Month: November 2025

Recently I listened to the 99% Invisible episode “The Help-Yourself City,” and it was much more interesting than I expected. The episode explores DIY urbanism: the little illegal-but-kind-of-understandable interventions people make in cities when official systems fail them. Things like residents painting their own crosswalks because the city won’t, placing traffic cones to reserve parking spots, building unofficial benches in their neighborhood, or taping up handmade signs to guide confused pedestrians.

An interesting point that was made was that people reshape their environments not out of rebellion (okay, sometimes out of rebellion) but mostly out of necessity. They see a problem, feel unheard, and then just decide to fix it themselves. And suddenly the city becomes this playground of small, improvised design decisions made by people who would never call themselves designers.

Listening to this made me realize how often design is treated as a top-down discipline. We create systems, UIs, layouts, streets, signs, apps — and expect users to adapt. But this episode flips the table: users constantly adapt our designs by bending them, hacking them, “misusing” them. The city becomes a reminder that “user behavior” isn’t just something to accommodate; it’s something to learn from. These tiny interventions show what people actually need, beyond what official planning claims to provide.

The creative impulse I took from this was that design should invite appropriation instead of resisting it. If people are modifying their surroundings, there’s a gap in the design. And that gap isn’t a failure — it’s a piece of insight.

For my own work I should more often ask myself: How could people misappropriate my work? How could they “co-design” it? How can I create systems that allow for bending, customizing, hacking — or at least acknowledging that this will happen anyway. The city doesn’t fight back when someone zip-ties a DIY sign to a lamppost. It just absorbs it. Maybe more digital products should behave like that, too: more porous, more flexible, more willing to be reshaped.

There’s also something philosophically beautiful about the idea that design doesn’t end when we’re done designing. The world edits it afterwards. And maybe the best designs are the ones that tolerate — or even encourage — these edits.

A while ago I saw a youtube video about a survival guide to the brainrot apocalypse (https://youtu.be/6fj-OJ6RcNQ?si=RnQvDCDZ1GuJucp7) and it had an interesting section which talked about replacing doomscrolling with reading about fallacies and scientific articles. That’s how and why I came across and read this particular paper: “Slow Design for Meaningful Interactions“.

It left me thinking about a design philosophy I usually associate with niche craft projects, not mass-produced consumer products. The authors explore how the principles of Slow Design — a movement rooted in slowing down, creating awareness, and fostering more reflective, meaningful engagement — can be applied even to everyday appliances like a juicer. At first, this seems counterintuitive: mass-produced objects are designed to be efficient, convenient, and fast. But the paper argues that slowing down the right parts of an interaction can actually increase product attachment and ultimately lead to more sustainable behavior.

Slow doesn’t mean forcing the user to waste time. Instead, it means enriching the moments that are already meaningful. For a juicer, the meaningful moment isn’t the cleaning or the storing — it’s watching the fruit transform into juice and feeling connected to the process. The study reveals that people enjoy activities that slow them down when they choose them, like preparing coffee on a quiet weekend morning, paying attention to small details, or creating something with their hands. That insight became the backbone for reinterpreting the original Slow Design principles into more actionable ones: reveal, expand, reflect, engage, participate, evolve, and a new one — ritual. These were then used to redesign a juicer in a way that makes the user more involved, more aware of what’s happening inside the device, and more inclined to treat it as a long-term companion rather than something to eventually discard.

This made me rethink the moments in my own design projects where I rush to try to optimize everything. Friction is often treated as something to eliminate, but the paper reframes certain types of friction as opportunities for reflection, connection, or even emotional durability. It made me wonder where I can intentionally slow down an interaction — not to make it harder, but to make it more meaningful. A subtle animation that reveals a system’s inner workings, a gesture that requires a moment of intention, or a small ritual embedded in the interface could shift the user from passive consumption to mindful engagement.

Der Vortrag von Mike Monteiro war für mich nichts neues aber hat mich an einen wesentlichen grundsatz erinnert den wir alle mit uns tragen sollten im Design. Während viele Design-Talks sich um neue Tools, Trends oder Best Practices drehen, geht es hier um moralische Verantwortung und darum, dass Designer*innen oft vergessen, welche Wirkung ihre Arbeit in der echten Welt hat.

Monteiro startet seinen Talk direkt recht provokant: “Designer*innen zerstören die Welt nicht, weil sie schlecht designen — sondern weil sie nicht über die Konsequenzen ihres Designs nachdenken“.

„You are responsible for what you put into the world.“

Einer der stärksten Punkte im Vortrag war die Aussage, dass Design kein neutraler Akt ist. Jede Entscheidung die getroffen wird — sei es ein Button, ein Algorithmus, ein Interface oder eine komplette Plattform — hat reale Folgen:

• Sie beeinflusst, wie Menschen handeln.
• Sie beeinflusst, welche Informationen sichtbar werden.
• Sie beeinflusst, wer Zugang bekommt — und wer ausgeschlossen wird.

Monteiro zeigt Beispiele von Unternehmen, die durch bewusstes Wegschauen oder blinden Gehorsam Designs entwickelt haben, die massiven Schaden angerichtet haben. Er spricht über Social Media Plattformen, die Hass und Manipulation verstärken. Über Dark Patterns, die Menschen in Abos oder Systeme drängen. Und darüber, dass all diese Systeme nicht zufällig entstanden sind sondern bewusst designed wurden.

Designer*innen haben mehr Macht, als sie glauben. Und zu oft geben sie diese Macht freiwillig ab. Monteiro kritisiert, dass viele Designer*innen „Professionalität“ als Ausrede nutzen. Sätze wie “Ich mach nur was der Kunde will” oder “Ich bin nur Designer, ich entscheide das nicht” sind nur Ausreden die es einem ermöglichen ethische Verantwortung abzugeben. Architekt*innen würden auch keine einsturzgefährdende Gebäude entwerfen nur weil der Kunde es so will.

Ein Gedanke, der wichtig ist sich immer wieder in den Kopf zu rufen ist, dass Design immer politisch ist. Monteiro sagt ganz klar: “Wenn wir etwas bauen, das Millionen an Menschen benutzen, dann gestalten wir Strukturen, Verhalten und Systeme mit.”
Und damit nehmen wir Einfluss auf unsere Gesellschaft.

Einer der wichtigsten Impulse aus dem Talk: “Designer*innen dürfen — und sollen — Nein sagen.”

• Nicht jeder Auftrag ist moralisch vertretbar.
• Nicht jeder Kunde hat gute Absichten.
• Nicht jedes Produkt sollte existieren.

Monteiro ruft dazu auf, sich bewusst zu machen, für welche Art Welt man arbeiten möchte. Und sich bewusst dagegen zu entscheiden, Dinge zu bauen, die Menschen schaden, ausbeuten oder manipulieren. Er sagt auch: “Wir brauchen weniger Designerinnen, die Dienstleister sind — und mehr, die als verantwortliche Expertinnen auftreten.”

Was mir wieder klar geworden ist, ist dass ich viel öfter über die Konsequenzen meiner Arbeit nachdenken sollte. Nicht nur über das Interface, die Experience oder die Conversion Rate, sondern auch darüber welche Verhaltensweisen ich mit meinem Design fördere, welche Menschen ausgeschlossen werden und welche Probleme durch mein Design in der realen Welt entstehen könnten.

Während ich im letzten Blog-Post schon näher darauf eingegangen bin, warum Lichtmesser, egal welcher Art, ein essenzielles Tool für professionelles Filmmaking sind, möchte ich deren Einsatzgebiete in diesem Blog-Post noch etwas ausführen. Jetzt da klar ist was Belichtungsmesser sind und wie sie eingesetzt werden, kommt ja erst die wahre Kunst ins Spiel, nämlich das Bild mit Licht zu kreieren.

Hierzu schlägt Christopher Chomyn von der ASC vor, das sogenannte “Zone System” anzuwenden. Dazu wird das Bild in verschiedene Helligkeitsbereiche, also “Zonen” eingeteilt. Jede dieser Zonen repräsentiert dabei einen Stop an Licht, hat die Kamera mit der man Arbeit also zum Beispiel 14 Stops an Dynamic Range, würde man das resultierende Bild in 14 Zonen unterteilen, wovon die unterste schwarz und die oberste weiß ist.¹ Diese Herangehensweise, habe ich so noch nie gehört (zumindest als “Zonen System”), ähnelt dabei aber sehr vielen anderen Ansätzen. So ist im Grunde False Color ja auch nichts anderes, als ein Tool, das einem das Bild in genau solche Zonen unterteilt, auch wenn False Color dabei ja das IRE System verwendet und somit quasi unabhängig von der Dynamic Range des jeweiligen Sensors mit jeder Kamera funktioniert. Auch hat mich die Herangehensweise an jene vom Wandering DP erinnert, dieser spricht ja eigentlich immer nur davon, dass er in jedem Shot die maximale Anzahl von Kontrastunterschieden haben will, also wenn man das Bild von links nach rechts liest, so viele Abwechslungen zwischen hell und dunkel wie möglich. Im Grunde ist das Zonen-System hier nichts anderes, da es diese Kontrastunterschiede nur noch einmal herausstreicht.

Bleibt man bei dieser Herangehensweise, so sind für die Feststellung der Zonen natürlich vor allem Lichtmesser interessant, die das von der Szene reflektierte Licht (und damit ja quasi direkt die jeweilige Zone) ermitteln. Der Umgang mit diesen, so Chomyn, ist zwar etwas umständlich, hat man ihn aber einmal verstanden, auch irgendwo logisch. Im Grunde kann man modernen Lichtmessern die Parameter seiner Kamera einfach sagen, also jene die sich zwischen den Shots im Normalfall nie verändern, nämlich den Shutterspeed und die ISO-Empfindlichkeit. Beim Messen hält man den Lichtmesser dann in Richtung der gewünschten Stelle und dieser Spuckt einen Blendenwert aus, nämlich jenen Blendenwert, den man benutzen müsste, um diese Stelle genau als middle grey darzustellen, ganz egal ob dieser Bereich nun wirklich grau ist oder nicht. Heißt auf Deutsch: Der gemessene F-Stop muss erst interpretiert werden, um damit arbeiten zu können. Misst man etwa eine weiße Wand, und möchte, dass diese auch als weiße Wand im Film wiedergegeben wird, müsste man den gemessenen Wert um 3-4 Stops erhöhen um vom Messwert (Mittelgrau) auf den gewünschten (Weiß) zu kommen, und so weiter.² Dies erfordert natürlich auch genaue Kenntnis über die eigene Kamera und ihre dynamic range. Hat man diese Erfahrungen jedoch gemacht und das System gemeistert, gibt es wohl kaum einen genaueren Weg um das Bild genau so zu bauen, wie es einem beliebt.

Eine weitere Überlegung bei der Belichtung ist aber auch eine gewollte Über- oder Unterbelichtung, vor allem das allseits bekannte ETTR. Zu diesem hat Chomyn aber auch interessante Überlegungen angestellt, auf die ich wohl erst durch eigene Fehler selbst gekommen wäre. Im Grunde geht es bei ETTR ja um nichts anderes, als so hell wie möglich zu belichten, ohne die Highlights zu klippen, um das gesamte Bild über den noise-floor der Kamera zu bringen und später dann in der Helligkeit anzupassen. Grundsätzlich ist das nichts schlechtes, es kann aber auch zu Problemen führen. Denn viel schlimmer als starker Noise im Bild, so Chomyn, ist verschieden starker Noise in aufeinanderfolgenden Shots. Und gerade bei ETTR könnte dies auftreten. Etwa wenn man eine Szene filmt, in der jemand zuerst in einem düsteren Raum sitzt, bis ein andere Person zum Beispiel die Rollo hinaufzieht. Im ersten, düsteren Shot, würde man extrem überbelichten, um die Schatten komplett hinaufzubekommen, weil man ja auch keine hellen Stellen im Bild hat, die potenziell klippen könnten. Behält man diese Belichtung bei, wenn die Rollo hinaufgeht, würde aber natürlich alles sofort ausbrennen, daher müsste man für den zweiten Shot die Belichtung dahingehend anpassen, dass auch die neue Lichtquelle von draußen nicht clipped. Das würde natürlich eine viel dunklere Belichtung für den Innenraum, und daher viel mehr Noise bedeuten. Vermutlich sogar einen so großen Unterschied, dass es völlig amateurhaft aussieht. Chomyn empfiehlt daher ETTR in ausgewählten Sequenzen einzusetzen, in denen es möglich ist, aber nicht immer anzuwenden.³

1. Vgl. Chomyn, Christopher: Measuring Light. In: Mullen, Merritt David (Hrsg.) und Hummel, Rob (Hrsg.): American Cinematographer Manual. Eleventh Edition. Los Angeles: The ASC Press 2023. S. 89-91. ↩︎
2. Vgl. Ebda. S. 96-98. ↩︎
3. Vgl. Ebda. S. 100-102. ↩︎