Mein fünfter Impuls für Design & Research 3 ist mein Besuch des Festivals Klanglicht Ende Oktober in Graz. Klanglicht ist kein klassischer Ausstellungsbesuch, sondern ein nächtlicher Parcours durch den Stadtraum, in dem Licht, Klang und Bewegung temporär neue Wahrnehmungssituationen schaffen. Gerade diese Verlagerung von Kunst in den öffentlichen Raum hat für mich einen starken gestalterischen Impuls ausgelöst, da Gestaltung hier nicht isoliert funktioniert, sondern immer im Zusammenspiel mit Umgebung, Körper und Zeit.
Besonders angesprochen haben mich Installationen, die nicht auf visuelle Überforderung setzen, sondern auf Wahrnehmung, Atmosphäre und Reduktion. Zwei Arbeiten sind mir dabei nachhaltig im Gedächtnis geblieben: The Weather Project von Olafur Eliasson sowie AFTEREAL von Yasuhiro Chida.
Die Arbeit The Weather Project war in der Orangerie im Burggarten installiert und hat mich sofort in ihren Bann gezogen. Der Raum war von Licht, Nebel und Klang erfüllt und erzeugte eine künstliche Wetterlage, die sich nur schwer rational greifen ließ. Das Licht erinnerte an eine abstrahierte Sonne, die sich im Nebel ausbreitete und den gesamten Raum in eine diffuse, fast zeitlose Atmosphäre tauchte. Man hatte nicht das Gefühl, vor einem Kunstwerk zu stehen, sondern sich innerhalb eines Zustands zu befinden. Mich hat diese Installation so stark angezogen, dass ich das Gefühl hatte, nicht mehr gehen zu wollen. Zeit spielte plötzlich keine Rolle mehr. Der Nebel ließ Konturen verschwimmen, Bewegungen wurden langsamer, das eigene Sehen unsicherer. The Weather Project machte mir sehr deutlich, wie stark Wahrnehmung konstruiert ist und wie Gestaltung nicht nur visuell, sondern körperlich und emotional wirkt. Eliassons Arbeit zeigt, dass Licht kein Effekt ist, sondern ein Material, das Raum, Stimmung und Verhalten formt.
Einen ganz anderen, aber ebenso intensiven Zugang zur Wahrnehmung bot AFTEREAL von Yasuhiro Chida im Burggarten. Die Installation erinnerte an den magischen Effekt von Wunderkerzen, an das Zeichnen mit Licht in der Luft. Hunderte elastische, sich bewegende Drähte wurden durch UV Licht zum Leuchten gebracht. Ihre wellenförmigen Bewegungen erzeugten ein Bild, das physisch eigentlich gar nicht existiert. Stattdessen entsteht es im Gehirn der Betrachtenden durch das schnelle Aneinanderreihen einzelner Lichtmomente.
Was mich an AFTEREAL besonders fasziniert hat, war die Einfachheit der Mittel im Verhältnis zur emotionalen Wirkung. Trotz der Reduktion entstand ein tief berührendes Erlebnis. Das leuchtende Bild bleibt im Gedächtnis, obwohl es materiell nie wirklich da war. Chidas Arbeit macht deutlich, dass das, was wir als Realität wahrnehmen, ein Konstrukt unserer Augen und unseres Gehirns ist. Diese Erkenntnis hat mich stark beschäftigt, da sie den Fokus weg vom Objekt hin zur Wahrnehmung selbst lenkt.
Für meine Design und Research Arbeit ist genau dieser Gedanke zentral. Gestaltung erzeugt nicht nur sichtbare Formen, sondern beeinflusst, wie Menschen Realität wahrnehmen, erinnern und emotional einordnen. Klanglicht hat mir gezeigt, dass Wirkung oft zeitlich verzögert entsteht und dass Gestaltung im Nachhall weiterarbeitet. Besonders im Vergleich zu klassischen grafischen Arbeiten wurde mir bewusst, dass auch dort Wahrnehmung kein statischer Zustand ist.
Ein weiterer Aspekt, der mich nachhaltig inspiriert hat, ist die Rolle des Körpers im Raum. Beide Installationen funktionieren nur durch Bewegung, durch Annäherung, Verweilen und Perspektivwechsel. Je nachdem, wie man sich positioniert, verändert sich das Erlebte. Diese Abhängigkeit von Zeit und Position lässt sich auch auf Grafikdesign übertragen. Wahrnehmung ist nie neutral und nie unabhängig vom Kontext.
Der Besuch von Klanglicht war für mich damit mehr als ein ästhetisches Erlebnis. Er hat meinen Blick dafür geschärft, wie stark Gestaltung Wahrnehmung formt und wie wirkungsvoll Reduktion, Atmosphäre und Zeitlichkeit sein können. Besonders The Weather Project und AFTEREAL haben mir gezeigt, dass Gestaltung dann am stärksten ist, wenn sie nicht alles erklärt, sondern Raum für eigenes Erleben lässt. Diese Erkenntnisse möchte ich in meiner weiteren Forschung bewusst weiterdenken und auf grafische und räumliche Fragestellungen übertragen.
https://klanglicht.buehnen-graz.com/installation/8-eye-see-you/
https://olafureliasson.net/
https://lightart-collection.com/artworks/aftereal
https://yasuhirochida.com/
Month: January 2026
IMPULSE: Lappland: Gemeinsam einsam und doch nicht allein
I watched a documentary on the issue of rising senior populations in Finnish Lapland and how so-called “village helpers” can aid the elderly with daily tasks. The documentary talks about the Sami population in Lapland, what their traditions and ways of life are like, and how these helpers can ensure that the elderly citizens living by themselves in the northernmost regions of Lapland can stay in their homes and keep their traditions alive. Not only does the older population benefit greatly from this program, but they can also teach Sami traditions to the younger generations. The documentary talks about how the Sami traditionally lead rather secluded lives and prefer staying by themselves. This lifestyle, however, becomes harder to manage as Finland’s population, like in most European countries, keeps growing older. This is where these helpers come in and help out with tasks such as getting firewood, hunting or drying reindeer meat and skins.
The documentary talks about an indigenous people, but was made by a German team. This creates delicate ethical situation, where filmmakers must be very careful not to misrepresent or mistreat the filmed minority. Filming must happen in collaboration and with lots of transparency in order to accurately represent the culture and heritage. In this documentary, the film team followed some of the village helpers which were either not Sami or still had to learn some things about the traditions and culture. This way, the film was able to teach and learn in a respectful way and also depict what the process of sharing tradition can look like. This way, the point of view of the documentary is similar to the actual relation of the filmmakers to the topic.
The film treats the difficult topic of loneliness in old age and an aging population, while also showing a possible solution and an optimistic outlook. At the same time, it shows indigenous traditions and breathtaking landscapes of the north. Visually the documentary found a good balance of beautiful b-roll of the Scandinavian winter and meaningful moments between the elderly and the village helpers.
Although a story arc was created by following the training of the new village helpers, the tension of whether they had passed their theoretical exam or whether the senior lady would like them felt a bit too forced and unimportant to be the main problem or conflict of the film.
To conclude, I liked the effortless way of including multiple important topics into the documentary while also making sure to treat them in a respectful and transparent way. However, the dramaturgy of the film I found a bit lacking because it felt forced rather than just documented. By this I do not mean that they created uncomfortable situations for the participants but I do feel like the filmmakers tried to create more of a dramatic situation than there actually was in the editing process, making this part of the film feel a bit over exaggerated. This has made me realised that while a dramatic story arc is important to keep viewers watching, it cannot be artificially created but has to be authentic.
IMPULSE #3
Some events stay with you not because of spectacle, but because they remind you of something essential. The rap concert at Pomorandža in Podgorica Center, led by my friend Mijat Bojović – Majdžet, was one of those moments. It wasn’t just a concert. It was a reminder of how much courage it takes to create, and how deeply culture depends on community.
Pomorandža is not a polished institution or a distant cultural monument. It is a space built and maintained by people who believe that culture should be lived, not just consumed. Those of us who run it together know how fragile such spaces are — how easily they can disappear if no one is willing to take responsibility. That night, Pomorandža felt full in every sense: full of sound, movement, tension, support, and mutual recognition.
Watching Mijat on stage was inspiring not because of performance alone, but because of what it represented. Standing in front of people and claiming space for your work takes courage, especially in an environment where alternative culture is often overlooked or undervalued. There is a particular kind of bravery in continuing to create even when visibility is limited and support is inconsistent. That courage was tangible in the room.
But the real strength of the night didn’t come from one person alone. It came from the collective effort behind it. Friends organizing, setting up equipment, handling logistics, welcoming people, staying until the very end. This is how culture survives here — not through large budgets or institutional guarantees, but through trust, commitment, and people willing to show up for each other. Community is not an abstract idea; it is practical, demanding, and often exhausting. And yet, it is the most reliable foundation we have.
What stood out most was the sense of shared ownership. The audience wasn’t passive. People weren’t there just to watch something happen; they were part of it. There was an unspoken understanding that this space exists because everyone present contributes to it simply by being there, by caring, by respecting the effort behind it. That kind of atmosphere doesn’t happen by accident. It grows slowly, through consistency and mutual support.
Courage, in this context, isn’t loud or dramatic. It’s the decision to keep going. To keep organizing events even when turnout is uncertain. To keep creating even when recognition is slow. To keep opening doors and inviting people in, knowing that not every night will succeed. The concert at Pomorandža was a quiet but powerful example of that kind of courage — the kind rooted in persistence rather than confidence.
In a city like Podgorica, where cultural initiatives often rely on personal energy rather than systemic support, spaces like Pomorandža are vital. They allow experimentation, honesty, and growth. They offer a platform for voices that don’t fit neatly into mainstream expectations. And perhaps most importantly, they create a sense of belonging — a reminder that no one is building alone.
By the end of the night, there was a feeling of exhaustion mixed with clarity. Not the kind that drains you, but the kind that confirms why the effort matters. Events like this don’t just fill an evening; they strengthen the invisible network that keeps a cultural scene alive. They remind us that courage is contagious, and that community, once built, becomes a source of momentum.
The concert ended, the lights went up, and people slowly left the space. But what remained was something more lasting than sound — a renewed belief in the value of showing up, supporting each other, and continuing to build, even when it’s difficult. In that sense, the night at Pomorandža wasn’t just an event. It was proof that community, when held together by courage, can create something meaningful — again and again
Impuls 04 Klang Raum Spannung
Konzert von Wallners im PPC in Graz
Mein vierter Impuls für Design & Research ist der Besuch eines Konzerts der Band Wallners aus Wien, im PPC in Graz. Im Vergleich zu meinen bisherigen Impulsen war dieses Event stark über Atmosphäre, Klang und visuelle Zurückhaltung definiert. Gerade diese bewusste Gestaltung von Stimmung hat für mich einen klaren gestalterischen Reiz erzeugt.
Besonders eindrucksvoll war für mich das Opening des Konzerts. Zu Beginn war der Raum nahezu vollständig dunkel und stark vernebelt. Man hörte bereits den Gesang, konnte die Band jedoch noch nicht sehen. Diese Trennung von Stimme und Sichtbarkeit empfand ich als sehr starkes Gestaltungselement. Die Reduktion auf Klang erzeugte eine hohe Spannung und lenkte die Aufmerksamkeit vollständig auf das Hören. Erst nach und nach wurde die Bühne sichtbar, wodurch sich der Raum langsam öffnete. Dieser Moment hat mir gezeigt, wie wirkungsvoll zeitliche Verzögerung und kontrolliertes Sichtbarmachen sein können.
Auch im weiteren Verlauf des Konzerts spielte das Zusammenspiel von Musik, Licht und Raum eine große Rolle. Die Lichtstimmung war reduziert, aber sehr gezielt eingesetzt und unterstützte die emotionale Wirkung der Songs, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Die Bühne lebte dabei fast ausschließlich von einem konstant leichten Nebel, der je nach Song und Album in unterschiedliche Farbstimmungen getaucht wurde. So wurden einzelne Alben durch spezifische Farbwelten visuell markiert etwa Blau in Kombination mit Lila oder Pink oder verblasste Blau Weiß Töne.
Dadurch entstand nicht nur ein akustischer Wiedererkennungswert durch die Musik, sondern zusätzlich eine visuelle Codierung über Farbe. Die Songs waren somit auch farblich eindeutig zuordenbar. Diese bewusste Verknüpfung von Klang und Farbgestaltung empfand ich als besonders starkes Gestaltungsmittel. Es entstand ein geschlossenes Gesamtbild, in dem jedes Element eine klare Funktion hatte. Gestaltung funktionierte hier nicht über Überinszenierung, sondern über Präzision und Wiedererkennbarkeit.
Die Musik von Wallners ist ruhig, emotional und klar strukturiert. Es geht weniger um Lautstärke oder große Gesten, sondern um Feinheit, Wiederholung und subtile Veränderungen. Diese Zurückhaltung prägte auch die Atmosphäre im Raum. Das Publikum war aufmerksam und konzentriert, was das gemeinsame Erleben zusätzlich verstärkte.
Besonders inspiriert hat mich die Präsenz der Band auf der Bühne. Sie wirkte ruhig und fokussiert, ohne dominantes Auftreten. Diese Form von Präsenz hat mir gezeigt, dass Ausdruck nicht laut sein muss, um wirksam zu sein. Auch im Design können leise Entscheidungen eine starke Wirkung entfalten, wenn sie bewusst und klar gesetzt sind.
Für meine eigene Designpraxis nehme ich aus diesem Konzert vor allem das Prinzip der Reduktion und der zeitlichen Steuerung von Wahrnehmung mit. Inhalte müssen nicht sofort vollständig sichtbar sein, um zu funktionieren. Spannung kann entstehen, wenn Information bewusst zurückgehalten wird. Gerade im Umgang mit Layout, Typografie und Rhythmus sehe ich darin eine wertvolle gestalterische Strategie.
Das Konzert war für mich damit nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern ein klarer Impuls, Gestaltung stärker über Atmosphäre, Timing und Zurückhaltung zu denken.
Abschließend hat mir das Konzert noch einmal sehr deutlich gezeigt, wie nah sich Musik und Gestaltung insbesondere Grafikdesign und Typografie eigentlich sind. In beiden Bereichen erfordert Gestaltung ein hohes Maß an Feingefühl. Es geht darum, welcher Ton welche Stimmung auslöst, genauso wie darum, welche Typografie welche Wirkung erzeugt. In beiden Fällen entsteht Gestaltung in einem ständigen Wechselspiel zwischen Störung und Balance. Genau dieses Spannungsverhältnis ist sowohl in der Musik als auch im Grafikdesign essenziell.
Durch dieses Konzert habe ich zudem noch einmal verstanden, dass Inspiration für meine grafische Arbeit nicht ausschließlich aus visuellen Eindrücken entstehen muss. Inspiration bedeutet nicht zwangsläufig, etwas zu sehen, sondern kann genauso stark aus dem Akustischen kommen. Klang, Rhythmus und Atmosphäre können neue visuelle Ideen auslösen und gestalterische Prozesse anstoßen. Diese Erkenntnis hat meinen Blick auf Inspiration erweitert und mir gezeigt, wie wertvoll interdisziplinäre Wahrnehmung für meine gestalterische Praxis ist.
Links
https://www.youtube.com/watch?v=81toZio7qqM&list=RD81toZio7qqM&start_radio=1
https://open.spotify.com/artist/3EdHRW9KganBlpKU12OQos
https://www.youtube.com/shorts/OGZrvTvU0yc
https://www.youtube.com/shorts/xau4D7J57i4
Impuls 03 Bühne als gestalteter Bewegungsraum
On the Town von Leonard Bernstein mit Texten von Betty Comden und Adolph Green in der Oper Graz besucht am 04.01.26
Mein dritter Impuls für Design & Research ist der Besuch des Musicals On the Town in der Oper Graz. Besonders angesprochen hat mich während des Auftritts das Bühnenbild und die Art, wie der Raum der Bühne genutzt wurde. Der Bühnenraum fungiert nicht als bloßer Hintergrund, sondern als aktiver Gestaltungsträger. Er wird laufend neu organisiert, geöffnet und verdichtet und erzeugt dadurch eine starke räumliche Dynamik.Der Bühnenraum fungiert nicht als bloßer Hintergrund, sondern als aktiver Gestaltungsträger. Er wird laufend neu organisiert, geöffnet und verdichtet und erzeugt dadurch eine starke räumliche Dynamik. Diese Herangehensweise hat mich auch aus gestalterischer Sicht besonders angesprochen. Das ständige Neuorganisieren, Öffnen und anschließende Verdichten des Raums empfinde ich als inspirierendes Prinzip für Gestaltung. Es hat mich dazu angeregt, dieses Denken auf meine eigene Arbeit zu übertragen, insbesondere auf den Umgang mit Typografie. Auch dort lassen sich Inhalte immer wieder neu strukturieren, auflösen und verdichten, um Spannung, Rhythmus und Lesbarkeit zu erzeugen.
Auffällig war für mich die intensive Farbigkeit. Bühne und Kostüme arbeiten mit klaren, selbstbewussten Farben, die bewusst kombiniert sind. Trotz dieser visuellen Fülle wirkt das Gesamtbild strukturiert und kontrolliert. Farbe übernimmt hier eine ordnende Funktion und unterstützt die Orientierung im Raum. Für meine eigene gestalterische Arbeit war das ein starkes Beispiel dafür, das Farbe eben nicht nur ästhetisch, sondern auch systematisch eingesetzt werden sollte.
Ein Moment, der mir besonders im Gedächtnis geblieben ist, ist das Zusammenspiel von Bewegung, Raum und Musik. Die Choreografien reagieren direkt auf die Architektur der Bühne. Tänzerinnen und Tänzer nutzen Ebenen, Übergänge und Kanten aktiv mit. Raum wird dadurch nicht nur sichtbar, sondern rhythmisch erfahrbar. Die Musik verstärkt diesen Eindruck und macht Timing zu einem zentralen Gestaltungselement.
Überraschend war für mich, wie klar strukturiert die Inszenierung trotz ihrer Lebendigkeit bleibt. Es passiert viel gleichzeitig, aber nichts wirkt zufällig. Diese Klarheit zeigt, wie wichtig eine starke räumliche Grundidee ist, um Komplexität lesbar zu machen. Gestaltung funktioniert hier über Zeit und Bewegung, nicht über einzelne statische Bilder.
Für meine weitere Design und Research Arbeit nehme ich aus diesem Besuch vor allem den bewussten Umgang mit Raum, Farbe und Rhythmus mit. On the Town hat mir gezeigt, dass Gestaltung als Zusammenspiel von Elementen gedacht werden kann, die sich im zeitlichen Verlauf entfalten. Der Opernbesuch war für mich damit nicht nur ein kulturelles Ereignis, sondern ein klarer gestalterischer Impuls.
Links
https://www.youtube.com/watch?v=SZuJPWr-aZs&t=1s
https://oper-graz.buehnen-graz.com/produktion/on-the-town/
https://www.mphil.de/ueber-uns/musikerinnen-und-musiker/details/leonard-bernstein
Impuls 02 Malerei als körperlicher Gestaltungsprozess
Ausstellung von Wolfgang Hollegah in Graz
Mein zweiter Impuls für Design & Research 3 ist der Besuch der Ausstellung von Wolfgang Hollegah in Graz. Die Begegnung mit seinen Arbeiten war für mich ein starkes visuelles und körperliches Erlebnis. Anders als bei digitalen oder kleinformatigen Arbeiten wird man hier unmittelbar mit der Größe der Gemälde konfrontiert. Die riesigen Formate wirken selbstbewusst und fordernd und lassen keinen distanzierten Blick zu. Ich stand vor ihnen und hatte den Eindruck, ich werde Teil der Malerei.
Was mich besonders fasziniert hat, ist der Umgang mit Farbe. Hollegahs Arbeiten sind farbenfroh, aber nie beliebig. Die Farbkompositionen wirken sehr bewusst gesetzt und gleichzeitig lebendig. Durch die Anwendung unterschiedlicher Acrylfarben entstehen spannende Verläufe, Überlagerungen und Tiefen. Man sieht den Prozess, das Auftragen, das Reagieren der Farben miteinander. Die Bilder wirken nicht statisch, sondern wie eingefrorene Bewegungen.
Ein zentraler Aspekt für mich war die sogenannte Gemäldearchitektur. Damit meine ich die Art, wie Hollegah mit der Farbe auf der großen Leinwand agiert. Es geht nicht nur um Farbe an sich, sondern um Balance. Trotz der Größe und der intensiven Farbigkeit wirken die Kompositionen nie überladen. Er schafft es, eine sehr präzise Spannung zwischen Dichte und Offenheit zu halten. Diese Balance empfinde ich als große Inspiration für meine eigene gestalterische Arbeit, vor allem im Umgang mit großen Flächen und Mut zum Weißraum. Besonders spannend fand ich, dass Hollegah in manchen Gemälden bewusst Weißraum stehen lässt. Diese leeren Flächen wirken nicht unfertig, sondern notwendig. Sie geben den Farben Raum zu wirken und schaffen Ruhe innerhalb der Komposition. Als Grafikerin hat mich das sehr angesprochen, da Weißraum auch im Grafikdesign eine zentrale Rolle spielt.
Ein Zitat von Hollegah hat meine Wahrnehmung seiner Arbeiten zusätzlich vertieft
„Wenn der Schwung der richtige ist, dann erst kann ich das Bild malen.“
Dieses Zitat verbindet für mich viele der Eindrücke aus der Ausstellung. Es beschreibt Malerei als körperlichen und zeitlichen Prozess. Der richtige Schwung steht für Bewegung, Intuition und den Moment, in dem alles zusammenkommt. Genau das spiegelt sich in seinen Bildern wider.
Für meine weitere Design und Research Arbeit nehme ich aus dieser Ausstellung mit, dass Gestaltung nicht nur im Kopf entsteht, sondern auch im Körper. Rhythmus, Bewegung und Mut zur Leere sind Aspekte, die ich stärker in meine eigene Praxis integrieren möchte.Hollegahs Arbeiten verdeutlichen, dass großformatige gestische Setzungen und präzise kompositorische Balance keine Gegensätze darstellen, sondern sich strukturell gegenseitig bedingen.
Links
https://www.museum-joanneum.at/neue-galerie-graz/unser-programm/ausstellungen/event/wolfgang-hollegha
https://wolfganghollegha.com/
https://open.spotify.com/episode/4RC9zx0l2eBGBJzZwxcDB4
Impuls 01 Podcast Hotel Matze als Denkraum der Differenz
Hotel Matze Gespräch mit Benjamin von Stuckrad-Barre veröffentlicht am 31.12.2025
Mein erster Impulse Eintrag für Design & Research 3 basiert auf einer medialen Aktivität dem Podcast „Hotel Matze“. Konkret beziehe ich mich auf die am 31. Dezember 2025 erschienene Folge mit Benjamin von Stuckrad Barre. Das Gespräch dauert über drei Stunden und hat mich über einen längeren Zeitraum begleitet. Anders als viele kurze digitale Formate erlaubt diese Länge ein Abschweifen ein Zurückkommen und ein Aushalten von Unsicherheiten. Genau das hat für mich den Reiz dieser Episode ausgemacht.
Im Gespräch geht es um Schreiben Angst Rückfälle Erfolg Humor und um die Frage was Kunst eigentlich leisten muss. Besonders hängen geblieben ist mir ein Satz von Stuckrad Barre der für mich wie ein Schlüssel funktioniert hat: „Die Differenz ist das Normale. Da entsteht das Ich in der Differenz.“
Dieser Gedanke hat mich persönlich sehr angesprochen weil er ein Verständnis von Identität beschreibt das nicht auf Stabilität oder Klarheit basiert. Stattdessen wird das Ich als etwas verstanden das sich erst durch Unterschiede Widersprüche und Brüche formt. Ich habe gemerkt dass mich genau diese Vorstellung auch in meiner gestalterischen Arbeit begleitet. Oft entstehen meine Ideen nicht aus klaren Konzepten sondern aus Unsicherheiten aus Reibung oder aus Momenten in denen etwas nicht aufgeht.
Der Podcast funktioniert für mich als Event weil er nicht nur Information vermittelt sondern einen Denkraum öffnet. Ohne Bilder ohne visuelle Reize zwingt er dazu zuzuhören und eigene innere Bilder zu entwickeln. Diese Form des Zuhörens ist für mich eng mit Designprozessen verbunden. Auch dort entsteht Bedeutung nicht sofort sondern entwickelt sich über Zeit durch Nachdenken Verwerfen und Neuordnen.
Besonders interessant fand ich die Offenheit mit der Stuckrad Barre über seine Brüche spricht. Es entsteht kein geschlossenes Selbstbild sondern etwas Fragmentiertes Unfertiges. Das hat mir gezeigt dass Unvollständigkeit kein Mangel sein muss sondern eine Qualität haben kann. Für meine weitere Design und Research Arbeit nehme ich daraus mit dass Gestaltung nicht immer auf Eindeutigkeit abzielen muss. Ambivalenz Mehrdeutigkeit und Irritation können produktiv sein.
Auch die Aussage dass Künstlerinnen und Künstler ihrem Publikum nichts schulden hat meine Sicht auf Gestaltung verändert. Sie stellt gängige nutzerorientierte Denkweisen infrage und öffnet Raum für eine stärkere Autorenschaft. Für mich ergibt sich daraus die Frage wie viel Zumutung Design aushalten darf und ob Gestaltung nicht auch ein Angebot sein kann statt eine Lösung.
Diese Podcastfolge war für mich kein beiläufiger Medienkonsum sondern ein persönlicher Impuls. Sie hat meine Aufmerksamkeit auf Differenz als Ausgangspunkt gelenkt und mich darin bestärkt Unklarheit und Brüche als Teil meines Forschungs und Gestaltungsprozesses zu akzeptieren. Damit bildet sie einen wichtigen Ausgangspunkt für meine weiteren Impulse im Rahmen von Design & Research.
Links
https://open.spotify.com/episode/5EA9GeucaEfxngKwY5Ywjc
https://stuckradbarre.de/?utm_source=chatgpt.com
IMPULS 4 – Kunsthalle and Miguel Chevalier
When I visited the Kunsthalle in Munich, I honestly had pretty high expectations of what I was about to see. My mom had visited the exhibition previously and was talking about how nice and impressive she experienced it. In the past, I have made a couple of visits to a lot of immersive exhibitions, and many of them start to feel very similar. What surprised me about “Digital by Nature – The Art of Miguel Chevalier” was that I could often imagine how the works were made. I kept thinking about Processing, generative systems, maybe some robotics or AI running in the background. Instead of ruining the magic, this actually made me happy. It didn’t feel like some unreachable high-tech spectacle, but more like something that exists on the same planet as my own small experiments. Because of that, I feel like I moved through the exhibition a bit differently, less like a visitor just taking photos, and more like someone walking through and taking notes on what I could try out as well.
The first big projection room already set the tone. A large curved wall was filled with flowing animations that reacted subtly when people came closer or moved their arms. I liked that the room didn’t explain too much. It just invited you to figure out the system with your body. At first, I thought it was mainly about pretty visuals, but after spending some time there, I realized how choreographed the whole space actually was. The reflections on the shiny floor doubled the image, the sound, or sometimes even the absence of sound, influenced how long people stayed, and the movement of the crowd became part of the composition. It made me realize again how important physical space is for digital work, something I often forget when I’m just sitting in front of my laptop.
Later on, I spent quite a bit of time with the works where Chevalier combines AI with floral motifs. These generative flowers reminded me a lot of a project I saw at Klanglicht 2024, where Processing was used to create plant-like forms that constantly changed shape. Here, the idea felt similar but pushed further. The flowers didn’t just move, they seemed to grow, dissolve, and transform, almost like watching an artificial ecosystem in fast-forward. I noticed that this kind of imagery really speaks to me because it sits somewhere between digital and organic. In general, I have noticed that I like to work with natural elements and not just simply digital things. For my own work, this opened up the idea of using generative techniques not only for abstract visuals, but for forms that reference the real world without directly copying it.
At the same time some rooms felt a bit too polished, almost like they were mainly designed to be photographed. The surfaces were very glossy, the colors extremely intense, and sometimes it felt like the technology was there mostly to impress. I realized that I was more interested in the works that showed some roughness. For example, the drawing robot with its industrial arm and felt-tip pen, or pieces where small delays and glitches were still visible.
One of the nicest feelings I had throughout the exhibition was this sense of “I kind of understand how this could work.” In the past, I often looked at digital installations and thought that they must have been made by huge teams using some kind of very complicated technologies. Here, even if I didn’t know the exact details, I could imagine basic structures: shaders reacting to movement, particle systems, data mapped to color and form, maybe some kind of camera tracking feeding into generative visuals. For my own project, the exhibition gave me a few clear impulses. I want to think more about how people physically move in front of my work and how this movement can become part of the piece, instead of just triggering random reactions. I’m also very interested in this mix of organic imagery and clear digital structure, almost like nature wearing a pixel costume.
IMPULSE: When UI Meets Reality: A Lesson from Alserkal Avenue
I was wandering through Alserkal Avenue in Dubai recently to soak up the creative vibe when I stumbled into the Gulf Photo Plus gallery. I wasn’t expecting to have my entire perspective on visual storytelling flipped upside down. That is exactly what happened when I saw the work of Majd Arandas.
The exhibition avoided high-end gear or perfect lighting. It was raw. It was literally composed of mobile phone photos and screenshots of chat logs. Majd is from Gaza and the work documented his daily life there as he simply updated his friends abroad on his status.
Here is what blew my mind as a designer:
We spend so much time obsessing over high-resolution assets and perfect composition. But Majd’s work proved that context creates the strongest content.
- The Medium: Seeing the familiar UI of a chat bubble, which we see hundreds of times a day, juxtaposed with the reality of life in Gaza immediately broke down the “fourth wall.”
- The Effect: It didn’t feel like looking at art. It felt like holding a friend’s phone. It forced me directly into the situation.
It made me question a lot about how we try to manufacture emotion in design. We usually try too hard. This exhibition taught me that approachability is the key to empathy. By keeping it lo-fi and incredibly human, the impact was heavier than any polished editorial could ever be.
Sometimes the most powerful design tool isn’t Photoshop but the raw and unedited truth.
The Glitch in the Reality – Using Cognitive Dissonance in Storytelling
As designers we are usually taught to make things smooth and frictionless. We want the user experience to be easy. But in storytelling friction is everything. If everything makes sense and everyone is happy you have a boring movie. I have been researching a concept called Cognitive Dissonance to help structure my screenplay. It was developed by the psychologist Leon Festinger in the 1950s and it describes the mental discomfort we feel when we hold two conflicting beliefs or values at the same time. Festinger found that humans have a powerful inner drive to hold all our attitudes and beliefs in harmony. When there is inconsistency, or “dissonance,” we feel psychological stress and are motivated to reduce it, often by changing our beliefs or justifying our actions to make them fit.
Humans hate this feeling. We will do anything to get rid of it. If we smoke cigarettes but we know smoking kills we have dissonance. To fix it we either quit smoking or we convince ourselves that the science is wrong. We change our reality to stop the pain.
In film narrative this theory is incredibly potent. Dissonance creates a gap that the audience desperately wants to close. There is a related concept called the “Expectancy Violation Theory” by Judee Burgoon which says that when someone behaves in a way that violates our social expectations it triggers arousal and forces us to pay closer attention. We stop operating on autopilot and start analyzing the situation to understand why the norm was broken.
In my film I am creating a massive cognitive dissonance for the audience and for the main character. The premise itself is a contradiction. The protagonist is a teacher of “Political Education.” Her job is to explain the Austrian constitution and the importance of voting to teenagers. She is the voice of the state. She represents the system. But at the same time she is not a citizen. She cannot vote. The state that she represents does not represent her.
This creates a tension that vibrates through every scene. Imagine a scene where she is grading a student’s test about democracy. The student failed the test but can vote because he is 16 and Austrian. She aced the test because she is the teacher but she cannot vote. This is illogical. It hurts the brain to think about it. That mental pain is what keeps the viewer engaged. They want to resolve this glitch. They want the world to make sense again.
I am also using this to play with the character’s internal psychology. Festinger says we often reduce dissonance by lying to ourselves. My character is doing exactly that. She tells herself that if she just works hard enough and speaks German well enough she will belong. She is performing “Austrian-ness” perfectly to reduce the dissonance between her life here and her legal status. But the reality keeps hitting her in the face. This makes her an “unreliable narrator” not because she is malicious but because she is in denial. She is trying to protect her own sanity.
We can even see this dissonance in how audiences might react to her. Research on “Intersectional Invisibility” shows that Black women often don’t fit the standard prototypes for race or gender which makes them “invisible” or confusing to observers. By placing a Black woman in a position of high authority (a Gymnasium teacher) I am creating a visual dissonance for the audience. I am violating their expectations. According to the theory this should make them pay more attention to her but it might also make them uncomfortable. My goal is to lean into that discomfort rather than smooth it over. I want the audience to feel the same friction that she feels every day. It is not just a story about a sad situation, it is a psychological experiment in empathy through dissonance.
Festinger, L. (1957). A theory of cognitive dissonance. Stanford University Press.
Festinger, L., & Carlsmith, J. M. (1959). Cognitive consequences of forced compliance. The Journal of Abnormal and Social Psychology, 58(2), 203–210. https://doi.org/10.1037/h0041593