Category: Communication Design

When I look back at Vertigo, the project that took place as part of the Klanglicht Festival in Graz, I don’t just remember the long working days and tight deadlines, but I remember the feeling of being part of something real. Together with a Elisabeth Seiler, I had the opportunity to develop the corporate identity for Vertigo, the sound and visual project by Media, Sound and Interactiondesign realized inside the St. Antonius Church.

Real project – real deadlines

The special thing at this project was, that it wasn’t a classroom simulation. It was part of Klanglicht, a real festival with real deadlines and an actual audience. And perfectly suited as portfolio work. We were responsible for everything related to visual communication like:

• Branding and logo design
• Posters, flyers, and stickers
• Wayfinding banner for the exhibition space
• Screen animations for digital displays (in collaboration)
• and social media content to promote the event.

The scope was huge and challenging but also incredibly valuable. It was very imporant that the design not just look “good”, but also work: it had to be recognizable, consistent, and evoke the right atmosphere while fitting into the overall Klanglicht visual world.

Atmosphere and concept

The theme Vertigo – meaning dizziness, disorientation, the play with perception and space – was something we wanted to make tangible through our design. We tried to translate this feeling visually: through sharp forms, splinter effect, and imbalances in composition. The effect, as well as the bright colors used, should also visualize the students’ project.

When we finally saw the finished exhibition in the St. Antonius Church, it was fascinating to experience how sound, light, space, and design all came together. Each installation had its own language, yet everything was connected through the shared theme.

Our Work Phase

At the beginning, we actually started with a completely different concept than the one we eventually realized. Our first idea was to work with 3D particles, animate them, and use the resulting visuals as the basis for our posters. However, it quickly became clear that the time we had was far too short for that approach. Both technically and conceptually, we just weren’t making enough progress. Looking back, I’m actually glad we decided to let that idea go, because the concept that followed fit the project so much better and felt much more authentic to both of us.

We began experimenting with splinter effects in After Effects, testing out countless colors and shapes until we found a visual language that captured the feeling of Vertigo. From there, we created the brandmark using the same visual effect and animated it to form the foundation of our entire corporate design.

Once that core was established, we moved on to the layout for posters and flyers, which had top priority. In between, we had several feedback sessions, where we refined details and adjusted compositions. After receiving final approval, everything had to move fast – printing deadlines were approaching and we only had a few days left. At the same time, we worked on banners, wayfinding elements, and animated content for social media. Toward the end, we also designed the screen visuals, which were later animated by Roman.

Finally came the setup phase. We painted the poster stands ourselves, which turned out to be a lot more work than expected, and spent the day before the festival installing everything around the church. Seeing all the printed materials in place and how they transformed the space into an exhibition atmosphere was incredibly rewarding. It was the moment when all our work finally came to life.

What I took away from this project

Even though Vertigo isn’t directly related to my planned master’s thesis, this project was very important to me. Working on it showed me how crucial a well-thought-out concept is, one that is backed by a clear idea and attitude. Working on a real project was challenging, but also extremely educational. We had to react quickly, find solutions, and still remain consistent in our design. An experience that gave me a lot of confidence.

Since I probably want to use animations in my master’s thesis, Vertigo was particularly valuable in this regard. We worked intensively with After Effects, and I was able to learn a lot, technical know-how, but also a better understanding of how movement can enhance mood and meaning. This knowledge will be enormously helpful for my future project work.

This project was a step toward professional practice, and at the same time, a creative experience that helped me grow as a designer. The process was intense and sometimes stressful, as we had very little time and the communication channels were often quite spontaneous and unstructured. Nevertheless, it was an incredibly rewarding experience, and we’re genuinely proud of the final result.

Bewertet wird im folgenden die Masterarbeit „Der Einfluss von Charakteren im visuellen Storytelling auf das Social Media Engagement auf Instagram am Beispiel der Kosmetikbranche“ von Alexandra Golser aus dem Jahr 2024.

Autorin: Kimberly Duck
Titel: WOOOOORRMMHOOOLLEESS
Erscheinungsjahr: 2025
Hochschule: Rhode Island School of Design (RISD)
Master: Master of Fine Arts (MFA) – Graphic Design
Quelle: https://digitalcommons.risd.edu/masterstheses/1430

Die Masterarbeit WOOOOORRMMHOOOLLEESS von Kimberly Duck beschäftigt sich mit der Frage, wie digitale und physische Realitäten zunehmend ineinander übergehen und wie diese Übergänge: die „Wormholes“ als gestalterische und konzeptionelle Methode verstanden werden können. Die Autorin nutzt dabei den Begriff „Wormhole“ sowohl als Metapher als auch als Methodologie, um das Erleben von Zwischenräumen, Übergängen und Irritationen in digitalen Räumen zu erforschen. Das Werkstück ist die Arbeit selbst: eine experimentell gestaltete, visuell überladene, fast performative Publikation.

Gestaltungshöhe
Gestalterisch ist die Arbeit auf hohem Niveau. Sie ist mutig, auffällig und konsequent umgesetzt. Allerdings wirkt sie stellenweise überladen, vielleicht bewusst „freaky“, aber dadurch etwas unruhig. Trotzdem passt dieser Stil gut zur Idee der Arbeit und spiegelt das Konzept des „Wurmlochs“ formal wider.

Innovationsgrad
Das Thema ist originell und aktuell. „Wormholes“ als gestalterisches Prinzip zu sehen, ist ein spannender Ansatz, der das Denken über digitale Räume erweitert. Besonders interessant finde ich, dass sie Theorie, Popkultur und Design sehr frei miteinander verknüpft, aber dennoch einem roten Faden folgt.

Selbstständigkeit
Die Arbeit wirkt sehr eigenständig. Man merkt, dass sie nicht versucht, Erwartungen zu erfüllen, sondern ihren eigenen Zugang wählt. Der Ton, die Gestaltung und das Denken sind ganz klar ihre Handschrift.

Gliederung und Struktur
Die Struktur ist eher offen, weniger wie eine klassische wissenschaftliche Arbeit, mehr wie ein Essay oder ein künstlerisches Manifest. Das passt zum Thema, macht es aber manchmal schwer, einer klaren Argumentation zu folgen. Beim Lesen habe ich mir oftmals die Frage gestellt, ob diese Arbeit in einem österreichischen Kontext schon als zu experimentell angesehen werden würde, aber für eine Designhochschule wie RISD scheint es zu funktionieren. 

Kommunikationsgrad
Sprachlich ist die Arbeit sehr zugänglich und unterhaltsam. Sie schreibt fast erzählerisch, was die Aufmerksamkeit hält. Ich finde das angenehm zu lesen, auch wenn es wissenschaftlich vielleicht etwas zu locker ist. Trotzdem zeigt sie damit, dass man Theorie auch auf kreative Weise vermitteln kann.

Orthographie, Sorgfalt und Genauigkeit
Der Umfang wirkt passend, die Arbeit ist sorgfältig gestaltet. Sprachlich ist alles korrekt, aber sie legt mehr Wert auf Ausdruck und Rhythmus als auf formale Strenge, was in diesem Kontext in Ordnung ist.

Literatur
Die verwendeten Quellen sind vielfältig und passend zum Thema. Sie zitiert sowohl theoretische Texte als auch visuelle Referenzen, wodurch die Arbeit lebendig und gut verankert wirkt.

Abschließende Einschätzung
WOOOOORRMMHOOOLLEESS ist mutig, verspielt und sehr eigen. Manche gestalterischen Entscheidungen wirken etwas übertrieben, trotzdem bleibt die Arbeit sehr spannend. Für meine eigene Thesis nehme ich mit, dass es okay ist, eine persönliche Stimme zu haben und Gestaltung auch als Denkform einzusetzen, solange die Idee klar bleibt.

Diesen Satz fand ich besonders schön: „Our current reality is ruled by multitudes with varying frameworks, and the internet intensifies this exponentially. In the age of blurred lines, where the physical and the digital merge and exist in unison, I choose to be optimistically critical.“ Gerade diese Themen und Schnittpunkte finde ich selbst spannend, aber auch herausfordernd für meine eigene Themenwahl. Die Autorin hat es geschafft, ein sehr abstraktes und freies Thema präzise und greifbar zu formulieren. Auch wenn man sicher manches kritisch sehen kann, hat mir ihre Arbeit eine neue Perspektive eröffnet und gezeigt, wie vielfältig die Möglichkeiten in diesem Bereich eigentlich sind.

Titel: Design und Sein – Was ist (gutes) Design? – Zwischen Funktionalität und Ästhetik

Autorin: Kira Junker

Technische Hochschule Ostwestfalen-Lippe

Studiengang Medienproduktion

Jahr: 2025

Link: https://share.google/I1VDqRyrS1o26Pho1

Allgemeiner Überblick

Die Masterarbeit “Design und Sein” beschäftigt sich mit der Hinterfragung von den Fargen “Was ist Design?” und “Was ist eigentlich gutes Design?” und die kritische Auseinandersetzung mit gängigen und idealisierten Designprinzipien.

Gestaltungshöhe

Das Werkstück bedient sich an einem klaren Farbschema und zwei Schriftarten, welches ich durch das gesamte Buch ziehen. Es ist simpel aber effektiv. Außerdem wurde das Werkstück basierend auf der eigenen recherchierten theoretischen Grundlage und schafft daher eine gute balance zwischen Aesthetik und Funktionalität bzw Struktur.

Innovationsgrad

Ich finde den Ansatz sehr spannend, ein Thema zu wählen, zu dem es ja einerseits schon sehr viel Literatur und Recherche zu gibt, diese dann aber sehr kritisch und hinterfragend beäugt wird. Direkt am Anfang wird erwähnt, welche Literatur Inspiration für die Masterarbeit waren und ich finde dass die Masterarbeit sich nicht sehr stark von der Thematik abhebt, sondern sehr ähnlich wie jene aufgebaut ist. Daher kann man argumentieren, dass die Fragestellung nicht viel Innovation aufzeigt, dei Autorin aber dennoch viel eigene Recherche und ein Werstück erstellt hat.

Selbstständigkeit

Die Autorin versucht selbstständig einen eineitlichen Weg für Design zu finden bzw den gängigen zu hinterfragen und bezieht sich dabei auf verschiedene philosophische Ansätze. Andererseits, wie schon gesagt, finde ich dass bei der Fragestellung mehr auf Selbstständigkeit hätte geachtet werden können um dem ganzen eine eigene Handschrift zu geben.

Für das Werkstück hat die Autorin ein gängiges modell genutzt um Zielgruppen zu analysieren und damit drei Personas erstellt, welche sehr passend sind und die selbstständigkeit dieser Analyse zeigen.

Gliederung und Struktur

Es gibt kein Abstract oder eine typische Einleitung, sondern es wird mit der Motivation der Autorin gestartet. Außerdem wurde die Arbeit in zwei Hauptteile unterstrukturiert, Inhalt A (Recherche und Theoriebezug hin zu einem Fazit) und Inhalt B (Beschreibung und Entwicklung des Werkstücks “Design & Sein: Eine philosophische Reise). Auch eine klare Fragestellung oder Hypothese gibt es nicht, was mich etwas irritiert hat.

Kommunikationsgrad

Die Arbeit ist sehr leicht verständlich geschrieben und auch strukturell Leicht verständlich gemacht. Ich finde es teils etwas schwer, von Kapitel zu kapitel zu folgen, da es keine klaren Übergange oder Erklärungen gibt.

Umfang der Arbeit

Die Autorin zitiert sehr viele Theories und Meinungen, aber nur kurz erklärt und angestoßen, mir fehlt da etwas die Tiefe, mit der das gesammelte Wissen dann irgendwie interpretiert und analysiert werden könnte.

Orthographie, Sorgfalt und Genauigkeit

Die Masterarbeit ist genau und sorgfältig, es gibt keine erkennbaren Rechtschreibfehler, Sprache ist zwar Leicht verständlich und trotzdem ausreichend und passend für eine Masterarbeit. Das layout und die verschiedenen Kapitel sind klar und verständlich gestaltet und gut zu verfolgen.

Literatur

Das Literaturverzeichnis ist relative klein, die Autorin hat dort nur 24 Quellen aufgelistet, welche aber fast ausschließlich Fachliteratur oder Bücher sind.

Beurteilung des Werkstücks

Durch das Fehlen einer zentralen Fragestellung, ist mir der Sinn des Werkstücks nicht ganz klar. Laut der Autorin ist das Buch eine “visuelle und inhaltliche Reflexion über die Disziplin Design”. Das Buch ist gestalterisch schön und passend, es ist angepasst an eine analysierte Zielgruppe und fasst die Erkenntnisse der Arbeit zusammen. Insgesamt also ein gutes Werkstück.

Meine persönliche Gesamtbewertung

Mir gefällt an der Masterarbeit besonders, dass sie Design nicht nur functional  sondern auch philosophisch betrachtet und versucht eine Brücke zwischen Ästhetik, Theorie und Funktionalität zu schlagen. Die Gestaltung ist ruhig, klar und konsequent, was gut zur Thematik passt.

Inhaltlich hätte ich mir jedoch eine klarere Fragestellung und eine tiefere kritische Auseinandersetzung mit der vorhandenen Literatur gewünscht. Gerade bei einem Thema, das so breit diskutiert ist, wäre eine stärkere persönliche Position oder ein experimentellerer Ansatz spannend gewesen.

Insgesamt hinterlässt die Arbeit aber einen sehr positiven Eindruck. Sie ist sorgfältig, verständlich und gestalterisch überzeugend geschrieben und man merkt, dass viel Reflexion, Interesse und Neugier am Thema eingeflossen sind.

Note: 2

i started reading a book to get new inspiration for my master’s thesis project. my next blog post will just be about some quotes, words, and thoughts from the book (weltentwerfen. eine politische designtheorie, friedrich von borries) that i find interesting. i’ll also include a kind of “free-flowing” summary of everything that comes to my mind randomly but feels inspiring. i will save these impressions under the category “random inspirations.”

book:
weltentwerfen. eine politische designtheorie, friedrich von borries

short facts about friedrich von borries:
friedrich von borries, born in 1974 in berlin, is a professor of design theory at the university of fine arts hamburg (hfbk). as a researcher and designer, he operates in the socio-political border areas of architecture, design, and art.

„als wissenschaftler versuche ich, die welt zu verstehen. als gestalter versuche ich, sie zu verändern. deshalb setze ich mich forschend und entwerfend mit politischen fragen auseinander, die unsere gegenwart bestimmen“
(friedrich von borries, about, https://www.friedrichvonborries.de/de/about)

quotes from the book:
„alles was gestaltet ist, entwirft und unterwirft. design ist von dieser gegensätzlichkeit grundlegend geprägt. sie bedingt freiheit und unfreiheit, macht und ohnmacht, unterdrückung und widerstand. sie ist das politische wesen von design.“
(friedrich von borries, weltentwerfen. eine politische designtheorie, klappentext, berlin: suhrkamp verlag, aktuelle auflage vom 26. 11. 2024)

„entwerfen ist das gegenteil von unterwerfen. entwerfen. unterwerfen. alles, was gestaltet ist, unterwirft uns unter seine bedingungen. gleichzeitig befreit uns das gestaltete aus dem zustand der unterwerfung, der unterworfenheit. design schafft freiheit, design ermöglicht handlungen, die zuvor nicht möglich oder nicht denkbar waren. indem es dies tut, begrenzt es aber auch den möglichkeitsraum, weil es neue bedingungen schafft. alles, was gestaltet ist, entwirft und unterwirft. design ist von dieser sich bedingenden und ausschließenden gegensätzlichkeit grundlegend geprägt.“
(friedrich von borries, weltentwerfen. eine politische designtheorie, berlin: suhrkamp verlag, aktuelle auflage vom 26. 11. 2024, s. 9 f.)

random inspirations:
erleben, erproben, testen (to experience, to prove, to test)

Titel: The Development of Digital Forms of Illustration and Their Impact on Print Publishing from 1990 to the Present, with Particular Reference to Children’s Books

Einführung

Lichiou Chens Masterarbeit untersucht die Entwicklung digitaler Illustrationsformen seit den 1990er-Jahren und deren Einfluss auf die Verlagsbranche, insbesondere im Bereich der Kinderbuchillustration. Die Autorin kombiniert Theorie mit einem praktischen Werkstück, das aus digital illustrierten Beispielen besteht. Die Arbeit ist in zwei Bände gegliedert: Der erste Band widmet sich der theoretischen und historischen Einordnung, während der zweite Band den praktischen Teil enthält. Die Aufteilung hilft, das Nachdenken über das Thema und die eigentliche Gestaltung klar zu trennen.

Bewertung nach CMS-Kriterien

1. Gestaltungshöhe – Qualität und Anspruch der Gesamtdarstellung

Die Autorin zeigt ein gutes Verständnis für die gestalterischen Möglichkeiten digitaler Illustration. Besonders überzeugend ist die Reflexion über Material und Textur im Digitalen. Die im zweiten Band präsentierten Arbeiten sind technisch gut ausgeführt, zeigen jedoch teilweise eine eher klassische Bildsprache, die an analoge Illustrationen erinnert. Der ästhetische Anspruch ist hoch, die stilistische Vielfalt hingegen etwas begrenzt.
Bewertung: 4/5

2. Innovationsgrad – Neuigkeitswert und Beitrag zum Forschungsfeld

Im Jahr 2008 war das Thema besonders aktuell, denn die Digitalisierung veränderte die Kinderbuchproduktion stark. Chen leistet dazu einen wichtigen Beitrag, indem sie den Übergang von traditionellen zu digitalen Techniken genau beschreibt. Allerdings bleibt ihr theoretischer Ansatz eher beschreibend als analytisch. Eine stärkere Auseinandersetzung mit methodischen Fragen, zum Beispiel zu etwa zu Produktionsbedingungen, hätte den wissenschaftlichen Wert noch erhöht.
Bewertung: 3/5

3. Selbstständigkeit – Eigenständige Leistung und Unabhängigkeit

Die Arbeit wirkt sehr sorgfältig und selbstständig durchgeführt. Die Autorin nutzt viele Praxisbeispiele und eigene Illustrationen, was ihre eigenständige künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema zeigt.
Bewertung: 5/5

4. Gliederung und Struktur – Logischer Aufbau und Nachvollziehbarkeit

Die Arbeit ist klar aufgebaut: Sie beginnt mit einer Einführung, behandelt technische Entwicklungen, zeigt Beispiele und beschreibt die praktische Umsetzung. Die Argumentation ist insgesamt verständlich, auch wenn es im theoretischen Teil manche Wiederholungen gibt.
Bewertung: 4/5

5. Kommunikationsgrad – Verständlichkeit, Ausdruck und Darstellungsweise

Die Autorin schreibt klar und gut verständlich. Fachbegriffe aus Illustration und Publishing erklärt sie, die Sprache bleibt trotzdem leicht zugänglich. Die Visualisierungen und Abbildungen sind sinnvoll eingebunden und beschrieben. Manchmal sind die Sätze etwas kompliziert und lang formuliert. Kürzere Texte hätten die Lesbarkeit verbessert.
Bewertung: 3/5

6. Umfang der Arbeit – Angemessenheit in Relation zum Thema

Die Masterarbeit besteht aus zwei umfangreichen Teilen und verbindet Theorie und Praxis gut miteinander. Der Umfang passt zum Thema und zeigt, dass die Arbeit ausreichend bearbeitet wurde.
Bewertung: 5/5

7. Orthographie sowie Sorgfalt und Genauigkeit – Sprachliche Korrektheit und formale Präzision

Die Arbeit wirkt durchgehend formal sehr sorgfältig erstellt. Quellenangaben, Zitation und Layout entsprechen den akademischen Standards.
Bewertung: 5/5

8. Literatur – Qualität, Relevanz und Vollständigkeit der herangezogenen Quellen

Chen nutzt eine gute Mischung aus Fachliteratur, Design-Publikationen und aktuellen Quellen. Es wird viel Sekundärliteratur genutzt. Eine kritischere Bewertung der Quellen hätte die theoretische Tiefe der Arbeit erhöht.
Bewertung: 3/5

Abschließende Bewertung

Lichiou Chens Masterarbeit ist eine gut recherchierte und gestalterisch überzeugende Untersuchung zur Veränderung der Illustration im digitalen Zeitalter. Die Kombination von Theorie und Praxis zeigt, wie viel man durch gestalterische Forschung lernen kann.

Stärken:

• Illustrationen sind ansprechend und technisch gut umgesetzt
• Arbeit ist klar strukturiert und gut verständlich
• Thema ist relevant und praxisnah

Schwächen:

• Theorie bleibt eher beschreibend, wenig neue Ansätze
• Praktische Umsetzung zeigt wenig stilistische Abwechslung
• Manche Inhalte im Text werden wiederholt

Gesamturteil:
Ich würde die Masterarbeit als eine gute und durchdachte Untersuchung zu dem Thema einstufen. Sie enthält besonders für 2008 wichitge Informationen und Beschreibungen über digitale Illustrationsformen, die zu dieser Zeit wichitg für die Buch Branche waren. Die gestalterische Umsetzung verbindet die Praxis mit der Theorie und enthält sehr gute Beispiel über die Ausarbeitung von digitalen Illustrationen.

Da sich meine Arbeit ebenfalls mit dem Thema „Illustrationen in Büchern“ beschäftigt, war es sehr interessant, mich mit dieser Masterarbeit auseinanderzusetzen und einen Einblick zu gewinnen. Besonders gelungen finde ich die Aufteilung in zwei Teile: Theorie und Praxis. Allerdings ist der theoretische Teil, da die Arbeit aus dem Jahr 2008 stammt, heute nicht mehr ganz aktuell. Er zeigt aber eindrücklich, wie wichtig der Wandel durch die Digitalisierung damals war, vergleichbar mit den heutigen Veränderungen durch KI.

Gesamtbewertung: 4/5

Titel: Trauerbewältigung: Rituale und Aufgaben zur Annahme von Trauer in der psychologischen Beratung
Masterarbeit, Universität Graz (2022)
Verfasserin: Niederdorfer, Sabine
Begutachterin: Friehs, Barbara

Wie können Menschen lernen, mit Verlust umzugehen? Und was kann man aus psychologischer Forschung über Trauer für das eigene Produktdesign (Erinnerungsbox) und Masterarbeit im Bereich Erinnerung und Emotion mitnehmen?

Inhalt und Aufbau
Die Masterarbeit befasst sich mit der Frage, wie psychologische Beratung Menschen dabei unterstützt, Trauer anzunehmen und zu verarbeiten. Sie betrachtet verschiedene Trauermodelle und erklärt, wie Beratungsprozesse helfen können, emotionale Stabilität nach einem Verlust wiederzufinden.

Kritische Bewertung
Gestaltungshöhe:
Die Arbeit ist klassisch aufgebaut und erfüllt alle wissenschaftlichen Standards. Visuelle oder kreative Elemente spielen keine Rolle, im Fokus steht der Inhalt.

Innovationsgrad:
Die Kombination aus Trauerbewältigung und Beratungspsychologie ist kein völlig neuer Ansatz, wird aber sorgfältig und praxisnah behandelt.

Selbstständigkeit:
Die Autorin arbeitet eigenständig, mit klarer Fragestellung und reflektierter Argumentation.

Gliederung und Struktur:
Die Struktur ist logisch aufgebaut, von theoretischer Basis bis zur praktischen Anwendung. Der rote Faden bleibt durchgehend erkennbar.

Kommunikationsgrad:
Die Sprache ist wissenschaftlich, aber verständlich. Fachbegriffe werden erklärt, und der Text ist angenehm zu lesen.

Umfang:
Der Umfang ist stimmig, weder zu kurz noch ausschweifend. Alle relevanten Aspekte werden abgedeckt.

Sorgfalt und Genauigkeit:
Sprachlich sehr sauber, korrekt zitiert und sorgfältig ausgearbeitet.

Literatur:
Die Arbeit nutzt solide psychologische Fachliteratur. Eine Ausweitung auf kultur- oder sozialwissenschaftliche Perspektiven wäre interessant gewesen, um das Thema noch breiter zu fassen.

Fazit und Relevanz für die eigene Masterarbeit
Die Masterarbeit bietet eine fundierte psychologische Grundlage zum Thema Trauer. Für mein eigenes Projekt „Die Erinnerungsbox“ ist sie besonders relevant, weil sie zeigt, wie zentral die bewusste Auseinandersetzung mit Verlust ist. Während die Arbeit selbst theoretisch bleibt, liefert sie wichtige emotionale und inhaltliche Impulse, um ein Produkt zu entwickeln, das Erinnerung, Würdigung und Trauer auf positive Weise verbindet.

Some of my family members are working at St. Stephen’s Cathedral in Vienna, and recently I had a conversation with my father about my thesis idea. We started imagining what could be possible if one were to use projection mapping inside such a monumental building. Almost immediately, he pointed out the practical challenges: projecting onto the walls would be extremely difficult because they are uneven, full of textures, and far from flat. The ceilings, on the other hand, are breathtakingly high — which makes them impressive but almost impossible to reach with simple projection tools. Even though I found the idea of using the walls fascinating, I had to admit that he was right.

That realization pushed me toward a different approach. I remembered projects by MOYA (Museum of Young Art), where very simple objects were transformed through projection. Inspired by this, I decided to scale things down drastically and experiment with something that was not monumental at all, but rather small and manageable: a cardboard cube. I built one myself, placed it on my desk, and tried projecting a cross onto it.

The first test with a candle surprised me. The edges of the projection were soft, and because of the natural flickering of the flame, the cross gained a kind of living quality. It felt fragile yet atmospheric, as if the symbol was breathing. When I tried the same experiment with a flashlight, the result was quite different. The contours were sharp, the cross was perfectly visible, and I could even project across multiple surfaces of the cube without losing clarity. By moving both the light and the stencil, I was able to create more dynamics and test how the projection shifted across the cube’s surfaces. This gave me a better sense of how light interacts with 3D forms, and how movement can add emotional depth to even the simplest projection. Both versions had their own charm, and I found it interesting how much the choice of light source influences the meaning and mood.

Feeling encouraged, I got a little overconfident. I thought: if it works this well, why not take it a step further and project a video with colors and movement onto the cube? So I tried it with my phone. What can I say… it was late in the evening, and I hadn’t really thought it through. Of course, the phone does not project in a focused, directional way but emits light in all directions. The result was disappointing: in the video you can vaguely see the cross, but only if you already know what to look for.

Still, even this “failed” attempt was an important step. It showed me that not every tool is suitable for creating clear and meaningful projections, and that precision matters a lot when working with light. The candle experiment reminded me of atmosphere and symbolism, while the flashlight proved how technical clarity can support the message. The phone experiment, on the other hand, reminded me that enthusiasm sometimes needs to be balanced with patience and planning.

For my next step, I need to think about what kind of projector or light source could give me more control, and how I can combine simplicity with clarity. Even though I started small, these first tests gave me valuable insights into the relationship between light, object, and symbol — the core elements of projection mapping.

Even with all the little hiccups that happened the day of and before, I am extremely happy and proud that everything worked out relatively well. Especially since it all came from the silly idea I had in March, thinking about the design scene in Graz, when I realized I would love to go to something like a Design Sprint in Graz, and realizing that it had not happened yet, decided to take it into my own hands.

It also was a really nice way to leave a tiny little mark on the design people of Graz, before leaving to go to Linz, where nothing ever happens. I am still debating doing a second round in August, but there are just so many people not here during the summer. I think in the beginning of the Semesters, it might work out better and reach more people, especially beginning of winter semester, when a lot of people are new to graz and might want to join events to get to know others, not only to do a silly little design. I am happy I tried though, and will continue to consider it a success 🙂

While I was really happy that everything worked out the way it did, that at least some people came and seemed to have fun (I hope?) and that I actually pushed through organizing this all by myself, there is a lot I would do differently.

1. create more guidelines for people to follow

while I would still not give any concrete rules, I would communicate my idea and the idea of the evening better, give a fixed timeframe for works and communicate beforehand that people should arrive at the start so everyone can begin at the same time

2. promote better

I would spend more time and energy trying to reach different groups of people that maybe are not in direct relation to me. While I enjoyed being with friends and people I already knew in general, since it helped with nervousness, it also made it harder to be more authoritarian, and give “orders” in a way, since the atmosphere was really friendly. I think it might be hard to find a good middle ground. As for advertising, I would try to reach other outlets, like accounts about design on instagram to try and make them share it, or for example maybe even try to get the event to happen at the time of design month, to be included in their event calendar. But additionally, promoting it more in person, going around to different courses and classes at FH, maybe even KF and Ortweinschule to reach people.

3. be more confident

I had a really hard time promoting the event because I wasnt feeling sure about it myself. I had a hard time believing that I would actually pull it off, and that I could manage to create something people would enjoy. I felt like I had to pursue people and convince them to come, when I should have had an attitude that conveyed that the event is extremely cool and that people would be luck to be there.

But things I would still do the same: I really liked the space, I think it worked well because of the location in the city, the possibilities to change and rearrange, and the slight chaotic and messy appearance. For the people that arrived on time, I made them start sketching on paper first, so there were no screens inbetween people sitting across from each other, and they would have an easier time starting to talk about their sketches, if they could each see each others. I really like that part personally, and felt like it helped create a social atmosphere. The music did as well.