Für all jene, die nicht Roman sind und sich fragen warum es einen elften Blogpost gibt:
Bei unserer Media-Exkursion im Herbst zur Pixel Vienna 2024 hab ich leider den abschließenden Panel-Talk am Sonntag verpasst und kompensieren diesen damit, mir die 2023 Version davon auf YouTube anzusehen. Was ich zuerst als nervige Aufgabe empfunden habe empfinde ich jetzt, eine Stunde später, aber als unglaublich interessant und bereichernd, also DANKE ROMAN! (Ernst!)
Worum geht es: Diversity and Representation in Animation and Character Design Challenge Awards (PIXELvienna 2023)

Ich habe mir einige Notizen gemacht und versuche den Post hier anschließend zusammenzufassen und die wichtigsten Erkenntnisse in eine Liste zu bringen.

Die Welt der Animation ist bunt, kreativ und voller Möglichkeiten. Doch wie schafft man es, Geschichten zu erzählen, die nicht nur unterhaltsam sind, sondern auch die Vielfalt unserer Gesellschaft widerspiegeln? Beim Paneltalk der PIXELvienna 2023 diskutierten Expert:innen aus der Animations- und Spielebranche (Amelie Loy, Tova Bele, Yassmine Najime, Anne Raffin) über Diversität, Repräsentation und die Herausforderungen, die damit einhergehen. Schwerpunkt der Gespräche war Storytelling und Charakterdesign.

Zu Beginn des Talks leiten die Expertinnen das Thema damit ein, über Charaktere zu sprechen die sie in der Vergangenheit geprägt haben, denn animierte Charaktere haben einen enormen Einfluss auf uns – sei es in der Kindheit oder im Erwachsenenalter. Charakter (ob Animation oder Realfilm) prägen unsere Vorstellungen von Held:innen, Vorbildern und sogar von uns selbst, aber leider sind diese oft von Stereotypen geprägt. Ein Beispiel, das in der Diskussion genannt wurde, ist Mulan: Während sie als starke, unabhängige Figur gefeiert wird, gibt es auch kritische Aspekte, wie die Darstellung der „bösen“ Schurken, mit dunklerer Hautfarbe, die rassistische Klischees bedient.

Die Frage mit der sich die Personen in den Gesprächen also beschäftigen ist: Wie können wir Charaktere gestalten, die vielfältig und authentisch sind, ohne in Stereotypen zurückzufallen?

Tipps für gutes Charakterdesign ohne Stereotype

1. Umgebe dich mit jenen Menschen, deren Geschichten du erzählst!
   Wenn du über bestimmte Gruppen oder Identitäten schreibst ist es wichtig, sich mit eben diesen Menschen zu umgeben, die diese Erfahrungen teilen. Yassmine Najime erwähnte, dass selbst die besten Absichten fehlschlagen können, wenn man nicht die Perspektiven der Betroffenen einbezieht.
   Beispielsweise wurde bei der Entwicklung eines Spiels über einen Rollstuhlfahrer ein:e Rollstuhlbasketballspieler:in konsultiert, um sicherzustellen, dass die Darstellung authentisch ist, wie Tina Bele erzählt.

1. Inspiration aus der realen Welt holen
   Im Talk wird betont, dass die reale Welt voller Vielfalt ist und dadurch wohl der Beste Ort ist, um sich Inspiration und das richtige Gefühl für Diversität im Charakterdesign zu verschaffen. Die Message lautet: Geh raus, beobachte Menschen in der Stadt, zeichne live und lass dich von der Vielfalt an Körpern, Kleidungsstilen und Bewegungen inspirieren. 

1. Komplexe Charaktere
   Jeder Mensch ist komplex – gut und schlecht, stark und verletzlich. Diese Komplexität sollte sich auch in den Charakteren widerspiegeln. Es wird langweilig, wenn Charaktere nur „gut“ oder „böse“ sind. Figuren sollen mehrdimensional sein und sich nicht einfach in Schubladen gesteckt werden. AUCH WICHTIG: Nicht jeder Charakter in deinem Film muss alle diese Schichten immer zeigen und erklärt bekommen, sonst kommt der Film wahrscheinlich nie an ein Ende.
   
2. ES MACHT EINEN UNTERSCHIED: Diversität am Arbeitsplatz:
   Diversität spielt nicht nur in den Geschichten, sondern auch in den Kreativ-Teams eine Rolle. Tova Bele erzählt beispielsweise aus ihrem Studio: Als mehr Frauen eingestellt wurden, verbesserte sich die Feedback-Kultur und die Arbeitsatmosphäre insgesamt.
   Was ich persönlich auch Interessant fand war der Einwand zu Portfolios:
   Durch die Einführung von anonymen Portfolios – bei denen Bewerber:innen ihre Arbeiten ohne Namen oder Bilder einreichen – konnte man auch Frauen und nicht-binären Menschen erreiche, die sonst von den ihnen anerzogenen Normen eingeschränkt wurden. Frauen schränken sich durch diese gesellschaftlichen Normen nämlich selbst viel mehr ein, trauen sich weniger und haben das Gefühl sich andauernd beweisen zu müssen und nie gut genug zu sein.

Spannende Ansätze im Storytelling

1. Erzähle eine Geschichte, bevor du Diversität einbaust
   Es ist wichtig, dass Diversität nicht erzwungen wirkt, ansonsten hat man jenes Phänomen dass viele bei Netflix derzeit bemängeln. Anne Raffin erklärte, dass man beispielsweise zuerst eine starke Geschichte braucht und erst dann Aspekte der Diversität einfließen lassen kann, ohne den Fokus zu verlieren. Eine Figur kann beispielsweise trans sein, ohne dass dies der zentrale Konflikt der Geschichte ist – So normalisiert man eben jene Personen und macht ihre Kämpfe nicht immer zur gesamten Persönlichkeit.
   
2. Wechsle die Geschlechter deiner Charaktere
   Ein cleverer Tipp aus der Diskussion ist es auch, nachdem man die Geschichte geschrieben hat die Geschlechter der Charaktere auszutauschen, denn dadurch werden oft unbewusste Stereotype sichtbar, die mann dann korrigieren kann.
   
3. Reduziere Charaktere nicht immer auf ihre Kämpfe
   Es ist leicht, Charaktere auf ihre Identität oder ihre Herausforderungen zu reduzieren – aber eine echte Repräsentation bedeutet, sie als vielschichtige Persönlichkeiten zu zeigen. 
   Wie kann man das also „unauffällig mitgeben“? Durch Visual Storytelling in form von Kleidung, Licht und Umgebung kann man viel über die Hintergründe und Systeme, in denen sich die Charaktere befinden, vermitteln ohne diese explizit zu thematisieren.

Und auch bei den Besten: Fehler passieren – und das ist okay

Selbst mit den allerbesten Absichten können Fehler passieren. Ein Beispiel aus der Serie Sex Education: Trotz sehr vielen Bemühungen um verschiedenste Identitäten zu integrieren gab es bei der Darstellung einer asexuellen Figur viel Kritik aus der Community.
Die Sprecher:innen betonten aber, dass es wichtig ist, aus Fehlern zu lernen und nicht den Willen zu verlieren, sich zu verbessern. Eine spannende Anmerkung war es auch, dass wir es gesellschaftlich erst dann geschafft haben, wenn eine asexuelle Figur, oder eine andere derzeit unterrepräsentierte Identität im Film auch mal unsympathisch sein kann, ohne dass dies auf alle asexuellen Menschen übertragen wird.

Kurz: Tipps für Diversität und Repräsentation in der Animation

1. Inspiriere dich von der Umwelt – Beobachte Menschen und ihre Vielfalt.
2. Beziehe die thematisierte Community ein 
3. Schaffe komplexe Charaktere, die nicht nur „gut“ oder „böse“ sind.
4. Vielfalt im Team führt zu besseren Geschichten.
5. Erzähle zuerst eine starke Geschichte – Diversität sollte meistens natürlich in die Handlung integriert sein.
6. Tausche die Geschlechter deiner Charaktere im Story-Prozess mal aus, denn so findest du unbewusste Stereotype.
7. Reduziere Charaktere nicht auf ihre Identität – Zeige sie als vielschichtige Persönlichkeiten.
8. Lerne aus Fehlern – Perfektion ist nicht das Ziel, aber kontinuierliche Verbesserung.
9. Nutze Visual Storytelling – Zeige die Hintergründe deiner Charaktere durch Details, ohne es explizit zu sagen.

Diversität und ihre Repräsentation in Film und Animation sind keine neuen Themen, aber sie sind essenziell, um Geschichten zu erzählen, die unsere Welt widerspiegeln! Die Diskussion zeigt, dass es dabei nicht um Perfektion geht, sondern um die Bereitschaft, zuzuhören, zu lernen und sich weiter zu entwickeln!

Ist es nun endlich soweit? Nach neun intensiven Blogposts, in denen ich mich – oder wir uns – mit den verschiedensten Aspekten der Animation beschäftigt haben – von den ersten, wichtigen Grundlagen wie Gestaltungs- und Animationsprinzipien, über Sounddesign, Morphing, Timing, Rhythmus bis hin zu Mikrobewegungen und visueller Überladung – ist es nun an der Zeit, all das zusammenzuführen. 

Die zentrale Frage, die uns in diesem abschließendem Post jetzt beschäftigt ist nämlich: Was ist dieses „gewisse Etwas“, von dem alle zu sprechen scheinen? Was lässt eine Animation gut und eine Bewegung perfekt und natürlich aussehen?

Nun ist diese Frage natürlich nicht einfach zu beantworten – sonst wäre der Blog wohl nur halb so lang – denn die Anwort berührt viele, vielleicht sogar alle, eben dieser Themen, die wir bereits behandelt haben. Aber versuchen wir mit einem zusammenfassenden Blick auf all diese Erkenntnisse, die Essenz herauszukristallisieren um der Antwort zumindest ein kleines bisschen näher zu kommen

1. Das Fundament muss passen: Die Animationsprinzipien, auch wenn wir’s nicht mehr hören können.

Zum wohl siebzigsten mal in dieser Blogposts muss ich die Animationsprinzipien erwähnen, denn man kommt nicht darum herum zu sagen, dass die 12 Animationsprinzipien von Frank Thomas und Ollie Johnston das Herzstück fast jeder gelungenen Animation sind – ob bewusst oder unbewusst (meistens bewusst, wenn’s wirklich gut ist!)
Sie sind bestimmt ein Teil von eben diesem „gewisse Etwas“, das wir suchen, denn es ist zumindest das, was einer Figur oder einem Objekt Leben einhaucht.
Ob „Squash and Stretch, „Anticipation“, „Follow Through“, „Timing“ und „Exaggeration“, das sind jene Dinge die Bewegungen nicht nur realistisch, sondern auch ausdrucksstark und emotional wirken lassen. Das zählt für Character-Animation, aber auch Motion Graphics!

Um das ganze mit einem Beispiel in unseren Köpfen zu festigen:
Wenn eine Figur springt, ist es nicht nur die auf und ab Bewegung selbst, die den Sprung glaubwürdig macht, sondern auch die Vorbereitung (Anticipation), das Strecken und Verzerren während des Sprungs (Squash and Stretch + Motion Blur?) und das Mitbewegen der Haare oder Kleidung (Follow Through).
Die Prinzipien sind also das Rückgrat in der Animation und lassen Bewegungen richtig aussehen.

2. Timing, Rhythmus und das Sounddesign

Timing ist alles. – zählt wohl nicht nur im wahren Leben, sondern auch in der Umsetzung deiner Animation. Timing bestimmt, wie schnell oder langsam eine Bewegung abläuft, und beeinflusst damit direkt, wie natürlich sie für Betrachter:innen wirkt. 

„Ease In und Ease Out“ ist da wohl ein guter Ansatzpunkt, denn Bewegungen beginnen meist langsam, beschleunigen und verlangsamen sich wieder, genau wie in der realen Welt. 

Im Beispiel: Ein Ball, der auf den Boden fällt, benötigt Zeit, um zu beschleunigen und wieder abzubremsen. Ohne diese subtilen Timing-Anpassungen wirkt die Bewegung mechanisch und unnatürlich. Das heißt aber nicht „Easy Ease“ auf alle Keyframes in Aftereffects zu kopieren – wobei es oft besser ist als nichts – vielmehr soll man sich den Speed Graph etwas genauer anschauen, denn die Kurven können den Look und Adas Gefühl maßgeblich beeinflussen.

Rhythmus spielt in deinen Videos ebenfalls eine große Rolle, besonders in Verbindung mit der Musik und deinem Sounddesign. Jene Bewegungen, die synchron zur Musik oder zu Soundeffekten verlaufen, wirken harmonisch und fließend.

Das Sounddesign ist wohl die unsichtbare Kraft hinter der Bewegung und unsere unterschätzte Heldin in einer gelungenen Animation. Damit bekommen die Bewegung Tiefe, Sinn und Realismus. Das bezieht sich auf Dinge wie ein Schritt, der ohne passenden Sound hohl wirkt, oder einen Schlag ohne Impact-Geräsch, der kraftlos wirkt, aber auch auf den „Swoosh“ sound oder das Bounce Geräusch von Typo. Soundeffekte und Musik sorgen dafür, dass die animierten Bewegung nicht nur visuell, sondern auch auditiv wahrgenommen und unterstrichen werden! (Schau dir als beispiel deine Lieblingsanimation ohne die beatlastige Musik im Hintergrund an – schon bisschen komisch, und plötzlich achtet man ganz anders auf die Bewegungen als davor!)

3. Mikrobewegungen

Kleine, subtile Bewegungen sind oft ein wichtiger Schritt, um eine Animation natürlich wirken zu lassen. Sei es ein leichtes Zucken der Mundwinkel, das Heben einer Augenbraue oder das sanfte Schwingen von Haaren im Wind – die Figur bekommt Persönlichkeit, Authentizität und Echtheit. Diese Details werden zwar oft unbewusst wahrgenommen – außer geschulte Augen wie unsere achten darauf und denken sich „Ach, clever, wie die Nase immer zuckt“ – aber sie machen den Unterschied zwischen einer steifen und einer lebendigen Animation!

Also: Wenn eine Figur spricht, bewegt sich nicht nur der Mund, sondern auch die Wangen, die Augenbrauen und manchmal sogar die Nasenflügel.

4. Weniger ist (meistens) mehr: Visuelle Überladung vermeiden:

Ein häufiger Fehler in der Animation ist die Überladung mit zu vielen visuellen Elementen oder Bewegungen, denn hat man den dreh erst raus verliert man sich manchmal in den Details!
Over-Animating kann dazu führen, dass die Szene unübersichtlich und anstrengend für die Betrachter:innen werden und wie im Blogposts genauer ausgeführt lehrt uns die Cognitive Load Theory, dass unser Gehirn nur eine begrenzte Menge an Informationen gleichzeitig verarbeiten kann! Wenn eine Animation also zu viele Details oder Bewegungen enthält, die alle wahrgenommen, gelesen und verstanden werden müssen, wird die kognitive Belastung zu hoch, und die Betrachter:innen verlieren den Fokus. Durch die Reduktion auf das Wesentliche wird die Geschichte klarer und die Animation wirkt natürlicher.

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Magdas-„Mach deine Animation besser“-Liste

Was würde ich für mich nun als Punkte zusammenfassen, auf die ich in Zukunft speziell achten werde um dem „gewissen Etwas“ näher zu kommen? Während dem schreiben der Artikel hab ich immer wieder für mich persönlich notiert, worauf ich speziell achten muss und was mir als häufige Fehler in meiner Animation aufgefallen ist. Die Liste ist vielleicht etwas subjektiv, aber der eine oder andere Hinweis ist bestimmt auch für Fellow-Animators interessant.

„Boa das ist noch richtig kacke gerade“ – Häufige Fehlerchen und Tippsssss:

• FEEDBACK EINHOLEN, von Leuten die sich auskennen aber nicht schon 7h das selbe video in Dauerschleife sehen.
  
• Referenzmaterial nutzen: 
  Egal, ob es sich um reale Videos, Fotos oder sogar eigene Aufnahmen handelt – Referenzen helfen dabei die Bewegungen realistischer zu gestalten. Man kann sich selbst filmen um das Timing und die Physik von Bewegungen besser zu verstehen oder sich Beispiele holen um sich am Timing deren zu orientieren.
  
• Bewegungsbögen (Arcs) beachten: Fast alle natürlichen Bewegungen folgen einem Bogen
  
• Sounddesign als integralen Bestandteil sehen: Soundeffekte, Foley und Musik sollten nicht nachträglich hinzugefügt, sondern von Anfang an in den Animationsprozess integriert werden. Gutes Sounddesign verstärkt die Emotionen und die Glaubwürdigkeit der Bewegung
  
• Schlechtes Timing: Easy-Ease is not enough. Schau dir bewusst den Graphen an. Denk BEWUSST drüber nach wie das funktioniert und setz BEWUSST Beschleunigung oder Abbremsen ein. Timing ist entscheidend, um Gewicht, Emotionen und Dynamik zu vermitteln.
  
• Unnatürliche Pausen: Bewegungen, die abrupt enden oder ohne Übergang pausieren, wirken oft unfertig. Wenn Pause, dann richtig und bemerkbar.
  
• Unausgeglichene Komposition: Eine schlechte Bildkomposition kann die Wirkung einer Animation beeinträchtigen. Elemente sollten so angeordnet sein, dass sie den Blick der Betrachter:innen natürlich führen. >> Eye Tracing
  
• Eye-Tracing: Eye-Tracing (die gezielte Lenkung des Blicks der Betrachter:innen ) ist ebenfalls wichtig, um die Aufmerksamkeit auf die richtigen Elemente zu lenken. Schau dir bewusst an, ob der Blick zu wild hin- und her- springt
  
• Negative Räume nutzen: Nicht jede Bewegung muss spektakulär sein. Pausen und Ruhephasen sind genauso wichtig, um Spannung und Dynamik zu erzeugen.
  
• Gewicht und Masse: Oft wird vergessen, dass Objekte und Charaktere Gewicht haben. Ein schwerer Gegenstand sollte sich langsamer bewegen als ein leichter, und die Animation sollte dies widerspiegeln.
  
• Fehlende Details im Hintergrund: Oft konzentriert man sich so sehr auf die Hauptaktion, dass der Hintergrund statisch und langweilig wirkt. Subtile Bewegungen im Hintergrund  können die Szene lebendiger machen. (Aber Achtung, kein Over-Animating)
  
• Überanimation (Over-Animating): Es muss sich nicht immer alles drehen, herumrutschen und sich bewegen. Manchmal reicht es dinge auszufaden. Du kannst einen SCHNITT setzen und zur nächsten Szene wandern, das muss nicht alles morphen und herumfliegen. Chill.
  
• Bewegungen Vergessen:
  Fehlendes Follow-Through und Overlapping Action: Lass die Bewegungen nicht zu abrupt enden und denk nach ob es sekundäre Elemente gibt die natürlich nachschwingen. Mikrobewegungen: Kleine, subtile Bewegungen fehlen oft, was dazu führt, dass Charaktere roboterhaft wirken. Deine Figur muss zb auch ATMEN!
  

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Das „gewisse Etwas“: Die Summe aller Teile

Beim Lesen der Überschrift denken sich wohl einige „ok wow, das ist mir schon klar, aber das ist wirklich keine wirklich hilfreich Aussage“ 

Aber was soll man sagen, letztendlich ist das „gewisse Etwas“, das eine Animation gut und eine Bewegung perfekt aussehen lässt, eben diese Summe aller Elemente, Tipps und Tricks!

 
Es ist die Kombination aus soliden Animationsprinzipien, präzisem Timing, gutem Sounddesign, subtilen Mikrobewegungen, einer klaren visuellen Komposition und all den anderen Dingen, die wir im Blog bearbeitet haben. Wenn all das zusammenwirkt, entsteht eine Animation, die nicht nur technisch korrekt, sondern auch emotional ansprechend und lebendig ist!

Die Kunst der Animation liegt, schön formuliert, darin „die Illusion des Lebens zu schaffen“.
Es geht nicht nur darum, Bewegungen technisch korrekt darzustellen, sondern auch darum, Emotionen zu vermitteln und eine Geschichte zu erzählen. Die Fähigkeit, all diese Elemente – von den grundlegenden Animationsprinzipien bis hin zu den subtilen Details einzusetzen und zu vereinen ist „das gewisse Etwas“ – und da gibt es auch kein konkretes richtig oder falsch. Technische Perfektion allein reicht nicht aus – die Animation muss das Publikum berühren. Das „gewisse Etwas“ ist die Fähigkeit, eine Geschichte zu erzählen, die die Betrachter:innen emotional abholt. Ob es sich um eine subtile Geste, einen intensiven Blick oder eine dramatische Bewegung handelt – es sind die emotionalen Momente, die eine Animation unvergesslich machen.

Am Ende des Tages ist es eine Art von Harmonie, die eine Animation gut und eine Bewegung perfekt und natürlich aussehen lässt (harmonisch nicht im friedlichen Sinn, Harmonie kann auch im chaos sein). Gute Animation ist irgendwie ja doch harte Arbeit, sorgfältige Planung und ein tiefes Verständnis dafür, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen!

[ABER
HEY
Mit all den Informationen und dem Willen zu lernen wird das bestimmt super cool.
YOU ROCK. Learning by doing!]

Tschüss und danke für’s Lesen!

Quellen: 
Thomas, Frank/Johnston, Ollie: *The Illusion of Life: Disney Animation*. New York: Abbeville Press, 1981.

Williams, Richard: The Animator’s Survival Kit. New York: Faber & Faber, 2009.

Dupre, Gwénaëlle: Sound Design in Animation: Definition, Process & Challenges*. CG Wire, 2023.

Yablonski, Jon: Design Principles for Reducing Cognitive Load (2015).

Business of Animation: 6 Ways to Avoid Over-Animating Scenes.

Hooks, Ed: Acting for Animators.

Adobe: Die 12 Prinzipien der Animation. Adobe/Animation/Discover, o.D.

Sokolov, Paul: Wie Timing und Pacing den Rhythmus der Montage im professionellen Filmschnitt bestimmen. Filmpuls.info, 2024.

Verzerrungen? Warum wie was?

Ein häufiges Problem bei Animationen – vor allem in der Charakter-Animation – ist es, dass Bewegungen nicht flüssig genug erscheinen. Woran liegt das? Bei der Analyse von Live-Action-Filmen fällt einem dann vielleicht auf, dass es bei schnellen Kopfbewegungen zu einem “Unschärfe-Effekt” kommen kann – sogenanntem Motion Blur. (Vgl. Deja 2018)

In der traditionellen Animation von beispielsweise Disney – die meist mit scharfen Konturen und flächigen Farben arbeiten – würden die Animationen ohne Verzerrungen steif wirken, weshalb, wie im Bild oben (aus einer Szene mit Grumpy, die von Bill Tytla animiert wurde) die grenzen der Verzerrung ausgetestet wurden um die Bewegungen fließend erscheinen zu lassen. Wichtig ist dass diese Verzerrungen nicht von den Zuschauer:innen als solche wahrgenommen werden, weshalb sie nur einen einzelnen Frame lang sein dürfen.Wäre die Verzerrung für zwei Frames sichtbar, würde die Illusion zerstört werden. (Vgl. Deja 2018)

Bewegungsverzerrung (Motion Blur)

Manch eine:r kennz den Motion-Blur Button in Aftereffects oder Premiere. Motion Blur, zu deutsch Bewegungsunschärfe, ist ein visuelles Phänomen, dass dann aufkommt, wenn sich Objekte schneller bewegen, als das Auge oder die Kamera erfassen kann – also wenn sich ein Objekt während der Belichtungszeit bewegt. In der Animation – welche aus statischen Bildern besteht – fehlt diese natürliche Unschärfe, wenn man sie nicht bewusst künstlich hinzufügt, um die Realität zu simulieren. (Vgl. Autodesk o.D.)
Mit moderne Hard- und Software ware ist es möglich, „per-Pixel- oder per-Objekt-Unschärfe“ auf einzelne Elemente anzuwenden. Die Entwicklung im Bereich KI könnte diesen Prozess weiter automatisieren. (Vgl. Autodesk o.D.)

Vorteile der Bewegungsunschärfe

1. Realitätsnähe: Motion Blur passt deine animierte Szenen besser an die natürliche Wahrnehmung des Menschen an.(Vgl. Autodesk o.D.)
2. Vermeidung von Ruckeln: Ohne Unschärfe wie dem Motion Blur wirken Übergänge zwischen Frames abrupt und unnatürlich – so wird die Animation flüssiger (Vgl. Autodesk o.D.)
3. Fokussierung: Unschärfe wird gezielt genutzt, um die Aufmerksamkeit auf bestimmte Stellen zu lenken und andere abzudecken oder davon abzulenken. (Vgl. Autodesk o.D.)

Animationsprinzipien:

Ein paar Arten der Verzerrung haben wir in diesen Blogbeiträgen schon kennengelernt, nämlich im Rahmen der Animationsprinzipien!
Kurz zur Wiederholung – und im Sinne der vollständigen – jene Prinzipien in denen Verzerrung am deutlichsten angewendet wird:
– Squash and Stretch: Hier werden Bewegungen durch Dehnen und Strecken dargestellt, um Gewicht und Flexibilität darzustellen – z.B. ein Charakter springt, wird beim Aufprall zusammengedrückt und dann gedehnt. (Vgl Adobe o.D.)

– Exaggeration: Die Übertreibung verstärkt die Bewegungen über das Realistische hinaus und erzeugt humorvolle oder dramatische Effekte – z.B. ein extrem dehnbarer Arm bei einem schnellen Schlag. (Vgl Adobe o.D.) Auch bei Bewegungen und Verzerrungen wie oben besprochen gilt ein bisschen Übertreibung als wichtig, um die Bewegungsunschärfe zu ersetzen.

– Arcs (Bögen): Laut den Animationsprinzipien folgen viele unserer Bewegungen unsichtbaren Bögen – im Sinne von Bewegung darf man diese zur Verzerrung nutzen und sogar brechen, um den Effekt zu unterstreichen. (Vgl Adobe o.D.)

Im Zuge der Übertreibung möchte ich noch einmal näher auf physikalisch unmögliche Bewegungen eingehen
In der Animation werden oft Bewegungen gezeigt, die physikalisch nicht möglich sind. Diese „unmöglichen“ Bewegungen sind in der Regel übertrieben oder verzerrt, um eine emotionale oder visuelle Wirkung zu erzielen. Es wird genutzt um durch die übertriebene Darstellung Humor und Dramatik zu erzeugen.Hier lässt sich die Begründung beispielsweise wieder im Animationsprinzip der Übertreibung finden. (Vgl Adobe o.D.)

Betrachtet man Disney Animationen fällt diese Übertreibung auch auf, indem die Figuren sich offensichtlich unnatürlich bewege und auffällige Bewegungen vollziehen. Diese Bewegungen brechen bewusst die Physik um den Eindruck von Energie und Dynamik zu vermitteln. (Vgl. Adobe o.D.)

Eine „alte“ oder auch alternative Form des Motion Blurs sind Smear Frames:
Smear Frames

Smear Frames sind ein Stilmittel, um schnelle und dynamische Bewegungen in der Animationen darzustellen. Ein Smear Frame ist ein einzelner Frame, der Bewegung durch eine Übertreibung oder Verzerrung eines Elements unterstreicht. Die Beispiele zeigen wie sich ein Charakter innerhalb eines Frames verzerrt, was den Zuschauer:innen unbewusst dabei hilft, die Bewegung wahrzunehmen. (Vgl. Dupre 2024)

Der häufigste Einsatz von Smear Frames ist die Simulation von Bewegungsunschärfe, die mit der Kamera aufgenommen wird, wenn schnelle Bewegungen eingefangen werden – also ein Motion Blur (Vgl. Dupre 2024)

Warum Animator:innen Smear Frames verwenden

 Smear Frames kommen ursprünglich aus der traditionellen 2D-Animation, sind aber auch in anderen Animationsarten weit verbreitet, wie z.B. in der 3D-Animation. Ein besonderes Beispiel ist Spider-Man: Into the Spider-Verse, denn hier verwendetenAnimator:innen Smear Frames besonders deutlich, um das Comic-Gefühl zu imitieren. Smear Frames betonen den Bewegungsweg eines Objekts und sorgen für flüssige Übergänge zwischen Szenen, Posen oder Aktionen. (Vgl. Dupre 2024)

Es gibt zwei Haupttechniken für Smear Frames nach Dupre

– Multiple Smears: Hierbei wird das Subjekt entlang seiner Bewegungsbahn dupliziert und leicht unscharf gemacht, um eine schnelle Bewegung zu simulieren, siehe Looney Tunes.
– Elongierte Zwischenbilder: Dabei wird das Element in einem oder zwei Frames überdehnt, um die Bewegung zwischen zwei Key-Posen zu verdeutlichen, siehe Naruto.

Die Technik von Smear Frames wird allerdings immer seltener, da verschiedene Programme inzwischen automatisch Motion-Blur nachahmen können. Neuere Animationsproduktionen, wie bei Spider-Man: Into the Spider-Verse, nutzen Smear Frames, um einen „Retro-Look“ nachzuahmen. (Vgl. Dupre 2024)

Quellen:

Adobe o.D.
Adobe (o.D): Die 12 Prinzipien der Animation. In: Adobe/Animation/Discover, https://www.adobe.com/de/creativecloud/animation/discover/principles-of-animation.html (zuletzt aufgerufen am 17.11.2024)

Dupre 2024
Dupré, Gwénaëlle (16.12.2024): Mastering Motion: How Smear Frames Enhance Animation. In: CG Wire, https://blog.cg-wire.com/smear-frames/ (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Deja 2018
Deja, Andreas (09.09.2018): Distortions. In: Deja View, https://andreasdeja.blogspot.com/2018/09/distortions.html (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Thomas/Johnston 1981
Thomas, Frank/Johnston, Ollie: The Illusion of Life. Disney Animation. New York: Abbeville Press 1981

Autodesk o.D.
Autodesk (o.D.): Motion blur. Add a dose of reality to film, TV, and games. In: autodesk.com, https://www.autodesk.com/solutions/motion-blur (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

„Ich will doch animieren, nicht Sounddesigner“
Sofern es kein Profession im Stummfilm werden soll gilt es auch als Animator:in ein basic Know-How von Sound-Design zu haben. Nicht nur weil Film ohne Ton ein wenig langweilig wäre, sondern auch weil sich durch das Sounddesign ganz neue Dimensionen in deiner Animation eröffnen können.
Das Sounddesign setzt emotionale Akzente, definiert den Charakter der Animation und verstärken die erzählerische Wirkung. Im weiteren erwecken Sprecher:innen ihre Charaktere durch ihre Stimme zum Leben. (Vgl. Connolly 2024)

Sounddesign alleine erzählt uns nicht die ganze Geschichte, aber es versetzt uns mitten in die Geschichte hinein! Es ist der immersive Faktor, der es ermöglicht, eine Animation wirklich zum Leben zu erwecken. (Vgl. Marques o.D.)

Gutes Sounddesign setzt sich aus verschiedenen Arten von Sounds zusammen.
– Ambiente Sounds: Geräusche der Umwelt die Informationen über die Umgebung in der die Animationen stattfinden beinhalten, beispielsweise das Geräusch des Windes, das Singen der Vögel. (Vgl. Marques o.D.)  Tipp: Auch leere Räume machen ein Geräusch, beispielsweise Lüftungen.
– Foley: Foleys werden verwendet um das Gezeigte zu vertonen, also Schritte auf dem Boden, beispielsweise.
– Soundeffekte: Die Soundeffekte sind all die andere Geräusche, die Aktionen oder Elemente verstärken, sei es ein abstrakter Swoosh oder auch ein Knurren.
– Voice Over: Eine Stimme, welche die Geschichte/den Inhalt erzählt und so Informationen liefern.
– Musik: Sanfte– oder auch laute – Musik im Hintergrund setzt die Atmosphäre den Ton des Videos (Vgl. Marques o.D.)

Stimmung und Atmosphäre schaffen
Das Sounddesign einer Animation ist essenziell, um die gewünschte Atmosphäre der Animation zu erzeugen. Durch die gezielte Auswahl von Sounds und Musik können Zuschauer:innen in die verschiedenste Szenarien transportiert werden – egal ob eine belebte Großstadt, ein ruhiger Wald oder futuristische Motion Graphics. (Vgl. Connolly 2024)

Erzählerische Tiefe durch Audio
Gut und strategisch verwendete Audioelemente treiben die Handlung voran und sorgen einerseits für Realismus, aber auch für Kontinuität. Die Kombination von Ton und visuellen Elementen sorgt für ein nahtloses Erzählerlebnis, das die Zuschauer:innen fesselt. (Vgl. Dupre 2023)  Was ohne Ton wie eine unpassende Pause oder zu langsam wirkt bekommt mit dem Sounddesign eine erzählerische, neue Ebene und wirkt plötzlich ideal! Über auditiven Input können außerdem Off-Screen-Ereignisse angedeutet werden oder die räumlichen Beziehungen klargestellt werden. 

Emotionale Tiefe durch Klanglandschaften
Die von Sounddesignern entworfenen Klanglandschaften verleihen Charakteren und Szenen mehr emotionale Tiefe, spiegeln den Zustand von Figuren wider und machen sie für das Publikum greifbarer. So wird die Zuschauerbindung intensiviert. Schon subtile Harmonien oder dramatische Klänge verstärken die gewünschte emotionale Reaktion – egal ob Spannung, Freude, Angst oder Melancholie. (Vgl. Dupre 2023)

Charakterentwicklung durch Stimmen und Emotionale Ausdruckskraft
Zwar ist es immer ein Kampf, vor allem im Rahmen des Studiums, gute Sprecher:innen für Projekte zu finden, nichtsdestotrotz habe ich oft das Gefühl dass die Animation mit eben diesen „Steht oder fällt“. Als Beispiel möchte ich später dann auch meine Bachelorarbeit „Lost sein. Verloren in der Quarterlife Crisis“ herbeiziehen.
Durch Tonlage, Intonation und Sprachmuster formen Sprecher:innen die Identität ihrer Figuren. (Vgl. Connolly 2024) Auch in Erkläranimationen trägt die verwendete Stimme zur Wahrnehmung des gezeigtem bei. Man soll der Stimme zuhören wollen.
Zusätzlich können durch spezielle Sprachstile oder einzigartige stimmliche Nuancen beispielsweise humorvolle Momente betont werden. (Vgl. Dupre 2023)

Die Sprecher:innen müssen eine Bandbreite an Emotionen vermitteln können und schaffen damit eine emotionale Verbindung zum Publikum. Wie Dupre beschreibt, erfordert dies ein herausragendes Verständnis für Timing, Intonation und Rhythmus, damit die Darbietung glaubwürdig und dynamisch wirkt. (Vgl. Dupre 2023)

Die Bedeutung von Voice-over und Sprecherstimmen

Arbeitet man mit Motion Graphics und Animationen zählen auch Erklärvideos zu klassischen Projekten. Ein gutes Voice-Over ist entscheidend für den Erfolg eines Erklärvideos, denn es fungiert als unsichtbare:r Erzähler:in und ergänzt so die visuelle Botschaft, erklärt komplexe Inhalte und schafft eine emotionale Verbindung zu den Zuschauer:innen.
Doch nicht jede Stimme erfüllt diese Aufgabe gleichermaßen gut, weshalb die Auswahl der richtigen Stimme den Unterschied zwischen einem gelungenen Video und einem nicht ganz perfektem ausmacht. (Vgl. Nisha 2024)
Eine gute Stimme vermittelt nicht nur Informationen, sondern bringt auch Emotionen und Glaubwürdigkeit mit in das Video, während ein monotones Voice-over die Inhalte langweilig erscheinen lassen kann. Es tragen sowohl der Klang, die Betonung und auch die Sprachmelodiedazu bei, die Zuschauer:innen emotional abzuholen.(Vgl. Nisha 2024)

Die passende Stimme spiegelt auch die Persönlichkeit der Marke wieder: Ein eher spielerischer Ton kann ein jüngeres Publikum ansprechen, während ein eleganter und professioneller Stil Seriosität ausstrahlt. Hier ist es also besonders wichtig die Markenidentität, die Botschaften und die Zielgruppe zu bedenken. (Vgl. Nisha 2024)

Technisches
Die technische Umsetzung des Sounddesigns ist entscheidend, um Animationen Tiefe und Realitätsnähe zu verleihen. Hochwertige Mikrofone und eine passende Umgebungen sind essenziell für klare Tonaufnahmen. (Vgl. Connolly 2024)
Es macht daher durchaus Sinn in hochwertige Audio-Files und Aufnahmegeräte zu investieren oder eben gleich einen Pro für’s Sounddesign heranzuziehen.
Mischen und Mastern sorgt für ein ausgewogenes Klangbild, in dem Dialoge, Effekte und Musik harmonisch miteinander funktionieren. Die finale Abmischung balanciert alle Audiospuren, kontrolliert den Dynamikumfang des Sounds und sorgt durch Equalizing für Klarheit und harmonische Balance. (Vgl. Dupre 2023)

Abstrakte Animationen und die präzise Synchronisation von Bewegungen und Klangereignissen.

In der Fallstudie von Gerald Moshammer (Vgl. Moshammer 2023) wird unter anderem die Synchronisation von Bewegungen und Klangereignissen thematisiert.

Kleine, subtile Bewegungen, die genau auf die Dynamik und den Rhythmus der Musik abgestimmt sind, erzeugen eine starke emotionale Resonanz.  Beispiele sind das leichte Zittern einer Linie, das den Vibrato eines Instruments visualisiert, oder sanfte Farbwechsel. (Vgl. Moshammer 2023) Bei Motion Graphics oder anderen Videos die rhythmisch sind und mit Musik unterlegt werden macht es deshalb oft auch Sinn, die Musik als Leitlinie für das Timing in der Animation zu verwenden.

Vermeiden sollte man unsynchronisierte Bewegungen oder visuelle Elemente, vorallem wenn diese nicht mit der zu visualisierenden Musik übereinstimmen. Auch zu viele visuelle Reize, wie übermäßige Bewegungen oder Farben, zu Überladung und Überlagerungen führen (Vgl. Moshammer 2023) – das ist auch im Sounddesign zu vermeiden.

Fazit und Erkenntnisse aus meiner Bachelorarbeit: 

Im Rahmen meiner Bachelorarbeit habe ich die Gefühlswelt junger Erwachsener in der Quarterlife Crisis in einen Animationsfilm verarbeitet. Es wurde intensiv daran gearbeitet und das Ergebnis ist durchaus in Ordnung, nichtsdestotrotz bekomme ich jedes Mal Gänsehaut (negativ), wenn ich das Sound-Design dazu höre. Davon abgesehen dass die Animation ohnehin zu lang geworden ist, war die Aufnahme der Texte nicht gut und die Sprecherstimmen nicht unterschiedlich genug. Die gesamte Informations-Ebene der Voiceovers – dem inneren und dem tatsächlichen Monolog – ging verloren. Gegen Ende kommen weitere Stimmen hinzu und das Sounddesign wurde mit guten Songs und Sounds hinterlegt und plötzlich gewann auch die Animation an Qualität. Was heißt das für mich? Ich weiß jetzt dass Sound einer etwas wackeligen Animation viel stärke geben kann, oder eine „ganz okay wirkende Animation“ in den Boden drücken kann. Deshalb > Sich gut überlegen was die Sound-Ebene der animation mitgeben soll/wird + Gute Beziehungen zu Sound-Designer:innen wahren!

Quellen: 

Dupre 2023
Dupré, Gwénaëlle (2023): Sound Design in Animation. Definition, Process & Challenges. In: CG Wire, https://blog.cg-wire.com/sound-design-in-animation-definition-process-challenges/(zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Connolly 2024
Connolly, Michelle (15.05.2024):Sound Design in Animation: Crafting Immersive Experiences for Your Audience. In: Educational Voice, https://educationalvoice.co.uk/sound-design-in-animation/ (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Nisha 2024
Nisha (30.05.2024): Explainer Video Voiceover: Elevating Your Message with the Right Tone. In: mypromovideos, https://mypromovideos.com/blog/explainer-video-voice-over/ (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Moshammer 2023

Moshammer, Gerald  (2023): Abstract animation, emergent audiovisual motion and micro-expression. A case study of analogue music tracking with Robert Schumann’s Forest Scenes in AudioVisualizer. In: ResearchGate,https://www.researchgate.net/publication/373684415_Abstract_animation_emergent_audiovisual_motion_and_micro-expression_A_case_study_of_analogue_music_tracking_with_Robert_Schumann’s_Forest_Scenes_in_AudioVisualizer (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Marques o.D.

Marques, Raff (o.D.): Why and How to Incorporate Custom Sound Design into Your Next Animation Project. In: Mowe, https://mowe.studio/animation-sound-design-effects-music-motion-graphics/(zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Disclaimer: 

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Was ist Morphing – Definition:

Morphing nennt man einen visuellen Effekt, bei dem Ein Objekt (beispielsweise im Film) nahtlos in ein anders übergeht. (vgl. Wikipedia 2024). Ein Morph kann ziemlich auffällig oder auch sehr subtil sein. Ein auffälliger Morph wäre beispielsweise die Transformation einer Person in eine andere oder etwa sogar in ein Tier. Eine weniger sichtbare und subtilere Transformation ist jene von einem Schauspieler zu seinem Stuntman oder Stundwoman. (vgl. Nuke o.D.) Diese Transformationen werden heute häufig angewendet und sind durch CGI relativ gängig geworden.
Auch im Sound-Design und in der Musikproduktion nutzt man Morphing, beispielsweise um Stimmen oder Tonspuren zu verändern (vgl. Wikipedia 2024).

In meinem Blog war es bisher selten der Fall dass wir über die Geschichte von etwas gesprochen haben. Hier bietet sich und sie chance über Animations-Geschichte in einer kleinen Nische zu sprechen, was wir uns natürlich nicht entgehen lassen wollen.

Früheste Techniken der Transformation:
Schon vor der digitalen Technik gab es verschiedene Methoden, welche die Transformationen von Bildern ermöglichten:

1. Tabula Scalata: Noch nicht wirklich Film und Animation, aber bereits seit dem 16.Jh ist diese Technik in der Malerei bekannt. Die Malerei funktioniert indem zwei Bilder auf einer gewellten Oberfläche dargestellt werden und dadurch jeweils nur aus einem bestimmten Winkel sichtbar sind. Ein primitiver Morphing-Effekt tritt dann auf, wenn man zwischen beiden Bildern steht (vgl. Wikipedia 2024).
   
2. Mechanische Transformationen: Nach der Malerei wurden Morphings auch im Schattenspiel verwendet. Händisch wie auch mechanisch, beispielsweise um 1790 vom französische Schattenspieler François Dominique Séraphin (Gesicht einer jungen Frau in das einer Hexe) (vgl. Wikipedia 2024).
   
3. Matched Dissolves: Im 19. Jahrhundert gab es Techniken, bei denen zwei Bilder miteinander verschmolzen wurden, beispielsweise indem sie die Landschaften von Tag zu Nacht oder von Sommer zu Winter verwandelten. (vgl. Wikipedia 2024).
   

Aber wann kam das alles so wirklich in die Gänge?
Die ersten digitalen Morphing-Effekte tauchten in den 1980er Jahren auf, als Computergraphiktechniken genutzt werden konnten.

1. Frühe digitale Beispiele: 1986 entwickelte die Firma Omnibus einen digitalen Morphing-Effekt für einen Werbespot, in dem sie eine Flasche Waschmittel in die Form der Vereinigten Staaten verwandelten. (vgl. Wikipedia 2024).
   
2. Bekannte Anwendungsbeispiele kamen dann wenig später, wie Musikvideo-Clipx zu Michael Jacksons “Black or White” oder Filme wie Terminator 2: Judgment Day (vgl. Wikipedia 2024).
   
3. Software und kommerzielle Nutzung: In den 1990er Jahren erschienen Programme wie “Elastic Reality”, die es ermöglichten, Morphing-Effekte in Filmen und Musikvideos zu erzeugen. Diese Technologie gewann 1996 zwei Oscars für ihre technischen Verdienste.
   (vgl. Wikipedia 2024).
   

Gegenwart und moderne Anwendungen:

Heute gibt es schon jedemenge Morphing-Algorithmen, die sich immernoch weiter entwickeln und besonders seit dem Aufkommen von AI in der Bild- und Videogestaltung können nun schon einige Programme automatisch morphen, wenn die ausreichend ähnlich sind. Oft sind die Morphings in Filmen und Videos für das ungeschulte Auge garnicht mehr sichtbar. (vgl. Wikipedia 2024).

Morphings werden genutzt um Zeitlupeneffekte zu erzeugen (bsp Bullet Time) und auch als standardisierte Übergangstechnik zwischen verschiedenen Szenen in Fernsehshows werden Morphings eingesetzt, auch wenn die Inhalte der beiden Bilder völlig unterschiedlich sind. Das funktioniert indem der Algorithmus, korrespondierende Punkte zwischen den Bildern sucht und das eine in den anderen verzerrt, während sie sich überblenden. (vgl. Wikipedia 2024)

Ein noch extra zu erwähnender Einsatzbereich von Morphing-Effekten ist die Gestaltung von Fonts, denn durch Morphing-Technologie, die als Interpolation oder Multiple-Master-Technik bezeichnet wird. So können Designer:innen eine Zwischenform zwischen zwei Schriftschnitten entwickeln lassen, indem beispielsweise eine halbfette Schrift durch das morphen einer fetten und einer normalen Schrift entsteht. (vgl. Wikipedia 2024).

Morphing vs. Tweening vs. …

Wer Morphing kennt hat manchmal auch schon von Tweening gehört – ist das das selbe? Die Begriffe werden oft austauschbar verwendet, beschreiben aber unterschiedliche Prozesse. Während es beim Tweening mehr um Animation und das Hinzufügen von Bewegung geht, ist Morphing eine Technik der Filmindustrie zur Erstellung von Special Effects. (Vgl Adobe o.D.)

Morphing: Eine VFX-Technik zur nahtlosen Transformation eines Objektes in ein anderes

Tweening: Ein Animationseffekt, bei dem – automatisch – Bilder zwischen Keyframes eingefügt werden, um den Eindruck von Bewegung zu erwecken. Beispielsweise zwischen Key-Posen.

Reißschwenk: Reißschwenkt ist eine Übergangsart, mit der zwei Aufnahmen zu einer zusammengeführt werden indem sie schnell bewegt werden, was auch einer Art Morph gleichen könnte.

(Vgl Adobe o.D.)

Morphing-Arten:


– Morphing mit maximaler Geschwindigkeit:
Hier macht man sich im Morph eine kleine Hilfe – die Verzerrung – zu nutze. Diese Art von Morphing sieht man oft in Kinofilmen, denn Objekte werden gemorpht, während sie in einer schnellen Bewegung sind. Durch die Verzerrung der Geschwindigkeit fallen kleinere Inkonsistenzen weniger auf. (Vgl. Adobe o.D.) Ein beispiel aus Motion Graphics wäre es auch, dass ein Objekt zum Beispiel rotiert, während es morphed (z.B. ein Quadrat in einen Kreis)

– Direktes Morphing: Bei einfacheren Morphings kann über die Form gemorphed werden, z. B. um eine handgezeichnete Form in eine andere Form umzuwandeln. Mithilfe von Form-Tweens kann man dann Frame für Frame (oder mithilfe der Funktion) ein Quadrat in einen animierten Kreis verformen. (Vgl. Adobe o.D.)

– 3D-Morphing: In 3D-Programmen wird Morphing genutzt um Verformungen zwischen verschiedenen Bewegungen zu modellieren. Die verschiedenen Bewegungen oder Posen werden durch ein „Ziel“, eine Key Pose, definiert und der rest wird durch die Algorithmen gemorphed. (Vgl. Adobe o.D.)

Was steckt dahinter – Die Technik

Beim Morphing geht ein Bild in ein anderes über

Im ersten Schritt ist ein Ausgangs- und Zielbild zu wählen und so das Konzept festzulegen.
Im zweiten Schritt 2. werden die wichtigsten Merkmale definieren. Es muss beispielsweise die Form des Originalobjekts muss exakt vermessen und abgebildet werden, um dann auf Basis dieser Werte ein möglichst gutes Morphing-Ziel zu finden – also ein entsprechende Modelle erstellen oder eine Aufnahmen suchen. Im letzten Schritt werden dann die genauen Punkte zugeordnet. Mithilfe von Spezial-Software werden wie relevantesten Punkte im Original- und im Zielobjekt analysiert und in weiterer Folge lassen sich so die wichtigen Bereiche aufeinander abstimmen – z. B. die Augen. Im letzten Schritt werden die Pixel des Originalobjekts durch Einfügen von Zwischenbildern zu den Pixel des neuen Objekts umgeformt. (Vgl. Adobe o.D.)

Zur genauen Anwendung gibt es unzählige Tutorials online 🙂

Quelle

Nuke o.D.
Nuke (o.D.): Morphing. In: Foundry,https://learn.foundry.com/nuke/content/comp_environment/warping/morphing.html#:~:text=An%20example%20of%20a%20noticeable,a%20much%20more%20subtle%20morph.

Wikipedia 2024
Wikipedia. Die freie Enzyklopädie (18.11.2024), s.v. Morphing, https://en.wikipedia.org/wiki/Morphing (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

Adobe o.D.

Adobe (o.D): Morphing: Was ist das und wie funktioniert der Effekt?. In: Adobe/Animation/Discover, https://www.adobe.com/de/creativecloud/animation/discover/morphing-in-animation.html (zuletzt aufgerufen am 06.01.2025)

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