Category: Communication Design

Doing silkscreen workshops during the exhibition here has been one of the most grounding experiences of my Erasmus in Graz.

Because silkscreen is slow.

And messy.

And completely unforgiving in the most beautiful way.

As graphic designers, we live in digital overlays. Photoshop layers. Blend modes. Opacity sliders. You can undo everything. You can experiment endlessly without consequence.

Silkscreen doesn’t let you undo.

Every layer matters. Every misalignment becomes part of the composition. Every color interacts physically with the one beneath it.

And that’s where overlays become magical.

When you print one transparent layer over another, something unpredictable happens. Colors mix. Shapes merge. New forms appear. It’s not just addition — it’s transformation.

I became obsessed with transparency.

Printing in layers feels almost philosophical. You have to think ahead. Which color goes first? Which one dominates? What happens when ink overlaps? You’re designing not just shapes, but interactions.

During the exhibition, watching people engage with the prints made me realize something else: physical layers create depth that screens struggle to replicate.

You can see where the ink is thicker. You can feel texture. There’s slight imperfection at the edges. It breathes.

As someone who spends so much time designing digitally, this felt like reconnecting with materiality.

Overlay in silkscreen is not just a visual technique — it’s a metaphor.

We are layers too. Erasmus feels like a layer. Graz is a layer over my home identity. Each city adds color. Each experience shifts tone. Sometimes transparent. Sometimes opaque.

And in exhibition space, printing live or displaying layered prints adds another dimension. The process becomes visible. The audience sees the construction.

In digital design, the process is hidden. In silkscreen, it’s embedded in the final piece.

There’s something humbling about pulling the screen down, pressing ink through mesh, lifting it, and not knowing 100% what you’ll get.

It forces you to let go of control.

And maybe that’s the biggest lesson.

Layering isn’t just aesthetic. It’s about trust — trusting that what overlaps will create something richer, not chaotic.

Since these workshops, I’ve started thinking differently about my digital work too. Instead of flattening everything, I’m embracing translucency, grain, texture, imperfection.

Maybe good design isn’t about perfect alignment.

Maybe it’s about tension between layers.

I read The Alchemist again while here.

And yes, I know. Some people think it’s cliché. Some people think it’s overrated. But reading it as again hits differently.

The whole book is basically about following your “Personal Legend.” Which sounds dramatic. But when you’re living in another country, slightly unstable, slightly unsure about your future, it feels very real.

Desert landscapes. The sun. Alchemy symbols. Wind. Gold. It reads almost like a storyboard. Every scene feels like it could be translated into a poster or a visual identity system.

The idea of transformation — turning metal into gold — is such a powerful metaphor for creative work. We take raw ideas, messy sketches, doubts, and somehow refine them into something valuable.

But the book also talks about fear. Fear of failure. Fear of success. Fear of leaving comfort behind.

Erasmus feels like that too. You leave your known environment. You step into uncertainty. And you trust that something meaningful will come from it.

From a design perspective, I love how simple the narrative is. It’s almost minimal. No excessive complexity. And yet it resonates globally. That’s a lesson: clarity doesn’t mean superficial.

Sometimes the most powerful concepts are archetypal and universal.

Reading it here in Graz, sitting in cafés with my sketchbook, I felt strangely aligned with Santiago wandering the desert. Not literally — Austria is very green — but metaphorically.

Being an artist is a bit like being an alchemist. You chase invisible things. You trust intuition. You turn experience into form.

And maybe that’s the real gold.

Book info: https://paulocoelho.com/the-alchemist

One thing Erasmus is teaching me is that culture is not just exhibitions in white cubes. It’s spaces. Physical spaces that breathe.

Elefsina (Eleusis) in Greece becoming European Capital of Culture 2023 was already fascinating because it’s not the “obvious” cultural capital. It’s industrial. Raw. Layered with mythology and heavy history.

Then projects like Culterra and collaborations with Toestand add another layer: reclaiming industrial or abandoned spaces and turning them into living cultural ecosystems.

As a graphic designer, I’m obsessed with how space shapes identity.

A cultural space is like a brand — but organic. It has texture. History. Community. Improvised posters on walls. Stickers on doors. Layers of typography built over time.

Toestand (https://www.toestand.be) works with temporary use of empty buildings, transforming them into social-cultural hubs. That concept alone is design poetry. It’s adaptive reuse, but for community energy.

Elefsina info: https://eleusis2023.eu

What inspires me is the visual language that grows from these places. It’s not corporate branding. It’s messy, collaborative, alive. Hand-painted signs next to professionally designed posters. Multiple languages layered over each other.

Being in Graz and visiting different cultural spaces here makes me more aware of how important physical environments are for creativity. A city shapes your output. A building shapes your mood. A community shapes your aesthetic.

Design isn’t just what hangs on the wall. It’s how the wall itself feels.

Elefsina and similar projects show that culture doesn’t need to be polished to be powerful. Sometimes industrial dust and community energy are stronger than any luxury gallery.

As an artist, that’s comforting. It means space for experimentation still exists.

Okay. I need to admit something.

I didn’t start watching Supernatural thinking it would influence my visual language as a graphic designer. I thought it would just be comfort binge material while I’m on Erasmus in Graz, avoiding my deadlines.

But somehow, between demons, salt circles, and emotionally damaged brothers, it completely shifted how I think about atmosphere in design.

Supernatural isn’t just about monsters. It’s about mood.

The lighting is always slightly off. Warm but shadow-heavy. Dark forests. Empty highways. Flickering motel lights. The visual identity of the show is consistent in a way that feels almost like branding.

And that’s what hit me.

Every episode feels cohesive because of atmosphere, not just storyline. The color palette leans into deep browns, muted blues, golden headlights cutting through darkness. Even the typography in the intro — that burning, cracking effect — sets a tone before the narrative even begins.

As a graphic designer, I think a lot about visual systems. Logos. Type hierarchies. Consistency. But Supernatural reminds me that mood is also a system.

The recurring symbols — devil’s traps, sigils, angel blades, pentagrams — function like graphic elements. They’re instantly recognizable. They carry meaning. They repeat. They evolve. It’s basically a mythological design language.

And the layering of folklore? That’s where it gets even better.

The show pulls from urban legends, Christianity, pagan myths, apocalyptic narratives — and reinterprets them visually. It’s collage storytelling. It’s remix culture before TikTok made that a daily habit.

Living in Graz, walking through old streets at night, I started noticing how environment shapes imagination. Supernatural thrives in liminal spaces — abandoned houses, forests, highways. And being in a foreign city kind of feels liminal too. You’re not fully grounded. Everything feels slightly cinematic.

As an artist, I’m drawn to that “in-between” feeling.

What Supernatural does brilliantly is contrast intimacy with scale. One moment it’s two brothers talking in a car. The next, it’s cosmic-level angels and demons. Visually, that translates into tight framing versus vast landscapes.

In graphic design, we often forget scale as an emotional tool. What happens when typography feels small and isolated? What happens when imagery overwhelms the frame?

Also — and this might be controversial — the show is camp sometimes. And camp is powerful. It doesn’t always take itself too seriously, even when dealing with apocalypse-level drama. That balance between darkness and irony is something I want more of in my own work.

Design doesn’t always have to be polished and intellectual. It can be dramatic. Gothic. Slightly theatrical.

Maybe that’s why I’m currently obsessed with darker palettes, textured overlays, and symbolic graphics. Blame the Winchester brothers.

Or maybe it’s just that good storytelling — even in a 15-season supernatural soap opera — teaches you more about visual identity than a branding workshop ever could.

Being on Erasmus in Graz has this unexpected side effect: Vienna suddenly feels like your extended studio. It’s close enough to go for a day, intense enough to completely reset your brain, and aesthetically overwhelming in the best way.

So of course I had to go see Marina Abramović at the Albertina.

And honestly? I didn’t just see it. I felt slightly attacked by it. In a good way.

Marina doesn’t “perform” in the traditional sense. She endures. She waits. She stares. She pushes her body until the audience becomes uncomfortable. And as a graphic designer, I kept thinking about something very simple:

What does it mean to hold attention without decoration?

We are trained — especially in design — to add. Add color. Add texture. Add typography. Add hierarchy. Marina removes. She reduces everything to presence.

One of the most striking things about her work is how minimal it looks visually, but how maximal it feels emotionally. A body in a space. A chair. Silence. And suddenly the entire room is charged.

As someone who works with composition daily, I couldn’t stop noticing how carefully controlled everything is. The framing of her body. The stillness. The gaze. It’s basically radical minimalism with psychological impact.

And seeing this at the Albertina in Vienna — a city that breathes classical art history — made it even more powerful. Marina’s work feels like a confrontation inside institutions that are used to oil paintings and decorative frames.

As an artist, I’m obsessed with how she uses time as material. In graphic design, time is rarely part of the equation. It’s static. Print. Screen. Instant consumption. But Marina stretches time until it becomes uncomfortable.

It made me rethink pacing in my own work. What if a design doesn’t scream? What if it waits?

Also, being on Erasmus changes how you experience art. You’re already displaced. You’re already questioning your identity a bit. Seeing Marina’s work — which is so much about vulnerability, endurance, and self-exposure — hits differently when you’re living between countries.

If you’re in Austria, go. Even if you think performance art is “not your thing.” It’s less about liking it and more about confronting it.

More info:
Albertina Museum: https://www.albertina.at
Marina Abramović Institute: https://mai.art

Mein achter Impuls für Design & Research ist die Podcastfolge von gSpot mit der Schauspielerin Nilam Farooq, als Gästin. Die Folge beschäftigt sich mit dem Thema Selbstinszenierung und der Frage, wie bewusst wir jeden Tag entscheiden, wie wir nach außen wirken möchten.

Besonders spannend fand ich den Gedanken, dass jede Person sich täglich neu positionieren kann. Selbstinszenierung wird dabei nicht als etwas Oberflächliches verstanden, sondern als aktiver Prozess. Wie möchte ich wahrgenommen werden. Welche Teile meiner Persönlichkeit teile ich öffentlich. Welche bleiben privat. Und wie sehr lasse ich mich von der Meinung anderer beeinflussen.

Nilam Farooq spricht darüber, wie sie sich von ihren YouTube Anfängen bis zu ihren heutigen Rollen als Schauspielerin immer wieder neu erfinden musste. Dabei wird deutlich, dass Inszenierung nicht automatisch Unechtheit bedeutet, sondern eine bewusste Entscheidung darüber ist, welche Facetten man zeigt. Identität erscheint nicht als starres Konstrukt, sondern als etwas Bewegliches, das sich je nach Kontext verändern darf.

Ein besonders starker Gedanke aus dem Podcast war für mich die Auseinandersetzung mit äußerer Bewertung. Nilam Farooq spricht darüber, wie wichtig es ist, Kritik einzuordnen, Grenzen zu setzen und sich nicht ausschließlich über Resonanz im Außen zu definieren. Sie beschreibt sinngemäß, dass man nie allen gefallen kann und dass genau darin eine gewisse Freiheit liegt. Dieser Gedanke hat mich sehr beschäftigt. Gerade als Gestalterin bewegt man sich ständig im Spannungsfeld zwischen eigener Haltung und externer Bewertung. Entwürfe werden kommentiert, überarbeitet und hinterfragt. Gestaltung ist immer auch öffentlich und damit angreifbar. Gleichzeitig besteht die Gefahr, sich zu stark über Zustimmung oder Ablehnung zu definieren. Der Impuls aus dem Podcast hat mir deutlich gemacht, wie wichtig es ist, Kritik differenziert zu betrachten, ohne die eigene gestalterische Position aufzugeben.

Kritik einzuordnen bedeutet nicht, sie abzulehnen, sondern sie bewusst zu filtern. Welche Rückmeldung hilft dem Konzept weiter. Welche ist rein subjektiv. Wo muss ich mich anpassen, und wo darf ich bei meiner Haltung bleiben. Diese Fähigkeit, Grenzen zu setzen und sich nicht ausschließlich über Resonanz im Außen zu definieren, ist für Gestalterinnen essenziell. Sie schafft den Raum, in dem eigenständige Ideen überhaupt entstehen können.

Für mich wurde dadurch auch klar, dass Inszenierung im Design eine zentrale Rolle spielt. Jedes Projekt ist eine Entscheidung darüber, wie etwas erscheinen soll. Welche Haltung wird sichtbar. Welche Werte transportiert ein visuelles Konzept. Gestaltung ist immer auch Positionierung. Nicht nur für Marken oder Institutionen, sondern auch für uns Designerinnen selbst.

Im Designprozess stellt sich immer wieder die Frage, was gezeigt und was weggelassen wird. Wirkung entsteht nicht nur durch Präsenz, sondern auch durch Reduktion. Die bewusste Entscheidung für eine bestimmte Ästhetik, für eine typografische Haltung oder für eine visuelle Sprache ist vergleichbar mit der Entscheidung, wie man sich selbst im öffentlichen Raum präsentiert.

Der Podcast hat mir eröffnet, dass Gestaltung nicht losgelöst von Identität gedacht werden kann. Jede visuelle Entscheidung ist auch eine Aussage über Selbstverständnis und Haltung. Gleichzeitig bleibt sie wandelbar. So wie Nilam Farooq ihre Rollen wechselt und sich immer wieder neu definiert, verändern auch wir als Gestalterinnen unsere Perspektiven, Themen und Ausdrucksformen.

Der Impuls aus dieser Folge liegt für mich in der bewussten Auseinandersetzung mit Inszenierung als reflektiertem Akt der Positionierung. Nicht als reine Oberfläche, sondern als Entscheidung mit Konsequenz. Diese Gedanken möchte ich in meiner weiteren Design und Research Arbeit vertiefen, insbesondere im Hinblick darauf, wie visuelle Kommunikation Identität formt und gleichzeitig Raum für Entwicklung und Freiheit lässt.

Links:
https://open.spotify.com/episode/2QIUJc46vB6lKLYkdzl9DM?si=cR5u5lUJRKKkhk8839xDGw&nd=1&dlsi=36f5f990777545aa
https://www.instagram.com/nilam.farooq/

Mein siebter Impuls für Design & Research ist der Besuch der Ausstellung 100 Beste Plakate: Deutschland Österreich Schweiz im MAK Museum Wien, für angewandte Kunst am 10.02.2026.
Als Typografin war mir bereits vor dem Besuch bewusst, wie vielschichtig und konzeptuell stark das Medium Plakat sein kann. Die Ausstellung hat dieses Wissen jedoch nicht einfach bestätigt, sondern in seiner Bandbreite und Konsequenz sichtbar gemacht. Sie zeigte, wie unterschiedlich Haltung, Systematik und Experiment im zeitgenössischen Plakat aufeinandertreffen können.

Besonders beeindruckt hat mich die enorme Bandbreite typografischer Ansätze. Zwischen perfekter Spationierung und der bewussten Demontage klassischer Lehrsätze spannte sich ein weiter gestalterischer Raum. Einige Arbeiten wirkten streng und reduziert, andere experimentell und beinahe chaotisch. Schreibmaschinenschriften standen neben krakeliger Handschrift, analoge Anmutungen neben digitalen Prozessen. Teilweise wurde künstliche Intelligenz in den Gestaltungsprozess integriert. Dabei entstand der Eindruck, dass Typografie nicht als feststehendes System verstanden wird, sondern als offenes Feld, das ständig neu verhandelt werden kann.

In mehreren Arbeiten verloren Buchstaben ihren reinen Bedeutungsinhalt und wurden als visuelle Formen erfahrbar. Schrift wurde Bild. Der Moment, in dem Lesbarkeit an ihre Grenze kommt, erzeugt eine besondere Spannung. Man beginnt genauer hinzusehen, langsamer zu lesen und bewusster wahrzunehmen.

Besonders nachhaltig beeindruckt hat mich das Projekt „Rettungsplakate“ von Linus Knappe, einem ehemaligen Studenten der Hochschule Düsseldorf. Das Projekt wurde unter anderem mit Gold beim DDC Award ausgezeichnet. Die Idee hinter den Rettungsplakaten hinterfragt das Medium selbst und versteht das Plakat nicht nur als Werbeträger, sondern als Objekt mit gesellschaftlicher Funktion. Gestaltung erhält hier eine zusätzliche Ebene von Verantwortung. Formal überzeugen die Arbeiten durch Klarheit und Reduktion, zugleich transportieren sie eine starke konzeptuelle Haltung. Mich hat besonders angesprochen, wie selbstverständlich hier Gestaltung und Inhalt ineinandergreifen, ohne plakativ zu wirken.

Ein weiteres Projekt, das mich typografisch sehr fasziniert hat, stammt von Tao Lin, gestaltet im Atelier Ltd. Ltd. für die NewOne Awards in Shanghai. Seine Plakatserie basiert auf der Idee, dass Kreativität wie ein lebendiger Kosmos wächst. Sie saugt Inspiration aus der Umgebung auf und entwickelt sich stetig weiter. Diese Vorstellung wurde nicht illustrativ, sondern typografisch umgesetzt. Die Schrift wirkt in dieser Arbeit nicht statisch, sondern eingebunden in ein dynamisches System. Sie scheint sich auszudehnen, sich zu verdichten oder sich im Raum zu organisieren. Typografie wird hier zur Trägerin einer Idee, nicht nur zur Beschriftung. Zwischenräume werden zu aktiven Flächen, Rhythmus entsteht durch Anordnung und Wiederholung. Besonders angesprochen hat mich die Balance zwischen Kontrolle und organischer Entwicklung. Die Gestaltung wirkt präzise und zugleich lebendig.

Für meine eigene Praxis als Typografin war der Besuch dieser Ausstellung ein wichtiger Impuls. Er hat mir erneut bewusst gemacht, wie sensibel das Verhältnis von Lesbarkeit, Bildhaftigkeit und konzeptueller Klarheit ist. Ein gutes Plakat funktioniert auf Distanz ebenso wie in der Nähe. Es muss Aufmerksamkeit erzeugen und zugleich Bestand haben, wenn man genauer hinsieht.

Die Ausstellung hat mir gezeigt, dass zeitgenössisches Plakatdesign weniger von festen Regeln lebt als von bewussten Entscheidungen. Ob radikale Reduktion oder experimentelle Auflösung, entscheidend ist die Haltung dahinter. Diese Erkenntnis möchte ich in meiner weiteren Design und Research Arbeit weiterdenken und besonders im Hinblick auf Typografie als eigenständige gestalterische Kraft im öffentlichen Raum vertiefen.

Links:
https://www.mak.at/ausstellung/100besteplakate24
https://ddc.de/de/wettbewerb/ddc-award-2025/auszeichnungen/kommunikation/KOM-0034-rettungsplakate.php
https://www.instagram.com/tao.graphicdesign/?hl=de

When Yugoslavia dissolved, new national identities were aggressively constructed. Flags changed. Narratives changed. Borders hardened.

And queer people had to navigate that.

Photography reflects this shift. In earlier images, you might see a kind of shared Yugoslav cultural space. Later, the imagery becomes more fragmented — shaped by different national politics.

Some states became slightly more open. Others became more conservative.

Queer photography had to adapt.

Borders don’t just divide land. They divide archives, funding, artistic networks. They shape which exhibitions happen and which don’t.

But queerness doesn’t respect borders so easily.

Photographs traveled. Artists collaborated across new nation-states. Underground scenes remained connected.

The breakup of Yugoslavia changed everything — but it didn’t erase queer creativity.

There’s something especially powerful about self-portraiture.

When queer artists photograph themselves, they control the narrative completely. No outsider gaze. No misrepresentation.

In post-socialist contexts, where mainstream media often distorted queer identities, self-portraiture becomes self-definition.

You decide how you look. How you pose. What you reveal.

Some self-portraits feel confrontational — staring directly into the lens. Others feel vulnerable, almost diary-like.

The body becomes canvas and protest at the same time.

And because photography freezes time, these self-portraits become long-term acts of resistance. They outlive censorship. They outlive governments.

They say: this is me. On my terms.

Queer history is fragile. Especially in places marked by war, censorship, and political transition.

Clubs close. Magazines disappear. Activist groups dissolve. People emigrate. Archives get destroyed.

So how do you preserve something that was often hidden to begin with?

Photography helps.

Even if formal institutions ignored queer life, personal photo collections survived. Boxes under beds. Negatives in drawers. Digital files saved on old computers.

These images become unofficial archives.

They challenge the idea that history only lives in state documents. Sometimes history lives in a blurry photo from a basement party in 1996.

Archiving queer life isn’t just about nostalgia. It’s about legitimacy. It’s about saying: this mattered.

And honestly? Without photography, so much of this would be gone.

The camera didn’t just capture moments. It protected them.