sind, mit eingeblendeten Hate-Kommentaren („Alter was du rauchst will ich haben…“) [META]
• 16.01. So viel kann ich dir sagen💫🤍🪄 (Video): Paulus ist im Bild, kuratiert Objekte auf einem Stuhl, dazu Screenshot eines Hate-Kommentars („Such dir ne Arbeit Paulus…“) und sein Text „POV: meine Arbeit“ [META]
• 13.01. 4 Rahmen in meiner Garagenecke (Video): Er erklärt die Rahmen-Serie und spricht über Wahrnehmung („ab wann nehmen wir solch eine Konstruktion überhaupt wahr“) [EI]
• 14.01. Ihr seid ja krass… (Text/DM Post): Er zeigt DMs und eine lange Liste von Titelvorschlägen, die seine Follower*innen für ein Motiv vorgeschlagen haben [META]
• 29.01. Kunstunterricht: Ja (Bild): Screenshot einer Nachricht einer Lehrerin, die seine Alltagsinstallationen im Unterricht verwendet (Schüler*innen gehen raus und suchen selbst) [META]
• 30.12. Was soll das bringen / nichts (Bild): Foto von seinem Notizbuch, in dem er „Was soll das bringen“ mehrfach als Text verarbeitet (Kommentar wird zum Werk) [META]
• 12.02.2026 Lesung? (Video): Er zeigt das Notizbuch und erklärt es im Zusammenhang mit dem Hate-Kommentar „Was soll das bringen?“ [META]
• 12.02.2026 Ein Versuch es einzufangen (Video): Er zeigt seine analoge Mini-Version einer Alltagsinstallation und erklärt die Idee dahinter [MINI]
• 05.02. Der Mut kommt unterwegs (Bild): „Pappe, Acryl, Klebstoff, Bleistift“, Maße 29 x 20 x 10 cm; analoge Interpretation einer Installation vom Görlitzer Bahnhof [MINI]
• 07.02.2026 Zitate aus der Kunstgeschichte auf der Straße 🥰 (Video): Paulus spricht Passant*innen an und fragt, warum sie an der Konstruktion vorbeigehen; Gespräch über „Kunstobjekt“, Umzugskartons, Minimalismus, und ein witziger Kommentar über die Adresse als „Signatur“ [STREET]
• 03.02. Gucken wir uns mal eine Show auf der Fashion Week an (Video): Er beobachtet unscheinbare Momente bei einer Show, beschreibt Schattenfiguren, Kameras, Präsenz und Blickrichtungen [EVENT]
• 02.02. BFW 🪄🩶 Schön wars! (Bilder): Mehrere Fotos von der Berlin Fashion Week [EVENT]
• 01.02. Letzter Tag, Berlin Fashion Week 🤍 (Bild): Recap-Post, shoutouts, Shows, Foto von ihm + Freundin [EVENT]
• 27.01. Atelier 26.01.2026 (Bild): A4 Zeichnung, Buntstift auf Papier [STUDIO]
• 21.01. Kommentar, Pfusch, Toilette verstopft… (Bilder): Carousel mit verschiedenen Fotos (Alltag, Objekte, auch Selfies), dazu Text „Alles wie immer“ [PERS]
• 12.01. Gitter, 2026 (Bild): Metall/Plastik, 50 x 40 cm; Foto eines Metallgitters an der Wand [STUDIO]
• 11.01. In den letzten Tagen habe ich begonnen… (Bild): Er beschreibt, dass er Situationen festhält und wieder an den Ort projiziert, an dem sie entstanden sind (Konfrontation mit dem eigenen Abbild) [STUDIO]
• 03.01. 💫💫 (Bild): Foto von ihm und einer Freundin [PERS]
• 28.12. Schmunzelnd durch die Ausstellung… Feldmann (Video): Paulus geht durch eine Ausstellung und kommentiert Beobachtungen [EVENT]
• 09.02.2026 Zeit (Bild): Foto eines gemalten Bildes plus eingeblendeter Hate-Kommentar („Hab gestern eine Bierflasche auf meinen Toaster gestellt… verkaufe es für 20.000€“) [META]

Version 2 — Structured table (same content, clearer overview)

Codes (for category):
EI = Everyday Installation / found moment
MINI = miniature / analogue reconstruction
STREET = street interview / public reaction
META = hate comments / discourse / DMs
EVENT = fashion week / museum / external event
STUDIO = atelier / personal production
PERS = personal / selfie / friend post

Date	Caption	Format	Code	Comment screenshot	Talks/voiceover	What is shown (short)
12.02.2026	Lesung?	Video	META	Yes	Yes	Notebook shown + explanation connected to hate comment “Was soll das bringen?”
12.02.2026	Ein Versuch es einzufangen	Video	MINI	No	Yes	Analogue miniature reconstruction shown and explained
09.02.2026	Zeit	Image	META	Yes	No	Painting + hate comment overlay (toaster/bottle joke)
07.02.2026	Zitate aus der Kunstgeschichte auf der Straße 🥰	Video	STREET	No	Yes	Street interview about why the installation is ignored
05.02.2026	Der Mut kommt unterwegs	Image	MINI	No	No	Analogue object with materials + dimensions
03.02.2026	Gucken wir uns mal eine Show auf der Fashion Week an	Video	EVENT	No	Yes	Observes unnoticed moments at Fashion Week
02.02.2026	BFW 🪄🩶Schön wars!	Images	EVENT	No	No	Multiple Fashion Week photos
01.02.2026	Letzter Tag, Berlin Fashion Week 🤍	Image	EVENT	No	No	Fashion Week recap + shoutouts
29.01.2026	Kunstunterricht: Ja	Image	META	No	No	Screenshot of DM from teacher using his content in class
27.01.2026	Atelier 26.01.2026	Image	STUDIO	No	No	Drawing documentation (A4, colored pencil)
21.01.2026	Kommentar, Pfusch, Toilette verstopft…	Images	PERS	No	No	Mixed carousel: daily life + objects + selfies
18.01.2026	4 Rahmen in meiner Garagenecke	Images	META	Yes	No	Frames arranged differently + hate comment overlay
16.01.2026	So viel kann ich dir sagen💫🤍🪄	Video	META	Yes	Yes	He curates objects, includes hate comment screenshot
14.01.2026	Ihr seid ja krass… (Titelvorschläge)	Text-based post	META	No	No	Followers’ DM title suggestions
13.01.2026	4 Rahmen in meiner Garagenecke	Video	EI	No	Yes	Explains the frame arrangement + perception
12.01.2026	Gitter, 2026	Image	STUDIO	No	No	Artwork documentation: metal/plastic grid + size
11.01.2026	In den letzten Tagen habe ich begonnen…	Image	STUDIO	No	No	Projection back onto the original place
03.01.2026	💫💫	Image	PERS	No	No	Photo with a friend
30.12.2025	Was soll das bringen / nichts	Image	META	No	No	Notebook work repeating hate comment as text
28.12.2025	Schmunzelnd durch die Ausstellung… Feldmann	Video	EVENT	No	Yes	Museum visit + commentary

Quick Observations (without interpretation)

• Recent posts are a mix of video and image, with video used mainly when explanation or interaction is involved.
• Comment screenshots are used frequently as a recurring visual element.
• There is a clear pattern of alternating between:
  • documentation of “works”
  • public reaction
  • personal/event content
• Many posts include titles, dimensions, and materials, which makes found moments look like official artworks.

Impact on my research

This structured log is useful for my thesis because it turns inspiration into something measurable. Instead of only reacting emotionally to Paulus Goerden’s work, I can now identify the communication tools he uses: format choices, framing through language, audience involvement, and the consistent use of context. This helps me develop my own documentation strategy and makes it easier to compare different ways of presenting everyday installations.

Links

https://www.instagram.com/paulusgoerden?igsh=eTl5d2Z0b3dmOGY=
https://www.instagram.com/reel/DUoFC48DBPT/?igsh=MW93eXdwNHViZ3oxdw==
https://www.instagram.com/reel/DUdMrLLDFJD/?igsh=ZHE3bWZmZmJqbmdp

AI Disclaimer
This blog post was written with the assistance of AI.

(Online Activity – Instagram Research, 1+ hour)

For this impulse I did something I’ve been meaning to do for a long time: I stopped casually consuming Paulus Goerden’s content and instead looked at his Instagram account as a system. I have been inspired by him repeatedly throughout the last semesters, but mostly in a quick way, saving a post here, rewatching a reel there and moving on. This time I wanted to understand why it works so well and what exactly he is doing in terms of communication.

Paulus Goerden’s account functions like an ongoing format: a mixture of art practice, observation, performance and public mediation. The topic is often the same (everyday installations, who would have thought :P) but the way he presents them shifts between several repeating categories. This is interesting for my thesis because my research is also about framing: what makes people notice something and what makes something feel like “art” instead of “random objects.” On his account, the frame is constantly changing and he actively uses Instagram as a tool to shape interpretation.

capturing everyday installations

The first major category is the most obvious one: capturing everyday installations. Sometimes this happens through photography, sometimes through video, but the focus is always on moments that already exist in public space. The objects are not created by him. They are found. What makes them his work is the act of noticing, naming, and documenting them. This is directly connected to my own approach, but Paulus’ account shows how far you can push this without turning it into a simple “look what I found” archive.

reconstruction

The second category, which is the one that influenced me the most recently, is reconstruction. In the reel “Ein Versuch es einzufangen,” he shows an analogue miniature version of a found everyday installation and explains it. This approach adds a second layer to documentation: instead of only translating the installation into an image, he translates it into an object. That shift is important, because it makes the act of observing visible. It is not just about capturing a moment. It is about re-building it, re-seeing it, and showing that the installation has structure and intention even if it originally had none. This connects strongly to my own idea of building miniature reconstructions for my exhibition.

meta-content

A third category is what I would describe as meta-content. Paulus frequently includes hate comments, misunderstandings, or audience reactions in his posts. He doesn’t hide the fact that many people think his work is “stupid” or “not art.” Instead, he uses that reaction as material. This is a communication strategy. It shows that his account is not only about presenting finished work, but also about making the discourse around it visible. The hate comments become part of the frame. And that is exactly what my thesis is concerned with: the question of legitimacy, authorship, and context. His posts show that meaning does not only come from the object, but from the conversation around the object.

personal presence

The fourth category is his personal presence. He often appears in his videos, speaks directly or shows behind-the-scenes moments. This makes the account feel less like a distant art project and more like a person building a practice in public. This is relevant because it shows how strongly “the artist” still functions as a framing device. Even though the installations are anonymous and found, Paulus’ presence creates continuity. It makes the audience trust the project. It also makes the topic accessible to people who might not normally engage with contemporary art.

Other

Finally, Paulus also posts content that is not directly connected to everyday installations — for example, his Fashion Week posts. At first glance, these seem unrelated. But they actually reveal something important: his attention is consistent. Even in a highly curated environment like Fashion Week, he searches for small unnoticed moments, shadow figures, awkward compositions, and accidental visual situations. This suggests that his practice is not only about street installations. It is about a way of seeing. And that is exactly what I’m trying to research as well: how perception can be trained and how attention can be redirected toward things that normally remain invisible.

Overall, the most important insight from this impulse is that Paulus Goerden’s Instagram is not just documentation. It is a communication design tool. It uses repetition, format, humor, conflict, and storytelling to guide interpretation. His work proves that the frame does not have to be a museum. The frame can be a feed. And in some ways, Instagram might be an even stronger framing device than a gallery wall, because it creates constant context: captions, comments, reactions, and the rhythm of posting.

For my thesis, this impulse is useful in two ways. First, it gives me inspiration for how to expand my own documentation beyond “just photography.” Second, it shows how important it is to think about the platform and the narrative structure around the work. Even if my final outcome becomes an exhibition or a book, the logic stays the same: framing is never neutral, and meaning is always negotiated.

Links
https://www.instagram.com/reel/DUoFC48DBPT/?igsh=MW93eXdwNHViZ3oxdw==
https://www.instagram.com/p/DUOMXJcDPt0/?igsh=MW1ldGZqa2R2cXc1ag==
https://www.instagram.com/p/DTptXdhDBAA/?igsh=dG84OTVoeHpnNjM0

AI Disclaimer
This blog post was written with the assistance of AI.

(1-hour walk, everyday installations)

For this impulse, I simply walked. One hour. Just my phone, my eyes and an open mind.

If CoSA showed me how exaggerated framing works, and the Schlossberg Museum showed me how subtle framing still guides behaviour, then this walk through Graz showed me to be present.

The Walk (Duration: 1 hour and 15 minutes)

I started on Mariahilferstraße, wandered across the Murinsel, continued toward Lendplatz, went into side streets, crossed Annenstraße and slowly moved toward Grieskai. 

It’s strange: when you intentionally look for accidental meaning, the world starts to reveal tiny compositions everywhere. Some poetic, some funny, some tragic, some boring, some confusing.

Here are a few moments I captured:

1) The Fallen Cone

Near Lendplatz a single orange traffic cone lay sideways, slightly dented. It looked almost theatrical.

If this were in a museum, it would be part of an installation about urban chaos.
Outside, it’s just a cone.

But what changed?
Only the frame.

This made me think: maybe objects communicate consistently, it’s just our interpretive mode that switches.

2) The Empty Coffee Cup on a Windowsill

Not a trash bin. Not a table. A windowsill.
Someone had placed it there deliberately or absentmindedly.

And suddenly it became a story.

• Was someone waiting for a friend?
• Did they forget it?
• Did they mark the spot like some urban ritual?

The funniest part: if I placed a cup there myself, it would be “an intervention.”
But because someone else did it accidentally, it becomes “everyday installation.”

The line between art and non-art grows thinner the more I walk.

3) The Three Cigarette Butts Forming a Triangle

This one wasn’t poetic but a bit bizarre.
Three cigarette butts arranged almost perfectly into a triangle like some secret smoker geometry.

I didn’t touch anything. I didn’t rearrange them. But the order was uncanny.

Is it art?
Is it coincidence?
Does it matter?

Maybe communication happens the moment the viewer cares enough to interpret.

What This Walk Taught Me About My Thesis

My question “What does it take for art to communicate without a frame?” felt different after this walk.
More layered.
More complicated.
But in a good way.

Here’s what I realized:

1. The frame isn’t always physical — sometimes it’s mental.

If I walk with the mindset of “I’m looking for art,” the world becomes an exhibition.

If I walk without that mindset, everything becomes background noise.

Which means:
Maybe art communicates without a frame only when the viewer is aware enough to see it.

2. Everyday installations rely on the viewer, not the maker.

In museums, meaning is served to you.
On the street, meaning must be harvested.

That difference is huge.

Street installations don’t explain themselves.
They don’t try.
They don’t guide you.
They don’t ask to be understood.

Meaning only appears when someone stops, looks, interprets.

3. Art without a frame might require more effort

A frame protects.
A frame contextualizes.
A frame tells you:
“Look here, this matters.”

Without that, all you have is noise unless you tune yourself to see the signal.

Walking through Graz felt like tuning myself.

And maybe that’s the heart of my MA:
To understand not only how art communicates without a frame, but how people learn to see without being told to.

Why This Walk was important

This walk felt like practicing perception.

And perception might be the key to answering my thesis question.
If I want to understand how to communicate without a frame, I need to understand the conditions that make a viewer receptive.

This walk was the first step in that direction.

Links
https://www.graz.at
https://www.murinsel.at
https://www.graztourismus.at

AI Disclaimer

This blog post was written with the assistance of AI.

Nach meinen Überlegungen zur Wut als möglichem Thema meiner Masterarbeit merke ich, dass sich mein Fokus weiter verschiebt. Der Gedanke, Wut als Ausgangspunkt zu wählen, bleibt interessant. Gleichzeitig taucht immer wieder die Frage auf, welche Rolle Gestaltung dabei eigentlich einnimmt. Soll sie verstärken. Übersetzen. Strukturieren. Oder zurücktreten.

Beim Lesen des Artikels „Typografie: die Macht von ausgezeichneten Lettern“ auf red-dot.org wurde mir noch einmal deutlich, wie stark Typografie traditionell als vermittelndes Werkzeug verstanden wird. Dort wird betont, dass Schrift nicht nur Information transportiert, sondern Wahrnehmung unterbewusst beeinflusst. Gleichzeitig formuliert Akira Kobayashi sehr klar: „Das ultimative Ziel von Typedesign ist ganz simpel: zu helfen, den Lesern eine Botschaft zu vermitteln.“ Und weiter heißt es, Schrift könne ausdrucksstark sein, solle aber nicht vom Inhalt ablenken.

Auch Kurt Weidemanns Satz wird zitiert: „Gute Typografie erklärt den Inhalt. Nicht den Gestalter.“

Diese Aussagen sind nachvollziehbar. Typografie als Dienstleistung für den Inhalt. Als präzises, funktionales Werkzeug. Als Vermittlerin. Gerade im öffentlichen Raum, bei Leitsystemen oder Markenidentitäten, regelt und kontrolliert sie soziale Aktivitäten. Sie strukturiert Orientierung. Sie hilft beim Verstehen. Sie hilft beim Handeln.

Wenn ich diese Perspektive neben meine Überlegungen zur Wut stelle, entsteht eine Spannung. In Thesis Research 06 habe ich mich gefragt, wie Schrift laut sein darf, drängend, unruhig, vielleicht sogar fragmentiert. Doch wenn Typografie in erster Linie vermitteln soll, wenn sie nicht vom Inhalt ablenken soll, wo bleibt dann Raum für Emotion als eigenständige Kraft.

An dieser Stelle ist mir der Titel einer Ausstellung begegnet: „Aus Wut wird Gestaltung“. Dieser Satz beschäftigt mich besonders, weil er den Fokus verschiebt. Nicht wütende Gestaltung, sondern Gestaltung, die aus Wut entsteht. In der Beschreibung zur Ausstellung wird erläutert, wie der Erste Weltkrieg und seine traumatischen Auswirkungen das Sehen der Künstler veränderten. In den frühen Jahren der Weimarer Republik kam es zu einem künstlerischen Aufbegehren jener Generation, die den Krieg überlebt hatte. Es entstanden experimentelle Bilder, losgelöst von bisherigen Konventionen, eine bewusste Provokation des Publikums.

In den Jahren 1919 und 1920 zeigte der Mannheimer Kunstverein Ausstellungen der Gruppe „Rih“ aus Karlsruhe sowie der Berliner „Novembergruppe“. Über 240 Arbeiten ließen das Publikum die expressionistische Wucht der vom Krieg traumatisierten Künstler spüren. Zwei Ausstellungen auf dem Weg vom Expressionismus zur Neuen Sachlichkeit, beschrieben als Situationsbericht aus der Perspektive des Mannheimer Kunstvereins in einem Vortrag von Dr. Friedrich W. Kasten und Dr. Martin Stather.

Hier wird deutlich, dass Gestaltung nicht aus einem ästhetischen Spieltrieb entstand, sondern aus einer existenziellen Erfahrung. Aus Erschütterung. Aus Trauma. Möglicherweise auch aus Wut. Die Form war Konsequenz, nicht Dekoration. Aus einem inneren Zustand wurde Gestaltung.

Dieser Gedanke verbindet sich mit Friedrich von Borries’ Verständnis von Design als Intervention. „Alles, was gestaltet ist, entwirft und unterwirft“ (vgl. von Borries, Weltentwerfen. Eine politische Designtheorie, S. 9f.). Gestaltung ist nie neutral. Sie greift ein und positioniert sich zur bestehenden Ordnung (vgl. ebd., S. 30). Wenn aus Wut Gestaltung wird, dann ist diese Gestaltung nicht bloß Ausdruck, sondern Eingriff. Sie widerspricht. Sie bricht mit Gewohntem. Sie entwirft eine andere Sicht auf die Welt.

Vielleicht liegt mein Thema deshalb weniger in der Frage, wie Wut formal aussieht, sondern darin, wann aus einer inneren Haltung Gestaltung wird. Wann Emotion zur gestalterischen Notwendigkeit wird. Und wann Gestaltung lediglich Oberfläche bleibt.

Auch der Gedanke aus „Was man von hier aus sehen kann“ von Mariana Leky begleitet mich weiterhin. Jede Gestaltung entsteht aus einem bestimmten Hier. Wut ist perspektivisch. Sie ist gebunden an Erfahrung. Vielleicht geht es weniger darum, Wut darzustellen, als vielmehr darum, sichtbar zu machen, aus welcher Position heraus Gestaltung entsteht.

Im Moment formt sich mein Thema nicht als eindeutige Entscheidung, sondern als Spannungsfeld. Zwischen Emotion und Struktur. Zwischen Vermittlung und Intervention. Zwischen funktionaler Typografie und einer Gestaltung, die aus einer Haltung heraus entsteht.

Vielleicht ist genau dieses Dazwischen mein eigentlicher Forschungsraum.

Links:
https://www.red-dot.org/de/magazine/typografie-die-macht-von-ausgezeichneten-lettern
https://res.cloudinary.com/suhrkamp/images/q_auto/v1742120777/38677/weltentwerfen_9783518127346_leseprobe.pdf
https://www.kuma.art/de/node/12985

Im letzten Research ist der Gedanke aufgekommen, Wut als möglichen Ausgangspunkt meiner Masterarbeit zu denken. Es war zunächst eine Idee, die mich intuitiv angesprochen hat. Gerade deshalb möchte ich sie weiterdenken und kritisch prüfen.

Eine der zentralen Fragen, die sich mir stellt, ist, wie man Wut überhaupt übersetzen kann. Und vielleicht noch grundlegender, ob man das sollte.

Wenn ich an wütende Typografie denke, entstehen sofort Bilder im Kopf. Verzerrte Buchstaben, gebrochene Formen, starke Kontraste, Unruhe im Satzbild. Doch genau hier beginnt mein Unbehagen. Ist das nicht eine ästhetische Verkürzung. Eine visuelle Zuschreibung. Eine Entscheidung darüber, wie Wut auszusehen hat.

In Thesis Research 06 habe ich formuliert, dass mich interessiert, wie Gestaltung Wut „nicht illustriert, sondern erfahrbar macht“. Aber was bedeutet das konkret. Sobald ich beginne, eine wütende Schrift zu gestalten, greife ich ein. Ich definiere. Ich lege fest. Ich übersetze eine Emotion in eine Formensprache. Und genau hier wird der Gedanke aus Weltentwerfen. Eine politische Designtheorie von Friedrich von Borries relevant.

Von Borries schreibt: „Alles, was gestaltet ist, entwirft und unterwirft“ (vgl. von Borries, Weltentwerfen, S. 9f.). Und weiter: „Design ist politisch, weil es in die Welt interveniert“ (vgl. ebd., S. 30). Wenn ich also Wut gestalte, entwerfe ich nicht nur eine Form, sondern ich interveniere. Ich greife in die Wahrnehmung dieser Emotion ein. Ich bestimme, wie sie sichtbar wird. Und damit bewege ich mich im Spannungsfeld zwischen entwerfendem und unterwerfendem Design, das von Borries beschreibt (vgl. ebd., S. 36).

Die Frage ist also, ob eine wütende Typografie ein entwerfender Akt ist, der Wut Raum gibt, oder ein unterwerfender Akt, der sie in eine ästhetische Kategorie zwingt.

In diesem Zusammenhang ist mir das Buch „Was man von hier aus sehen kann“ von Mariana Leky begegnet. Schon der Titel beschäftigt mich. „Was man von hier aus sehen kann“ verweist auf Perspektive. Man sieht nie alles. Man sieht nur das, was vom eigenen Standpunkt aus sichtbar ist.

Übertrage ich diesen Gedanken auf Wut, wird klar, dass auch Wut perspektivisch ist. Sie entsteht aus einem bestimmten Hier. Aus einer individuellen Erfahrung, einer Verletzung, einer Grenzüberschreitung. Wenn ich Wut gestalte, gestalte ich immer nur das, was ich von hier aus sehen kann. Meine Wut. Oder eine bestimmte, ausgewählte Wut.

Das relativiert den Anspruch, Wut darzustellen. Vielleicht geht es weniger darum zu zeigen, wie Wut aussieht, sondern darum sichtbar zu machen, von wo aus sie entsteht.

Auf dem Buchrücken von „Was man von hier aus sehen kann“ steht der Satz „von der unbedingten Anwesenheitspflicht im eigenen Leben.“ Dieser Gedanke lässt sich weiterführen. Vielleicht kann man auch von einer unbedingten Anwesenheitspflicht der Wut sprechen.

Wut verschwindet nicht, nur weil man sie nicht gestaltet. Sie ist da. Sie wirkt. Sie interveniert. Und wenn Design, wie von Borries schreibt, immer in die Welt interveniert (vgl. von Borries, Weltentwerfen, S. 30), dann stellt sich die Frage, ob Gestaltung Wut beruhigt oder ob sie ihre Anwesenheit ernst nimmt.

Von Borries fordert eine politische Haltung des Designs (vgl. ebd., S. 30). Eine solche Haltung könnte im Kontext von Wut bedeuten, nicht vorschnell eine Form zu definieren, sondern zunächst anzuerkennen, dass diese Emotion anwesend ist und aus einer bestimmten Perspektive spricht.

Im Moment verschiebt sich mein Thema weiter. Weg von der Frage, wie wütende Gestaltung aussieht, hin zu der Frage, wie Gestaltung mit einer anwesenden, perspektivischen Emotion umgehen kann, ohne sie zu unterwerfen. Vielleicht liegt genau in diesem Spannungsfeld zwischen Eingriff und Offenlassen, zwischen Entwerfen und Unterwerfen, der eigentliche Kern meiner Auseinandersetzung.

Links:
https://www.book2look.de/book/9783832198398&refererpath=www.dumont-buchverlag.de
https://www.youtube.com/watch?v=_zbqX7USL9g
https://res.cloudinary.com/suhrkamp/images/q_auto/v1742120777/38677/weltentwerfen_9783518127346_leseprobe.pdf

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